21.12.22

PABLO PICASSO / Suas Mulheres

     


    
       - Tais Luso de Carvalho

Picasso nasceu em Málaga, cidade de Andaluzia, sul da Espanha, em 25 de outubro de 1881. Mais tarde preferiu usar o sobrenome da mãe: Picasso – e não o do pai, Ruiz.

Picasso se parecia com a mãe, Maria Picasso Lopez, uma pequena andaluza, de olhos e cabelos negros. Seu pai, um homem alto e ruivo foi quem encorajou Picasso a pintar desde cedo. Era professor de desenho numa escola de arte local e completava o salário modesto com outros empregos, como curador do museu da cidade e restaurador. Ele tinha duas irmãs mais novas, Lola e Concepción – esta morreu de difteria aos oito anos.

Quando Picasso estava com 10 anos o museu fechou; seu pai josé, conseguiu o cargo de professor na Escola de Belas-Artes no porto atlântico de la Coruña. Mudou-se com toda a família. Pouco depois José reconheceria o talento do filho para a arte e decidira desistir ele próprio da pintura para dedicar-se a desenvolver a carreira artística de Pablo.

O JOVEM PICASSO

Picasso foi à Paris em outubro de 1900, com seu amigo Carlos Casagemas. Foram morar em Montmartre no estúdio do artista espanhol Isidro Nonell, que decidira retornar à Espanha. Lá, permaneceu apenas o tempo suficiente para encontrar um marchand que se oferecesse para vender seu trabalho. Após, voltou à Espanha para passar o natal com a família.



Picasso pintou essa obra aos 14 anos. A modelo é desconhecida, mas claramente uma garota de seu tempo. Uma pintura surpreendente para alguém de sua idade, uma das preferidas de Picasso. Pode ser que lhe recordasse sua irmã, Concepción, que morreu naquele ano.

A ARTE NA ÉPOCA DE PICASSO

Em sua primeira visita à Paris em 1900, Picasso penetrou numa cidade povoada de artistas à procura de novas e diferentes concepções para a pintura. O impressionismo já era bem conhecido, e um de seus expoentes, Claude Monet, já tinha prestígio internacional. Grupos dissidentes, como os pontilhistas - uma forma de pintura em que pequenos pontos de cores primárias são usados para gerar as cores secundárias - competiam com os impressionistas.

Edgar Degas e Auguste Renoir seguiam caminhos próprios. Solitários como Paul Gauguin e Vincent van Gogh haviam desenvolvido estilos bastante individuais.

Picasso fez experiências a partir de todas estas novas experiências, mas rapidamente fixou um padrão próprio de pintura que logo conquistaria seguidores conhecidos.

Por volta de 1905 um novo estilo chamado 'fauvismo' desenvolveu-se, liderado por Henri Matisse – o principal objetivo do fauvismo era usar a cor como meio de expressão. Matisse e Cézanne influenciaram enormemente o curso da pintura no começo do séc. XX, mas nenhum contribuiu tanto quanto Picasso, que sempre manteve sua individualidade, mesmo trabalhando paralelamente a movimentos como o cubismo, o surrealismo, o expressionismo, o futurismo e muitos outros 'ismos'.

SUAS MULHERES...

Parecia impossível a Picasso ser fiel a uma mulher. Depois que Fernande o abandonou, em 1911, ele começou a cortejar uma amiga dela, Marcelle Humbert o qual chamava de Eva, querendo dizer que era seu primeiro grande amor. Foi nessa época que começou a aparecer em seus quadros as palavras Ma Jolie (minha bela) apareciam em quase todos seus quadros. Porém Eva morreu, tragicamente de uma doença em 1915.


  
Em 1918 que ele casou-se com Olga Khoklova, filha de um general russo e uma das dançarinas do famoso balé russo. Nasceu Paulo em 1921. Por algum tempo, Picasso foi um pai dedicado e sempre se deliciava em fazer esboços e pinturas do filho. Porém a estabilidade não durou muito, em poucos anos estavam separados.



Mesmo não obtendo o divórcio de Olga, Picasso conhece - em 1927, nas ruas de Paris - Marie-Thérèse Walter, uma garota de dezessete anos. Nasce a filha Maya. Em 1936 a Guerra Civil eclodiu na Espanha. O retrato da filha de três anos parece quase sinistro. É como se o trabalho de Picasso fosse assombrado pelos horrores da guerra, tivesse se tornado incapaz de recuperar a inocência da infância.



