ISMAEL NERY – UMA VIDA SOFRIDA

Ismael Nery - obras

- Tais Luso de Carvalho

Ismael Nery nasceu em Belém do Pará em 1900. Junto com Cícero Dias e Oswaldo Goeldi foi um dos expoentes dos anos 1920.

Aos 33 anos já no fim de sua vida (tuberculose), suas palavras traduziram a angústia do artista incompreendido. Demasiadamente inovadoras para a época suas obras obtinham uma reação fria e indiferente do público. Entretanto Ismael dedicou toda a sua vida a elas; a arte sempre foi sua vida, sua vocação.

…Não tenho sido na vida senão um grande ator sem vocação. Ator desconhecido, sem palco sem cenário e sem palmas.

Foi para o Rio de Janeiro ainda criança. Aos 18 anos matriculou-se na Escola de Belas Artes e dois anos depois foi para Paris onde frequentou a Academia Julien e a Escola de Arte.

Quando voltou ao Brasil em 1922 intensificou sua atividade de pintor e desenhista. Mais tarde, após uma nova estada em Paris, Ismael voltou em sua cidade natal e realizou sua primeira exposição, sem nenhum sucesso. Em 1929 o fracasso se repetiu, na mostra do Palace Hotel do Rio de Janeiro.

Casado com Adalgisa Néry, mantinha a família exercendo um cargo público. Além de pintor, era poeta, mas sua poesia também não era aceita. Apenas um reduzido número de amigos o compreendia, entre eles o poeta Murilo Monteiro Mendes que escrevia artigos sobre Ismael, procurando projetá-lo no mundo artístico.

Entretanto, em 1930, o artista tuberculoso, não pode mais lidar com as tintas. Dedicou-se, então, ao desenho, criando obras que refletiam a tragédia de sua vida.

Após sua morte, em 1934, Adalgisa entregou seus trabalhos para Murilo Mendes que os guardou até 1965. Apenas alguns entendidos conheciam suas obras e algumas delas foram incluídas na VIII Bienal de São Paulo, e a partir dessa época o nome de Ismael Nery adquiriu fama.

Os colecionadores procuravam seus quadros e as galerias disputavam a sua exposição. Eram óleos, desenhos e aquarelas de caráter universal, onde a realidade brasileira estava ausente.

O tema girava em torno do homem atemporal que tanto pode vestir trajes da antiguidade como os costumes simples do proletário moderno.

A X Bienal mostrou novamente essas obras originais em que Ismael reuniu nas formas expressionistas (1922 a 23), cubistas (1924 a 27) e surrealistas (1927 a 34), expressando o problema íntimo da comunicação e do amor.

Muito atuante no modernismo brasileiro, veio a falecer prematuramente em 1934 aos 34 anos, de tuberculose, num mosteiro franciscano. Portanto, suas obras passam a ser reconhecidas após sua morte.

Desenho em nanquim

JOSÉ PANCETTI

- Tais Luso de Carvalho

O pintor modernista José Pancetti, (Giuseppe Giannini Pancetti), nasceu em Campinas, São Paulo em 1902. Filho de emigrantes italianos, de família humilde, passou sua infância em meio a dificuldades. Aos 10 anos, devido a um incidente familiar foi levado por um tio para a Itália. Essa viagem lhe proporcionou o primeiro contato com o mar lhe provocando uma emoção que o acompanharia pelo resto da vida.

Na Itália trabalhou como aprendiz de carpinteiro numa fábrica de bicicletas, em outra de material bélico, só encontrando satisfação e tranquilidade quando ingressou para a marinha mercante italiana que lhe proporcionou o reencontro com o mar. Retornou ao Brasil em 1920, alistando-se na marinha brasileira dois anos mais tarde como grumete.

Embarcou em vários navios de guerra, viajando pelo Brasil e por outros países. Daí surgiu seu primeiro desenho. Passou a compor nas horas vagas cartões-postais, paisagens sempre aplaudido pelos seus companheiros de bordo por suas qualidades artísticas.

