PIET MONDRIAN 1872 / 1944

   Se houve alguém que influenciou a moda, através de seus traços, de suas cores, foi Pieter Cornelis Mondrian, pintor holandês modernista, nascido em Amersfoort / Holanda. Concebeu a maior parte de sua obra sobre o básico da formação da imagem: linha, plano e cores primárias; linhas verticais e horizontais. Foi desta maneira que o pintor holandês tornou-se uma das figuras mais importantes no desenvolvimento da arte abstrata, com suas pinturas quadriculadas.

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Suas primeiras pinturas eram naturalistas, delicadas e coloridas, embora predominassem os cinzas e verdes-escuros - Paisagem com Moinho. Entre 1907 e 1910 sofrendo a influência de Toorop, sua obra adquiriu um caráter simbolista e Mondrian deu início ao seu trabalho usando cores primárias.

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Em 1911, estando em Paris, entrou em contato com o cubismo onde realizou uma série de pinturas, também muito conhecidas, tendo como tema uma árvore em que a imagem ia se tornando progressivamente mais abstrata, ‘Macieira em flor’.

Em 1914, já de volta à Holanda, e onde permaneceu durante a guerra, continuou seu estudos sob a abstração, desenvolvendo teorias acerca dos eixos horizontal e vertical. Junto com Theo van Doesburg, fundou em 1917 o periódico De Stijl ( O Estilo), e tornou-se o principal expoente deste novo tipo de pintura, rigorosamente geométrica, que chamou de neoplasticismo – em que figuravam formas retangulares, empregando as três cores primárias mais o preto, o branco e o cinza.

Mondrian teve larga influência não só no meio artístico com o qual tinha afinidade mas também influenciou a arte industrial, decorativa e de propaganda da década de 30 em diante. Além de importantes artigos para a revista De Stijl, escreveu, também Neo-Plasticisme – Paris 1920, entre outros. Sua coleção de ensaios foi publicada em Nova York sob o título Piet Mondrian: Plastic Art and Purê Plastic Art – 1917.

Yves Saint Laurent lançou, em 1965, um vestido inspirado nas mesmas composições de sua obra; a Nike lançou seu tênis Dunk Mondrian, artefatos de decoração e até residências foram pintadas inspiradas em obras de Mondrian. A moda trazendo a arte para as ruas. Ou a arte influenciando a moda.

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Viveu em Paris de 1919 a 1938, unindo-se ao grupo Abstraction-Création. Entre 1938 e 1940 morou em Londres e em 1940 fixou-se em Nova York até seu falecimento.

Obras primas: Moinho perto da água / Moinho de vento sob a luz do sol / A árvore vermelha / Composição 10 em preto e branco / Composição C / Composição em vermelho, amarelo e azul / Composição em amarelo, azul e vermelho / Broadway Boogie Woogie.

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O MINIMALISMO / FORMAS ELEMENTARES

Dan Flavin / nasc. 1933 – 

Obra em luz, ligando tubos fluorescentes à parede em rígidos desenhos geométricos 

que criam campos de cor.

          

              - Tais Luso de Carvalho

Os fundadores do Minimalismo foram os escultores americanos da década de 1960/1970 em Nova Iorque, e que definiram como uma arte que buscou livrar-se de tudo que as pessoas costumavam achar não essencial à arte.

Portanto, Minimalismo, é um estilo em que, na arte, quer dizer: reduzir ao mínimo o emprego de elementos ou recursos, tornando tudo o mais simples possível. É uma ausência da grandeza; apenas uma interação entre objeto, expectador e espaço. Os minimalistas tal como os pintores hard edge erradicaram a marca pessoal, toda emoção, toda imagem e mensagem.

É uma arte de puro e simples objetos materiais não portadores e nem condutores de emoção e ideias. Para obterem um efeito tão puro e anônimo usavam materiais pré-fabricados em formas geométricas simples, como caixas de metal e tijolos.

O Minimalismo foi uma reação contra a presunção do Expressionismo Abstrato e a vulgaridade do Pop-art – segundo a historiadora de arte americana Carol Strickland.