Desde o rompimento com Olga, Picasso viveu sozinho, passando apenas os finais de semana com Marie-Thérèse e pequenos períodos com Dora Maar. Com Françoise Gilot o pintor sentiu-se diferente; conheceu-a na Paris ocupada pelos nazistas em 1943. Quando a guerra terminou, Picasso aos 64 anos e Françoise 40 anos mais nova, eram amantes. Foram morar juntos em Antibes, onde em 1947 Françoise teve um filho chamado Claude. Pouco tempo depois tiveram uma filha a quem deram o nome de Paloma.



Jaqueline Roque tornou-se a segunda esposa de Picasso. A morte de Olga, em 1955, deu a Picasso a liberdade de casar-se. A casa onde moraram, em Cannes, era ampla, com imensos ambientes e vista para a baia de Cannes, tornou-se um enorme estúdio onde Picasso prosseguia com sua imensa produção de pinturas e de esculturas. Jaqueline tornou-se os temas de suas pinturas assim como de todas as mulheres de sua vida. Ele a pintou obsessivamente, reduzindo a forma a contornos e cores, linhas e texturas. A vida em La Californie era agitada e diversificada. Interessado em política, Picasso atiçou o debate quando os tanques soviéticos invadiram a Hungria.


    
Jaqueline tornou-se secretária, agente, enfermeira e protetora do pintor. Era obcecada pelo marido, afastando-o um pouco dos amigos e da família. Foi a mulher, a musa mais pintada por Picasso. Embora o artista tenha deixado uma fortuna ao morrer, isso não a poupou de suicidar-se em 1986 com um tiro na cabeça. Deixou dito que a vida não tinha sentido sem ele.

    

fontes:
título original- Picasso Breaking the Rules of Art
trad. Luiz Antonio Aguiar / Marisa Sobral
Cia Melhoramentos de São Paulo
Grandes Pintores / Paulo Ramos Derengoski


6.12.22

PIET MONDRIAN 1872 / 1944



   Se houve alguém que influenciou a moda, através de seus traços, de suas cores, foi Pieter Cornelis Mondrian, pintor holandês modernista, nascido em Amersfoort / Holanda. Concebeu a maior parte de sua obra sobre o básico da formação da imagem: linha, plano e cores primárias; linhas verticais e horizontais. Foi desta maneira que o pintor holandês tornou-se uma das figuras mais importantes no desenvolvimento da arte abstrata, com suas pinturas quadriculadas.
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Suas primeiras pinturas eram naturalistas, delicadas e coloridas, embora predominassem os cinzas e verdes-escuros - Paisagem com Moinho. Entre 1907 e 1910 sofrendo a influência de Toorop, sua obra adquiriu um caráter simbolista e Mondrian deu início ao seu trabalho usando cores primárias.
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Em 1911, estando em Paris, entrou em contato com o cubismo onde realizou uma série de pinturas, também muito conhecidas, tendo como tema uma árvore em que a imagem ia se tornando progressivamente mais abstrata, ‘Macieira em flor’.

Em 1914, já de volta à Holanda, e onde permaneceu durante a guerra, continuou seu estudos sob a abstração, desenvolvendo teorias acerca dos eixos horizontal e vertical. Junto com Theo van Doesburg, fundou em 1917 o periódico De Stijl ( O Estilo), e tornou-se o principal expoente deste novo tipo de pintura, rigorosamente geométrica, que chamou de neoplasticismo – em que figuravam formas retangulares, empregando as três cores primárias mais o preto, o branco e o cinza.

Mondrian teve larga influência não só no meio artístico com o qual tinha afinidade mas também influenciou a arte industrial, decorativa e de propaganda da década de 30 em diante. Além de importantes artigos para a revista De Stijl, escreveu, também Neo-Plasticisme – Paris 1920, entre outros. Sua coleção de ensaios foi publicada em Nova York sob o título Piet Mondrian: Plastic Art and Purê Plastic Art – 1917.

Yves Saint Laurent lançou, em 1965, um vestido inspirado nas mesmas composições de sua obra; a Nike lançou seu tênis Dunk Mondrian, artefatos de decoração e até residências foram pintadas inspiradas em obras de Mondrian. A moda trazendo a arte para as ruas. Ou a arte influenciando a moda.