Já instalado no Brasil, ingressou no Núcleo Bernadelli, uma espécie de atelier livre, fundado em 1931 no Rio de janeiro. Dois anos mais tarde conheceu o pintor polonês Bruno Lechowski, que se tornou seu mestre. Em contato com outros artistas, passou a enviar trabalhos para o Salão Nacional de Belas Artes, conquistando menção honrosa e medalhas de bronze, prata e ouro.

NÚCLEO BERNARDELLI

No ano de 1931, no Rio de janeiro, formou-se um grupo de jovens que não aceitava mais os princípios tradicionalistas que predominavam no ensino da arte, principalmente na Escola Nacional de Belas Artes, que ainda era regida pelas ideias da Missão Artística Francesa.

Esse grupo carioca recebeu o nome de Núcleo Bernardelli, que no fim do século 19 haviam contribuído para a renovação da arte brasileira. Dele faziam parte, entre outros, os artistas Ado Malagoli, José Pancetti e Milton Dacosta. Apesar deste grupo ter sido renovador, ele representou um aspecto menos radical do modernismo. 

(História da Arte, ed Ática)

Em 1941, o Salão Nacional de Belas Artes concedeu-lhe o prêmio de uma viagem ao estrangeiro, mas Pancetti, gravemente doente, recebeu o prêmio convertido em pensão para custear seu tratamento em Campos do Jordão. No novo ambiente sua pintura transformou-se: surgiram as paisagens serranas, com marrons e vermelhos substituindo o cinza, o verde e o azul das marinhas.

Cinco anos mais tarde sua carreira artística estava em plena ascensão. Entre outras exposições participou da 1ª Bienal de Veneza / 1950, e da 1ª Bienal de São Paulo / 1951.

A partir dessa época, suas telas adquiriram cores mais depuradas e vibrantes, criando figuras e naturezas mortas, sempre dentro de um estilo próprio, alheio a qualquer tipo de corrente.

Após sua participação na XXV Bienal de Veneza, passou a residir em Salvador, dedicando-se por inteiro à pintura, já que passou para a reserva da marinha como primeiro-tenente, após servi-la por 25 anos.

Suas obras estão guardadas em inúmeras instituições artísticas nacionais e internacionais. É reconhecido como um dos mais brilhantes paisagistas brasileiros. Com ele, esse gênero de pintura atinge seu ponto alto, pela exuberância, pelo sensualismo plástico e pela espontaneidade, pelos quais soube tão bem captar a cor e a luminosidade dos trópicos brasileiros.

Em 1955 foi definitivamente consagrado, através de uma retrospectiva organizada pelo Museu de Arte Moderna no Rio de janeiro.

Passou os últimos anos de sua vida buscando inspiração para suas obras nas brancas areias da Bahia. 

Faleceu em 1958 no Rio de Janeiro, no Hospital da Marinha aos 56 anos de tuberculose.

Farol da barra - 1952

Campos do Jordão

Arsenal da Marinha - 1936

Marinha - 1945

Mar Morto - 1941

Lavadeira do Abaeté - 1957

Natureza morta - 1943

LYGIA CLARK

 

 

      

                  

- Tais luso de Carvalho

Para Lygia Clark, uma mineira de Belo Horizonte, nascida em 1920, a obra de arte fundamentava-se na realidade.

A alegoria, disse ela, em vez de comunicar alguma coisa, retira da comunicação o que ela tem de mais vivo. Assim o real era mais importante. Se alguma coisa é, tentar colocar-lhe um sentido simbólico, é enfraquecê-la.

A partir desse raciocínio lógico, Lygia construiu toda a sua obra. Iniciou seus estudos com Burle Marx em 1947 e Zélia Salgado. Em 1952 fez sua primeira exposição individual em Paris, no Institut Endoplastique.