Tendo eliminado a personalização e o consumismo, o legado dos minimalistas foram formas mecânicas frias para o expectador fazer delas o que os artistas fariam. Prateleiras de metal numa parede ou vidraças no chão da galeria e uma prancha encostada na parede são arte minimalista.

A exposição minimalista definitiva foi a do artista francês Yves Klein, que mostrava absolutamente nada, apenas as paredes da galeria caiadas de branco, contendo objeto algum e tela alguma. Dois patrocinadores compraram quadros não existentes e Klein exigiu o pagamento em ouro. Comparado a eles, Mondriam é expressionista – disse o marchand Léo Castelli.

Carl Andre / nasc. 1935 – foi para o extremo oposto da escultura vertical tradicional, figurativa, sobre pedestal. Fez arranjos de tijolos, blocos de cimento e Lages lisas no chão em configuração horizontal, como em sua fileira de 7 metros de tijolos no chão.

Robert Morris / nasc.1931 – é conhecido por esculturas de grandes proporções geométricas e Hard Edge, como maciços ângulos retos. 

Formas unitárias não reduzem relacionamentos, mas os ordenam – disse ele. Também faz esculturas anti-forma em materiais macios, pendentes como feltro.

 As peças escorrem pela parede, esculpidas pela gravidade.

Sol Lewitt / nasc.1928 – cria formas simples em série, 

como cubos brancos ou pretos, 

abertos ou fechados.

Richard Serra / nasc.1939 – sua obra foi reprovada, uma imensa escultura de metal (Arco Inclinado) colocada numa praça pública de Nova Iorque - foi removida em 1989.

Donald Judd/ nasc.1928 – fez caixas de aço inoxidável industrializado, 

colocadas em fileiras verticais na parede.

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Referências:

Arte Comentada - Carol Strickland e John Boswell / ed Ediouro - 2004

AUGUSTE RENOIR

O Jardim

 - Tais Luso de Carvalho

Pierre Auguste Renoir, nasceu em 1841 na região de Limoges / França. Foi o pintor impressionista de maior popularidade e teve o reconhecimento da crítica ainda em vida. De uma pintura alegre e otimista, seus trabalhos retratam a vida parisiense do século XIX, onde as pessoas se movimentavam num ambiente feliz e cheio de cores. Tudo era festa; tudo alegria. Mostra, em algumas telas, certa influência do rococó.

Aderiu claramente ao impressionismo com a obra La Grenouillière, onde retrata a luz do sol de um dia alegre. Esse quadro também foi pintado por Monet, dando assim destaque e fama às duas telas, mostrando como os dois artistas davam importância aos reflexos de luz.

La Grenouillière era o nome de um restaurante, em Paris, muito frequentado aos domingos. Renoir e Monet pintaram esta mesma cena, e tanto nas diferenças como nas semelhanças ganham destaque. Renoir ressalta mais as pessoas se divertindo, enquanto Monet ressalta mais a natureza, tirando da luz solar claridade e sombra. Menos alegre, mas não menos bonito.

Com os impressionistas veio o fim das atitudes fixas e do protocolo. Porém não eram muito aceitos, o povo ria de suas tolices. Isso não levou muito a se desfazer, uma vez que após a guerra franco-prussiana, em 1870, com tamanha carnificina, os impressionistas retratavam os parques, as flores e a alegria de viver. Renoir apostou no efeito descritivo da cor; com pinceladas curtas e suaves matizes de cores apuradas, criou contornos delicados e pouco nítidos. Assim todos os elementos do quadro se confundem e parecem desvanecer-se. 

Por detrás destes véus de cor escondem-se detalhes já quase imperceptíveis, pouco nítidos, o chamado sfumato, desenvolvido por Leonardo da Vinci. Foi assim um precursor da pintura abstrata do séc. 20. Depois de 1880, Renoir abandonou a pintura da impressão pura e orientou-se cada vez mais pelas obras de Ingres e de outros pintores do Classicismo, que dotavam os seus quadros de uma estrutura consciente e clara. Renoir só regressou à livre pintura impressionista  nos últimos anos de sua criação artística.