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Viveu em Paris de 1919 a 1938, unindo-se ao grupo Abstraction-Création. Entre 1938 e 1940 morou em Londres e em 1940 fixou-se em Nova York até seu falecimento.

Obras primas: Moinho perto da água / Moinho de vento sob a luz do sol / A árvore vermelha / Composição 10 em preto e branco / Composição C / Composição em vermelho, amarelo e azul / Composição em amarelo, azul e vermelho / Broadway Boogie Woogie.




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O MINIMALISMO / FORMAS ELEMENTARES

Dan Flavin / nasc. 1933 – 
Obra em luz, ligando tubos fluorescentes à parede em rígidos desenhos geométricos 
que criam campos de cor.

          

              - Tais Luso de Carvalho


Os fundadores do Minimalismo foram os escultores americanos da década de 1960/1970 em Nova Iorque, e que definiram como uma arte que buscou livrar-se de tudo que as pessoas costumavam achar não essencial à arte.

Portanto, Minimalismo, é um estilo em que, na arte, quer dizer: reduzir ao mínimo o emprego de elementos ou recursos, tornando tudo o mais simples possível. É uma ausência da grandeza; apenas uma interação entre objeto, expectador e espaço. Os minimalistas tal como os pintores hard edge erradicaram a marca pessoal, toda emoção, toda imagem e mensagem.

É uma arte de puro e simples objetos materiais não portadores e nem condutores de emoção e ideias. Para obterem um efeito tão puro e anônimo usavam materiais pré-fabricados em formas geométricas simples, como caixas de metal e tijolos.

O Minimalismo foi uma reação contra a presunção do Expressionismo Abstrato e a vulgaridade do Pop-art – segundo a historiadora de arte americana Carol Strickland.

Tendo eliminado a personalização e o consumismo, o legado dos minimalistas foram formas mecânicas frias para o expectador fazer delas o que os artistas fariam. Prateleiras de metal numa parede ou vidraças no chão da galeria e uma prancha encostada na parede são arte minimalista.

A exposição minimalista definitiva foi a do artista francês Yves Klein, que mostrava absolutamente nada, apenas as paredes da galeria caiadas de branco, contendo objeto algum e tela alguma. Dois patrocinadores compraram quadros não existentes e Klein exigiu o pagamento em ouro. Comparado a eles, Mondriam é expressionista – disse o marchand Léo Castelli.


Carl Andre / nasc. 1935 – foi para o extremo oposto da escultura vertical tradicional, figurativa, sobre pedestal. Fez arranjos de tijolos, blocos de cimento e Lages lisas no chão em configuração horizontal, como em sua fileira de 7 metros de tijolos no chão.

Robert Morris / nasc.1931 – é conhecido por esculturas de grandes proporções geométricas e Hard Edge, como maciços ângulos retos. 
Formas unitárias não reduzem relacionamentos, mas os ordenam – disse ele. Também faz esculturas anti-forma em materiais macios, pendentes como feltro.
 As peças escorrem pela parede, esculpidas pela gravidade.

Sol Lewitt / nasc.1928 – cria formas simples em série, 
como cubos brancos ou pretos, 
abertos ou fechados.

Richard Serra / nasc.1939 – sua obra foi reprovada, uma imensa escultura de metal (Arco Inclinado) colocada numa praça pública de Nova Iorque - foi removida em 1989.

Donald Judd/ nasc.1928 – fez caixas de aço inoxidável industrializado, 
colocadas em fileiras verticais na parede.


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Referências:
Arte Comentada - Carol Strickland e John Boswell / ed Ediouro - 2004



13.11.22

AUGUSTE RENOIR

O Jardim


 - Tais Luso de Carvalho

Pierre Auguste Renoir, nasceu em 1841 na região de Limoges / França. Foi o pintor impressionista de maior popularidade e teve o reconhecimento da crítica ainda em vida. De uma pintura alegre e otimista, seus trabalhos retratam a vida parisiense do século XIX, onde as pessoas se movimentavam num ambiente feliz e cheio de cores. Tudo era festa; tudo alegria. Mostra, em algumas telas, certa influência do rococó.

Aderiu claramente ao impressionismo com a obra La Grenouillière, onde retrata a luz do sol de um dia alegre. Esse quadro também foi pintado por Monet, dando assim destaque e fama às duas telas, mostrando como os dois artistas davam importância aos reflexos de luz.