Voltando ao Brasil, no mesmo ano, interessou-se pela Arte Concreta onde é incluída em diversas mostras de artistas brasileiros no exterior. Dois anos mais tarde adere ao movimento Neoconcretista, participando de várias exposições, organizadas pelo novo grupo artístico.

De seus primeiros trabalhos, telas em tons acinzentados, partiu para novas pesquisas, abolindo a moldura e partindo para o tridimensional. Entre as obras dessa época (1956-1958) estão as superfícies moduladas – placas pretas e brancas de madeira pintada com tinta líquida a pistola, e os contra-relevos - placas superpostas que guardam entre si independência individual.

Do prosseguimento dessa atividade nasceu uma experiência que acabou de ser uma criação mais conhecida: peças com chapas metálicas móveis, com dobradiças e que deram o nome de bichos – exibidos pela primeira vez em 1960.

Lygia Clark expôs da II à VII Bienal e depois da IX, em São Paulo recebendo o prêmio de Melhor Escultor Nacional em 1961 e Sala Especial em 1963. Também participou da XX, XXXI e XXXIV bienais de Veneza, com uma retrospectiva de 10 anos de trabalho em sala especial, no ano de 1968.

As pesquisas continuaram e nasceu trabalhos de máscaras sensoriais, macacões para o público vestir, casas com painéis que corriam, e labirintos a serem percorridos.

Vivendo na Europa desde 1969, veio à São Paulo em fins de 1971 para novas demonstrações de suas obras que cada vez mais interagiam com o público. E assim continuou.

'No ano de 1972, Lygia Clark foi convidada a ministrar um curso sobre comunicação gestual na Universidade de Sorbone. Suas aulas eram verdadeiras experiências coletivas apoiadas na manipulação dos sentidos, transformando estes jovens em objetos de suas próprias sensações. São dessa época as obras:

Arquiteturas biológicas, Rede de Elástico, Baba Antropofágica, Relaxação. Tratava de integrar arte e vida'.

Para ela, a obra não existia se o expectador não se propusesse a experimentá-la.

A beleza para Lygia estava em fazer uma obra de arte que fosse compreensível a todos, com o emprego de materiais industriais, no caso o alumínio, e também por poder ser múltipla, uma obra com vários exemplares. Dessa forma a obra seria socializada, manuseada, transformando-se em cada instante com a vontade da pessoa, e até entrando no processo criativo do artista. Passado o período em que o público podia manusear as obras os bichos, as séries foram recolhidas em museus ou adquiridas por colecionadores.

Lygia faleceu no Rio de Janeiro em abril de 1988.

 

  Composição                                   Cabeça de Cristo / carvão

                                    

Planos - tinta industrial sobre madeira / 1957

Caminhando

Série Bicho - metal dourado /1962

Plano de moldura

Série Bichos invertebrados - 1960 / metal com dobradiças

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Referências de pesquisa:

Pintura no Brasil: arte nos Séculos

Arte Brasileira – Companhia editora Nacional

Leia: Concretismo e Neoconcretismo (Mario Shemberg)

GLÊNIO BIANCHETTI

Ciranda

Nascido em 1928, Bagé, Rio Grande do Sul, Glênio Bianchetti se apaixonou pela arte sem saber direito o que realmente significava. Pintor, escultor, ilustrador, professor e gravador, O artista aprimorou seus dons artísticos no decorrer dos anos, em cidades como Porto Alegre, Rio de Janeiro e Brasília. Hoje ele é reconhecido no país e afora pelas suas obras contemporâneas de sucesso mundial. Via Sacra, sua atual exposição é bela, diferente, contemporânea. Bianchetti focaliza os instantes que precederam a crucificação.


Feita sob encomenda, Imagens Sacras consumiu meio ano de trabalho.

'O tema é hiper batido. Desde a Renascença até agora serviu de matéria-prima. Como fazer? Tenho que repetir. Para mim a Via-Sacra é Cristo, sozinho, caminhando para a morte. Mas não tem sangue nem violência'.


É considerado pelos críticos como um dos pintores expressionistas e figurativos de maior talento e originalidade dos últimos tempos. A pintura se confunde com a própria vida do artista gaúcho.