Ainda, por volta de 1890, começou a sofrer de reumatismo, perdendo a liberdade de movimentos e, em 1903 mudou-se para o sul da França. Em 1912, mesmo já confinado em uma cadeira de rodas, continuou pintando e dedicando-se à escultura até o fim de sua vida. Porém já muito debilitado, veio a contratar assistentes para executar seus projetos.

Mas, à partir de 1890 Renoir já era famoso não só na França mas no mundo. Suas mulheres nuas e opulentas eram disputadas a peso de ouro. 

'Para mim, um quadro tem que ser principalmente belo, encantador e agradável, sim, realmente bonito. Existem suficientes coisas desagradáveis, não precisamos de criar mais' - postulava Renoir. 

Por conseguinte ele foi considerado o pintor dos aspectos agradáveis da vida. O jogo da luz do sol, a representação de reflexos, mas sobretudo as figuras humanas à luz natural são os principais conteúdos dos quadros de Renoir.

Em 1914 acabou-se a  belle époque; acabaram-se os bailes, sumiram as luzes e os quadros alegres. Acabaram-se o otimismo, a vibração das cores, das folhas, momentos de felicidade, dos seios nus, dos sorrisos, das águas claras, das manhãs iluminadas que marcaram um dos maiores momentos de todos os tempos: Renoir falece em 1919 em Cagnes-sur-Mer.

Menina com as espigas

Os remadores

Le Moulin de la galette 

O almoço dos remadores - 1880

Mesmo com as mãos deformadas 1915  (caquexia rematóide )
 Renoir acabou mais de 400 obras

Algumas obras :

 Mulher com sombrinha 

  O Camarote 

Le Moulin de la Galette 

 Madame Georges Charpentier e suas filhas

Remadores em Chatou

Elizabeth e Alice de Anvers 

A dança em Bougival

Mulher amamentando

As grandes banhistas

Menina com espigas

Menina jogando criquet

Ao piano

 Odalisca

Retrato de Claude Renoir 

entre outras...

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PINTURA RUPESTRE II / PALEOLÍTICO

Caverna Lascaux

 - Tais luso de Carvalho


Tudo nos primeiros caminhos do homem, acaba se evaporando em conjeturas e suposições, pois não havia escrita. Não havia como relatar.  Sempre há um pouco de divergências nas pesquisas. Os registros quanto à dança e a música se perderam no tempo. O que restou foram desenhos nas paredes das cavernas e partes do que poderiam ser instrumentos rudimentares, tais como flautas de bambu e ossos, e também tambores. O período Paleolítico é o mais antigo da história da arte que se conhece. Inicia-se com a Arte Rupestre: figuras de cervos, bisontes, cavalos, mamutes e outros animais.

Caverna de Altamira / Bisonte

O período Paleolítico inferior - fase mais antiga - pode ser datado de 500.000 a 30.000 antes de Cristo. E o Paleolítico superior, vai de 30.000 anos a 10.000, sendo que a inferior cobre 75% de todo o período.

Analisando o esquema da divisão da História da Arte, vemos que os períodos históricos mudam quando há um acontecimento que provoca na humanidade uma mudança de ideias. A cada vez que muda o homem e suas reflexões, mudam também suas manifestações artísticas.

Arte Pré-histórica :

Período Paleolítico / idade da pedra lascada

Período Neolítico / idade da pedra polida / mais no final: metais: cobre, estanho e bronze.

O Paleolítico Superior, distanciado uns 50 mil anos da era histórica é que se encontram mais vestígios de manifestações artísticas, expressas de modos diversos, principalmente na decoração das paredes das cavernas que serviam como habitação, e que eram efetuadas por nômades - caçadores e pescadores -, que  representavam, quase que exclusivamente, animais comestíveis.

O uso de objetos de pedra levou os historiadores a denominar esse período de Idade da Pedra lascada (ou Paleolítico). Foi nesse período que o homem descobriu o fogo, de grande utilidade e conforto para os grupos humanos: deu-se aí, a descoberta da cerâmica.

Vênus de Lespugue / França

No período Paleolítico Superior é que vamos encontrar as primeiras manifestações escultóricas do homem. Seu principal utensílio é o machado de mão, de pedra lascada. Nessa época já começavam a aparecer estatuetas em marfim e osso, baixos-relevos em pedra, desenhos de incisão em ossos e pedras, objetos de adorno pessoal, decoração de armas e utensílios.