La Grenouillière era o nome de um restaurante, em Paris, muito frequentado aos domingos. Renoir e Monet pintaram esta mesma cena, e tanto nas diferenças como nas semelhanças ganham destaque. Renoir ressalta mais as pessoas se divertindo, enquanto Monet ressalta mais a natureza, tirando da luz solar claridade e sombra. Menos alegre, mas não menos bonito.

Com os impressionistas veio o fim das atitudes fixas e do protocolo. Porém não eram muito aceitos, o povo ria de suas tolices. Isso não levou muito a se desfazer, uma vez que após a guerra franco-prussiana, em 1870, com tamanha carnificina, os impressionistas retratavam os parques, as flores e a alegria de viver. Renoir apostou no efeito descritivo da cor; com pinceladas curtas e suaves matizes de cores apuradas, criou contornos delicados e pouco nítidos. Assim todos os elementos do quadro se confundem e parecem desvanecer-se. 

Por detrás destes véus de cor escondem-se detalhes já quase imperceptíveis, pouco nítidos, o chamado sfumato, desenvolvido por Leonardo da Vinci. Foi assim um precursor da pintura abstrata do séc. 20. Depois de 1880, Renoir abandonou a pintura da impressão pura e orientou-se cada vez mais pelas obras de Ingres e de outros pintores do Classicismo, que dotavam os seus quadros de uma estrutura consciente e clara. Renoir só regressou à livre pintura impressionista  nos últimos anos de sua criação artística.

Ainda, por volta de 1890, começou a sofrer de reumatismo, perdendo a liberdade de movimentos e, em 1903 mudou-se para o sul da França. Em 1912, mesmo já confinado em uma cadeira de rodas, continuou pintando e dedicando-se à escultura até o fim de sua vida. Porém já muito debilitado, veio a contratar assistentes para executar seus projetos.

Mas, à partir de 1890 Renoir já era famoso não só na França mas no mundo. Suas mulheres nuas e opulentas eram disputadas a peso de ouro. 

'Para mim, um quadro tem que ser principalmente belo, encantador e agradável, sim, realmente bonito. Existem suficientes coisas desagradáveis, não precisamos de criar mais' - postulava Renoir. 

Por conseguinte ele foi considerado o pintor dos aspectos agradáveis da vida. O jogo da luz do sol, a representação de reflexos, mas sobretudo as figuras humanas à luz natural são os principais conteúdos dos quadros de Renoir.

Em 1914 acabou-se a  belle époque; acabaram-se os bailes, sumiram as luzes e os quadros alegres. Acabaram-se o otimismo, a vibração das cores, das folhas, momentos de felicidade, dos seios nus, dos sorrisos, das águas claras, das manhãs iluminadas que marcaram um dos maiores momentos de todos os tempos: Renoir falece em 1919 em Cagnes-sur-Mer.



Menina com as espigas

Os remadores

Le Moulin de la galette 
O almoço dos remadores - 1880


Mesmo com as mãos deformadas 1915  (caquexia rematóide )
 Renoir acabou mais de 400 obras

Algumas obras :

 Mulher com sombrinha 
  O Camarote 
Le Moulin de la Galette 
 Madame Georges Charpentier e suas filhas
Remadores em Chatou
Elizabeth e Alice de Anvers 
A dança em Bougival
Mulher amamentando
As grandes banhistas
Menina com espigas
Menina jogando criquet
Ao piano
 Odalisca
Retrato de Claude Renoir 
entre outras...

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10.9.22

ARTE: PEQUENAS E RÁPIDAS NOÇÕES



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Pintura Paleolítica



Os pintores paleolíticos são figurativos realistas, sintéticos no desenho e na cor. A pata dianteira direita da figura do boi - na caverna de Montinac Lascaux, França - está representada de frente e nunca se insinua a aplicação de perspectiva. A pintura pré-histórica perde esse realismo visual na idade neolítica.
Um exemplo: Boi selvagem / caverna de Montinac Lascaux, França.



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Pintura Neolítica


É a primeira mudança de estilo ou de escola observada na história da pintura. Esquematizadores e geometrizadores das imagens, os neolíticos chegam a verdadeiras abstrações.
Um exemplo: Vaso mesopotâmico.



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                         Pintura Egípcia


Os egípcios distinguem-se pela elegância decorativa, predominância do desenho, desconhecimento da perspectiva científica e simplificação da forma. Usam, sistematicamente, a lei de frontalidade, como vemos no rosto, no olho e no tronco de frente.
Um exemplo: Um casal oferece sacrifícios à Ísis – painel.