Bianchetti mantém atelier em Brasília e Nova Viçosa – Bahia. De vez em quando volta à Porto Alegre para rever os amigos. Apaixonado pela pintura, só pensa em dar continuidade ao seu trabalho. Está com vários projetos para expor em Brasília, São Paulo, Belo Horizonte e Rio de Janeiro no próximo ano. Até dia 3 de outubro está com exposição na Casa Arte, em Porto Alegre.


Aos 79 anos, ele reúne cerca de 2000 obras de pinturas, gravuras e tapeçarias.

Via Sacra                                      Lázaro - 1959

'Glênio Bianchetti iniciou seus estudos artísticos na década de 1940 sob orientação de José Moraes. Em 1949, ingressou no Instituto de Belas Artes de Porto Alegre, onde foi aluno de Iberê Camargo. Três anos depois, fundou o Clube de Gravura de Bagé, ao lado de Glauco Rodrigues e Danúbio Gonçalves. O grupo defendia a popularização da arte por meio da abordagem de temas sociais e regionais em um estilo figurativo realista com traços expressionistas. Com os amigos Carlos Scliar e Vasco Prado, Glênio fundou o Clube de Gravura de Porto Alegre. Em 1953, dirigiu o setor gráfico da Divisão de Cultura e Educação da Secretaria de Educação do Rio Grande do Sul. Nesse período, ele ilustrou obras literárias e realizou seus primeiros painéis em espaços públicos. Em 1962, transferiu-se para Brasília, onde ajudou a construir a Universidade de Brasília. Na instituição, lecionou disciplinas de desenho no Instituto de Artes Visuais. No início da década de 1970, colaborou na criação do Museu de Arte de Brasília. Participou de exposições no Brasil e no exterior e, em 1999, no Palácio Itamaraty, foi homenageado com a retrospectiva dos seus 50 anos de carreira. Em 2009, a vida de Glênio ganhou as telas em um documentário de 52 minutos dirigido por Renato Barbieri.'

(Correio Braziliense - Marcela Ulhoa).

São Francisco

Garotos

Canto de sala - 1988

Casal na praia

O filme  'BIANCHETTI' -

de Renato Barbieri, transcende qualquer aspecto de sua

narrativa e de sua técnica para alcançar os níveis de uma linguagemnotável e exala, plena de vida e poesia. O documentário cria um tempo múltiplo, não cronológico, de intensa beleza, e há momentos em que quase invertem-se os papéis quando, pelo uso da cor e do enquadramento, transforma os paisagens filmadas em algo mágico, tão semelhante à paleta do pintor, que termina tudo virando pintura: o filme e o seu objeto. Parece que aí penetramos como numa espécie de “terceira dimensão” que só as virtualidades do cinema podem no propiciar. (texto do cineasta Wladimir Carvalho).

DVD  BIANCHETTI

Direção Renato Barbieri

Roteiro de Victor Leonard e Paulo Eduardo Barbosa

Está à venda na LIVRARIA CULTURA e pode ser comprado  no site da livraria

CAMILLE PISSARRO

- Tais Luso de Carvalho

Camille Pissarro nasceu em Saint'-Tomas, nas Antilhas, no ano de 1830 e estabeleceu-se em Paris em 1855. Filho de um comerciante israelita e de mãe crioula, depois de ter estudado em Paris, foi, inicialmente, forçado por seu pai a se associar em seus negócios.

Mas tendo conhecido o pintor dinamarquês Fritz Melbye, seguiu com ele para a Venezuela. Enfim, em 1885 foi para Paris e entusiasmou-se por Carot, que orientou sua vocação para a paisagem.

No início foi muito influenciado pela pintura de Carot, Millet e Daubygny.

Não levou muito tempo para romper com a pintura acadêmica e expôr no Salon des Refusés, em 1863.