O homem foi primeiro escultor, depois pintor, dada a maior capacidade de abstração exigida pela pintura. Nesses períodos aparecem figuras femininas talhadas em marfim, osso e pedra, apresentando formas volumosas, que estaria ligadas à símbolos ou ritos de fecundação.

Vênus de Laussel / França

Entre as esculturas mais conhecidas destacam-se as famosas Vênus de Lespugue, de Brassempouy, encontradas na França, de Villendorf (Áustria) e do baixo-relevo de Laussel (França), em que uma mulher ergue a mão num gesto ritual, uma espécie de chifre.

No final deste período aparece a representação de animais tornando-se rara de figuras humanas. Nas cavernas de La Madeleine e Montespan foram descobertos frisos esculturados na pedra, figuras isoladas em osso e argila, cavalos, bisões, ursos e bois selvagens, surpreendentes pela técnica e realismo.

A primeira e mais sensacional descoberta de pinturas pré-históricas foi feita por acaso em 1880 na caverna de Altamira, Espanha, por um fidalgo espanhol. Segundo os historiadores de arte, a caverna de Altamira representa 'a capela sistina da pré-história', tamanha é a riqueza e a variedade de pinturas ali encontradas. Ali ficaram desenhados coloridos bisões, cavalos e outros animais, em repouso e movimento.

Em 1940 foram descobertas as cavernas de Montinac-Lascaux, na França. São de igual importância as primeiras citadas, apresentando um boi medindo cinco metros de comprimento. O homem aplicava a tinta com as mãos, espátulas, bastonetes ou pincéis rudimentares, quando não aplicava a técnica de pistolar (enchia a boca de tinta e soprava por um canudo de madeira ou osso).

Numerosas silhuetas com mãos espalmadas, encontradas nas cavernas, foram feitas com esse processo. As tintas eram conseguidas com materiais minerais, argilas coloridas, gordura animal e vegetal, sangue do animal e excrementos de aves. A cor negra era obtida queimando osso e madeira.

O pintor do Paleolítico era figurativo, reproduzia a imagem na sua verdade visual, não deformando, nem estilizando. Nas representações de animais, observava a lei da frontalidade, na qual os mesmos são vistos de perfil, e procurava desenhar de memória.

Montes Akakus / Líbia

O homem Paleolítico representava a caça ferida por flechas, fechada em cercados ou presa em armadilhas. Representava os animais que eram necessários à sua existência.

No período Neolítico o homem deixa de ser nômade e torna-se sedentário. Inicia a agricultura, a criação de animais e constrói as primeiras aldeias, organiza suas relações sociais e muda sua consciência em relação à realidade. Começa a trabalhar esculturas em metais, adornos corporais, trabalha a pedra.

Nesse período aparecem as primeiras concepções de vida e de morte. Surge a escrita, e com ela o homem passa a deixar registros organizados, entrando então no período que chamamos de 'História Antiga'.

Em Lascaux

Mais sobre as primeiras pinturas aqui...

Fontes: 

História da Arte / Kenia Pozenato e M.Gauer - Mercado Aberto 2ªed.

História da Arte Duílio Battistoni F - Papirus editora 17ª ed.

Carlos Cavalcanti - Como entender a pintura moderna / Civilização Brasileira

ENTENDENDO 'GUERNICA' - DE PICASSO

Guernica / Centro Nacional de Arte Moderna Reina Sofia - Madri, Espanha

        - Tais Luso de Carvalho

Tenho notado, cada vez mais,  em minhas visitas aos museus e espaços de arte, crianças conduzidas por seus professores e sentadas em círculo para aprenderem a entender um pouco das obras de arte: o porquê dos traços, das cores, da simbologia da obra, da personalidade do artista e de sua vida, da época em que a obra foi feita, o porquê daquela obra e qual o movimento a que pertenceu. Só assim pode-se entender, um pouco, do trabalho exposto.

Existem obras que oferecem uma interpretação fácil; outras, porém, requerem estudos mais aprofundados, são mais complexas.