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Pintura Grega

Não restaram obras originais da pintura grega antiga. Conhecemos indiretamente – decorações dos vasos de cerâmica, esculturas, referências críticas. No período clássico (serena na expressão e equilibrada na composição), é idealizada a realidade. No período helenístico, ela torna-se realista, dramática, movimentada na composição.


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                  Pintura Cristã Primitiva
  
O primitivo pintor cristão usava símbolos figurativos – peixes e âncoras - e símbolos abstratos – círculos. Por associação com o disco solar, o círculo talvez fosse Cristo. Mais tarde, atenuadas as prevenções com a estatuária pagã, tornaram-se exclusivamente realistas figurativos.
Um exemplo: Desenho numa catacumba   
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Pintura Bizantina

O mosaico foi, por excelência, a técnica de decoração mural bizantina. Difundiu-se pela Europa. A pintura, propriamente dita, exerceu-se sobretudo nos ‘íconos’, quadros religiosos pintados a encáustica.
Um exemplo: O Imperador Justiniano e sua corte / Igreja San Vitale, Ravena.

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Pintura Românica

Dominados por fortes sentimentos religiosos, os românicos eram deformadores e coloristas intensos. Eram parecidos com os expressionistas e fovistas modernos.
Um exemplo: Anjos musicistas, afresco espanhol, séc XIII.





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                          Pintura Gótica

Sob a influência das miniaturas, isto é, as ilustrações feitas à mão nos livros medievais, a pintura gótica é minuciosa e adquiria acentuado realismo. Originou-se na França. No seu realismo, está anunciando o espírito racionalista da Renascença. Estilo que se disseminou por toda a Europa Ocidental entre 1375 e 1425. Características: elegância palaciana, e o detalhamento naturalista, ligados à vida aristocrática.




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                     Pintura Renascentista Alemã

Os artistas nórdicos europeus, alemães, escandinavos, holandeses e flamengos, expressam mais a beleza visual das formas, mais adequada ao temperamento latino. Dürer é o mais típico representante da pintura renascentista no norte da Europa, onde foram atenuadas as influências dos modelos do classicismo grego.

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                              Prenúncios do Barroco

Miguel Ângelo contrariou os princípios de equilíbrio da composição, harmonia das formas e serenidade de expressão do renascimento clássico. Pela vigorosa dramaticidade do sentimento, prenuncia o Barroco, que se definirá no século XVII.



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Renascimento Italiano



O Renascimento foi um movimento importante, de renovação cultural e artística que
se originou na Itália no séc. XIV e marcou a mudança da Idade Média para a Idade Moderna. Do teocentrismo Medieval - que via em Deus todas as coisas -, o homem avançou para o Humanismo, uma filosofia surgida no Renascimento e que predominou mais na Idade Moderna. Foi neste período que o homem passou a ser o centro do mundo. Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Rafael, Donatello, Brunelleschi e Botticelli...


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                   Pintura Rococó

Os pintores rococós refletem, nos temas e na técnica, inclusive na própria delicadeza da pincelada e na luminosidade das cores, as idéias, os sentimentos, e os hábitos da aristocracia européia do século XVIII.





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Pintura Neo-Clássica

Os neoclássicos ou acadêmicos, inspiraram-se diretamente nos modelos da antiguidade clássica greco-romana. Revivem as formas de beleza ideal da estatuária grega. São convencionais e pouco imaginativos.
David – pintor oficial de Napoleão – foi o chefe desta escola.
A Morte de Marat / 1793 – Museu Royal de Belas Artes, Bélgica.




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                              Pintura Romântica

Os românticos, chefiados por Delacroix, reagem ao convencionalismo dos acadêmicos. São imaginativos, dramáticos, movimentados e coloristas veementes. Possuíam muitos pontos de afinidades com o barroco, pelo predomínio das faculdades emocionais sobre as intelectuais, na criação artística.


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                      Pintura Realista

Os realistas, sob o comando de Gustave Courbet - 1810 / 1867 , reagem ao convencionalismo neoclássico e à emoção dos românticos. Negam a imaginação. A pintura é uma arte objetiva, destinada a fixar as coisas existentes, não as imaginadas. O pintor representa somente aquilo que vê.
Um exemplo: Peneiradoras de trigo.