Mas foi em 1870, enquanto a França se envolvia na Guerra desastrosa com a Prússia, que Pissarro se encontrava com seu amigo Monet em Londres. Também foi durante esta estadia na capital inglesa que conheceu o galerista Paul Durand-Ruel.

Camille Pissarro foi o mais velho incentivador do grupo dos impressionistas. Exerceu uma enorme influência no grupo dos pintores jovens, aconselhava com benevolência e energia, e teve seu lugar de importância na arte do século 20. Foi o único membro do grupo que não faltou a nenhuma das exposições do movimento. Foi o primeiro a eliminar da paleta, o betume, o preto e a cor terra de siena, alterando assim a gama de cores para tonalidades mais claras.

Nas suas obras, das mais impressionistas, conseguiu unir um vivo sentido da cor com o equilíbrio geral da composição.

Pissarro mostra em suas obras o grau de refinamento que alcançou na pintura de paisagens. Foi capaz de representar os matizes de cores e a variedade de luz que se pode observar na natureza, seja iluminada, seja num bosque.

De regresso à França em 1871, Pissarro trabalhou em Pantoise e Eragny . Após 1885 demonstrou interesse pelas teorias neo-impressionistas de Seurat e Signac, mas o entusiasmo por esse estilo durou pouco, voltando a uma pintura mais livre.

A obra de Pissarro mostra uma evolução regular desde o realismo do meio do século 19 até o divisionismo livremente interpretado, sempre baseado numa profunda preocupação com a natureza. Foi um dos pintores que melhor soube expressar a atmosfera profunda e particular do campo francês. Dizia ele - a seu filho - que era de temperamento rústico, melancólico, de aspecto grosseiro e selvagem.

Segundo Cézanne, Pissarro foi o pintor que mais se aproximou da natureza: Ele traduziu especialmente as casinhas camponesas no fundo dos valões profundos, envolvidas de verdura ondulante, com um sentimento direto da verdade das coisas da terra. Preconizando sem se cansar a humildade diante da natureza, o humilde e colossal Pissarro – como dizia Cézanne – aparece como um dos mais autênticos pintores franceses.

Veio a falecer em 1903.

DAVID – JACQUES LOUIS

- Tais Luso de Carvalho

David - Jacques Louis, grande mestre do classicismo francês, nasceu em Paris no ano de 1748. Para conhecermos a obra de David, vale a pena entrar um pouco no período político-histórico da época. Filho de uma próspera família burguesa, aos 18 anos tornou-se aluno da Academia Real de Paris.

Ali teve como professor Joseph Vien, que inspirado no que vira em Pompéia, dera início a um movimento artístico denominado Moda Pompeiana, cujas ruínas haviam sido recém-descobertas e que caberia a David desenvolver e afirmar o novo movimento artístico - o Neoclassicismo.

Acreditando na superioridade da cultura antiga, David viajou com Vien para a Itália, onde a atuação dos papas (reabrindo as galerias de arte antigas), mais o interesse por Pompéia e o retorno ao gosto clássico haviam reconduzido Roma à posição do mais importante centro artístico europeu. David dedicou-se a copiar baixos-relevos e estátuas para aperfeiçoar sua técnica. O escultou Giraud ensinou-lhe a observar os modelos vivos sob o prisma da arte helênica. David permaneceu na Itália por cinco anos formando um contato direto com a antiguidade. Em 1780 voltou à França.

Participava ativamente dos acontecimentos políticos de seu país, tornando-se rapidamente o representante principal de um classicismo revolucionário.

O lema Liberdade, Igualdade, Fraternidade não era integralmente seguido na França. A Revolução Francesa trazia, contudo, mudanças radicais para a sociedade. A monarquia foi substituída pela república democrática; criou-se a Convenção eleita por votos representativos de todas as classes sociais e surgiram duas alas de pensamentos políticos: uma defendia a ordem burguesa, e a outra as ideias populares. Essa divergência causava várias crises que só seriam solucionadas com a ascensão de Napoleão ao poder.