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                  Pintura Cubista Analítica

Decompondo as formas num processo intelectual arbitrário, em sucessivos planos e ângulos, os cubistas pretendiam obter a representação total da estrutura dos objetos, como se os contemplássemos simultaneamente por todos os lados. Quando a decomposição se faz minuciosamente
Um exemplo: Picasso Ambroise Vollard (1867-1939) e Georges Braque 1882 / 1958, Jarra e violoncelo.




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                       Pintura Futurista

Os futuristas pretendiam expressar e não representar a velocidade, nova beleza do mundo, criada pela técnica moderna. Para evitar a impressão de imobilidade, substituíam as imagens figurativas por planos, retas e linhas, impregnadas de dinamismo e movimento.
Um exemplo: Umberto Boccioni 1882 / 1916 , Estudo para o estado d’alma.


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                                    Pintura Abstracionista Informal

No abstracionismo informal as formas e cores são espontâneas e livres, criadas muitas vezes num estado de verdadeiro automatismo psíquico. Não representam as aparências da realidade, mas expressam tensões, conflitos, ritmos impregnados da vitalidade da natureza.
Um exemplo: Vassily Kandinsky 1866 / 1944 – Estudo.


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                  Pintura Cubista Sintético

No segundo período do Cubismo, a decomposição da forma se faz de maneira sumária. Esse período denomina-se Cubismo Sintético. Reaparecem as imagens visuais, as cores são mais vivas e decorativas. São predominantes as preocupações de composição, dentro porém da geometrização das formas e obedecendo a princípios renascentistas denominados ‘Número de Ouro’.
Um exemplo: Pablo Picasso – 1881

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                    Modernismo Brasileiro

Cândido Portinari / 1903-1962, embora formado sobre princípios acadêmicos na Escola Nacional de Belas Artes, libertou-se do academismo, para marcar de versatilidade, ecletismo e inspiração popular sua extrema obra. A fase expressionista, quando fixou tipos e cenas populares, é uma das mais vigorosas, inclusive pelas intenções políticas e sociais. Figuram muitos, entre eles Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti, Anita Mafalti...

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                        Pintura Impressionista


Para demonstrar as constantes e sutis alterações que a luz do sol produzia nas cores da natureza, modificando-as incessantemente, Claude Monet pintou a fachada da catedral de Rouen, em diferentes horas do dia. Os impressionistas afirmavam não ser a cor uma qualidade permanente dos objetos. Altera-se conforme o ângulo de incidência dos raios solares.
Um exemplo: Monet / 1840 – 1920, Catedral de Rouen.


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                            Pintura Neo-Impressionista



Pintura pós-impressionista, em voga em França entre 1886 e 1906, e cujo pioneiro foi Georges Seurat.
Neo-Impressionismo culmina o processo de diluição das formas, que se tornam simples e irisadas vibrações luminosas e coloridas.



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                             Pintura  Expressionista

Pelos paroxismos líricos e exasperação patética do desenho e da cor, que traduzem sentimentos e não sensações, Van Gogh influenciou diretamente no aparecimento do Expressionismo, a primeira grande tendência da pintura moderna, surgida entre os alemães e outros povos nórdicos europeus.
Um exemplo: Noite estrelada.



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                      Pintura Surrealista Figurativa

Na mesma linha de Salvador Dali, fusão do real com o fantástico Magritte notabiliza-se pelas qualidades técnicas do colorido expressivo e seguro desenhista. Explora o modo especial os elementos de surpresa para criar sugestões misteriosas.
Um exemplo: O Curandeiro, de René Magritte / 1898, Ismael Nery...Figuras /1926.
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                   Pintura Surrealista Abstrata

As manifestações do subconsciente podem ser expressadas por meio de formas abstratas, símbolos e signos, como na pintura de Miro, o mais típico surrealista abstrato. Sob muitos aspectos, o Surrealismo Abstrato confunde-se com o abstracionismo Informal, sobretudo nas formas do Tachismo e do Grafismo.
Um exemplo: Joan Miro / Travessia Poética.




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                       Composições Gráficas

Ao contrário dos Tachistas – que o fazem por meio de manchas - os grafistas expressam-se impulsivamente por meio de traços, linhas ou graficamente. Inspiram-se na caligrafia abstrata oriental, particularmente na chinesa. Exprimem tensões e ritmos vertiginosos.
Um exemplo: Jackson Pollock / 1912 – 1956, com Composição.


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