A burguesia tentava implantar os ideais revolucionários apoiando-se no pensamento iluminista, em busca de uma verdade universal. E através dos filósofos Montesquieu, Voltaire, Pascal, Diderot e Rosseau, com suas ideias iluministas, atingiram a arte: ela deveria ser moralizadora, pregando a virtude e exaltando o caráter heroico da Revolução. Os volteios do Rococó já não serviam para exprimir o momento que se vivia.

Era preciso encontrar uma forma de retratar o mundo, que dispensassem subterfúgios e enfeites e que criasse uma atmosfera heroica: o belo ideal da Antiguidade romana trazia em si a perfeição e a objetividade das linhas acadêmicas além do heroísmo que os defensores da Revolução desejavam transmitir. Em suma: inspirando-se num passado clássico, os artistas do fim do século 18 e começo do século 19 criaram um estilo – o Neoclassicismo.

O Neoclassicismo tornou-se, na época, o Movimento oficial da Revolução Francesa. David fez parte da Convenção nacional e Membro do Comité de Arte e Instrução Pública. Manteve-se como um ditador nas artes francesas até a queda de Napoleão. Nesse período sua obra voltou-se para os temas revolucionários, como em A Morte de Marat (1793), mas durante o império napoleônico, começou a perder a sobriedade neoclássica, influenciado pelo fausto da corte. Assim o luxo e a riqueza de detalhes aparecem com destaque na Coroação de Napoleão em Notre-Dame.

David foi unanimemente reconhecido como o pintor da Revolução. Tomou parte ativa na fundação do novo Instituto que substituiu a Academia e tornou-se defensor ardente de Napoleão mantendo-se sempre no topo. Entre 1802 e 1807 pintou uma série de obras exaltando os feitos do Imperador. Essas pinturas marcaram uma mudança técnica e estilística em relação às pinturas da época republicana. As cores frias e a composição severa das pinturas heroicas cederam lugar novamente à suntuosidade e ao romantismo de outrora – embora David sempre tenha se colocado em oposição a essa escola.

Com a queda de Napoleão David retirou-se para Bruxelas e suas obras enfraqueceram no sentido de não exercer mais uma influência moral e social.

Sua obra exerceu muita influência sobre o desenvolvimento da pintura francesa, ou mesmo europeia, e entre seus alunos estavam Gérard, Gros e Ingres.

Como pintor patriótico oficial, praticamente renunciou ao estilo anterior, mesmo nas obras desligadas da política. É o caso do Rapto das Sabinas, tela em que os três princípios básicos dos clássicos – sobriedade, simplicidade e dignidade – já ficaram inteiramente renegados.

Exerceu influência considerável junto ao governo da França como porta-voz de todos os assuntos relacionados à arte e à propaganda política. Lógico, através da própria arte.

Com a queda de Napoleão e a restauração monárquica, David cai em desgraça (ele votara pela condenação de Luis XVI durante a Convenção) e passa os anos restantes de sua vida exilado em Bruxelas, onde morre em 29 de dezembro de 1825.

Com o Juramento dos Horácios começou a trilhar seu caminho de glórias em Roma. Aplaudido pelos mais famosos artistas do ambiente romano, recebia centenas de visitantes em seu atelier. Artistas e amantes da arte enviavam cumprimentos e flores. Exposto no Salão de 1785, em Paris, O Juramento dos Horácios causou muito sucesso. E foi considerado o mais belo quadro do século - e David um revolucionário.

O choque provocado pela célebre e discutida tela, deveu-se à comparação com o trabalho de outro mestre da época, Fragonard. O contraste entre a pintura galante de Fragonard e o vigor e a força dos quadros de David, saltava aos olhos dos franceses.

O amor pela razão e o repúdio a qualquer tipo de religiosidade ressuscitaram o estudo da anatomia do corpo humano. A musculatura é minuciosamente descrita no quadro de David; as formas das pernas e dos braços são o resultado da observação fiel da realidade.

Antes do aparecimento de David o neoclassicismo era apenas mais uma moda, disputando a supremacia com o rococó cortesão. Após o sucesso do Juramento, ele se define e triunfa, passando a ser considerado o estilo oficial da França.

'Minha intenção é pintar os ambientes antigos com tal exatidão que os gregos e romanos, vendo meus quadros, não me considerariam estranho aos seus costumes'.

A Morte de Marat / 1793 – Museu Royal de Belas Artes, Bélgica.

Homenagem de David a Jean Paul Marat que foi assassinado. David o retrata com dignidade e a ternura de um santo martirizado.

O Juramento dos Horácios /1785 - Museu do Louvre
A Morte de Marat / 1793 – Museu Royal de Belas Artes, Bélgica

Monsieur Lavoisier and his wife – 1788 Metropolitan Museum of Art

A Morte de  Sócrates / 1787 – Metropolitan Museum of Art – Nova York

Napoleão cruzando os Alpes - 1801 - Chateau National de Malmaison / França

VICENTE DO REGO MONTEIRO

              – Tais Luso de Carvalho

Vicente do Rego Monteiro, nasceu em Recife – Brasil em 19 de dezembro de 1899. Com 12 anos de idade passou a dividir sua vida entre Recife e Paris na companhia de sua irmã Fédora, também pintora. De 1911 a 1914 residiu em Paris onde frequentou  a Academia Julien, e dois anos depois expôs suas esculturas e pinturas no Salon des Indépendants, em 1913 – Paris.

Em 1914 retornou ao Brasil, fixando-se no Rio de janeiro. Em 1920 expôs aquarelas em São Paulo e ligou-se aos modernistas Anita Malfatti, Brecheret e Di Cavalcanti e  conhecendo em São Paulo, Pedro Alexandrino.

Já adulto e sempre atuante como pensador, pintor, escultor, jornalista e editor, sua criatividade o conduziu à realizar-se nos mais diferentes campos,  desenvolvendo sua pintura inspirada na arte indígena, raiz de brasilidade que procurou manter através de sua obra.

Participou de várias mostras individuais em Recife, São Paulo, Rio de janeiro, Paris e, em 1922, integra a Semana de Arte Moderna deixando 8 obras aos cuidados do poeta Ronald de Carvalho que viriam a figurar na Semana de 22. Participou, ainda, de diversas coletivas nos EEUU, Holanda, Paris, Recife, Salvador, Olinda e São Paulo.

Sua segunda estada na França foi muito proveitosa: a editora Tolmer publica, com textos e ilustrações de sua autoria, o livro sobre lendas indígenas que projeta Vicente no ambiente literário.

Novamente de volta ao Brasil o artista fundou, no Recife, a revista Renovação – no ano de 1929. No ano seguinte promoveu uma série de Exposições trazendo do exterior telas de Braque, Léger, Picasso, Miró, Gino Severine, Fernand Léger, e outros artistas do cubismo e Surrealismo.

Continuando sua experiência editorial, Vicente publica em Paris (1947), a revista La Presse à Brás. Nesse período se dedica intensamente à poesia. Organiza o Mur des Poètes, O 1º Congresso Internacional de Poesia de Paris e o 1º Salão de Poesia - ambos em 1952. Coroando sua dedicação e talento recebe, com o livro 'Broussais – La Charité', o prêmio Apollinaire.

Porém, melhor sucedido na pintura do que nas letras, no ano de 1957 foi nomeado catedrático da Universidade Federal de Pernambuco. 

Museus do Brasil e da Europa expõem suas telas, onde o desenho forte, às vezes monumental, mostra a preocupação constante do artista: não abandonar os valores nacionais.

Faleceu repentinamente em 5 de junho de 1970, de enfarte, quando se preparava para viajar de Recife para Brasília. 

Já no ano seguinte, em novembro de 1971, o MAC organizou a primeira retrospectiva em sua sede, no Ibirapuera. 

Fontes:  Arte nos séculos / Abril cultural   -  D.Oxford de Arte