Como Picasso se recusou a esclarecer o possível significado desses símbolos, logicamente surgiram algumas interpretações para Guernica. Mas já o significado da mulher chorando sobre o corpo do filho morto, já é óbvio. Então, mais abaixo, deixo uma interpretação da obra que gostei bastante. Na verdade, todas as interpretações se parecem muito.

A ÉPOCA

Em 1936 a Espanha, tão amada por Picasso, foi sacudida por uma guerra civil. A República da Espanha, sustentada por um frágil governo popular, enfrentou uma rebelião dos militares de direita, liderados pelo general Francisco Franco. A Espanha tornou-se um campo de batalha entre as forças internacionais do comunismo e do fascismo. Em janeiro de 1937 o embaixador espanhol em Paris pediu a Picasso para doar uma pintura-mural ao pavilhão espanhol na Feira Mundial de Paris. Picasso não se mostrou entusiasmado com o pedido e deu resposta descompromissada. O bombardeio de Guernica mudaria tudo.

DESOLAÇÃO E MORTE

Quando as notícias sobre Guernica chegaram a Picasso em 27 de abril, faltavam apenas 27 dias para a inauguração da Feira Mundial. Em 30 de abril foram divulgadas as primeiras cenas das atrocidades. Em 1º de maio Picasso iniciou seus esboços para o mural do pavilhão espanhol. Não tinha mais dúvidas que deveria fazer. Enquanto trabalhava no mural declarou: 


'O que acontece na Espanha é uma guerra dos reacionários contra o povo e contra a liberdade. Toda a minha vida de artista tem sido uma luta contra o reacionarismo e contra a morte da arte. No quadro em que estou pintando – que vou chamar de Guernica – e em todo o meu trabalho recente tenho expressado meu horror contra a casta militar que agora afunda a Espanha num oceano de desolação e de morte'.

A SIMBOLOGIA DOS ELEMENTOS

Esta obra, em preto e branco, constitui certamente numa das obras primas da arte moderna do sec. XX Encomendada pelo governo republicano e, por isso, propriedade do governo espanhol, Guernica esteve anteriormente conservada no Museu de Arte Moderna de Nova York, pois Picasso opunha-se a que o quadro fosse exposto em seu país enquanto Franco estivesse vivo. O ditador morreu em 1975, dois anos depois de Picasso, e o quadro só seria levado à Madri em 1981. Instalado inicialmente no Museu do Prado, está exposto hoje no Centro de Arte Reina Sofia.

- O Touro – simboliza a Espanha, sua bravura, mas também a morte. Ele domina uma mulher em lágrimas, segurando nos braços o corpo inerte do filho. (à esquerda do quadro).

- A Lâmpada - retrata o sol negro da melancolia como projetor que ilumina esta cena de batalha da guerra moderna.

- As grandes bocas abertas, pescoços estendidos, corpos retorcidos – sugere um quadro quase sonoro: imaginam-se os gritos de pânico lançados pelas vítimas. Da mesma forma, a amplitude exagerada dos pescoços e as torções dos corpos desarticulados dão movimento à composição.

- Uma figura à direita, sugere estar sendo consumida pelas chamas de um prédio em fogo.

- A ausência de cor – O artista optou pelo preto e branco em sinal de luto. Essa bicromia reforça a tensão dramática da cena. E dá indiretamente uma dimensão realista à obra, no sentido cinematográfico do termo. As nuanças de cinza permitem colocar sobre o mesmo plano as profundidades de campo.

- O cavalo – Simboliza o povo, sua coragem, sua agonia e seu pânico. Ele pisa seguidamente sobre o corpo esquartejado de um soldado de quem se vê um braço cortado e a mão segurando uma espada - deitado na base da pintura

Picasso havia criado o seu trabalho mais famoso. Guernica não só relatou um fato histórico no sangrento do episódio da Guerra Civil Espanhola, mas também por ser a 'primeira intervenção resoluta da cultura na luta política' - segundo as palavras do crítico e historiador de arte Giulio Carlo Argan.

A pintura não é feita para decorar apartamentos. É um instrumento de guerra ofensiva e defensiva contra o inimigo. (Picasso).

(3 metros e meio por 7 metros de comprimento)

No Museu

Centro Nacional de Arte Moderna Reina Sofia - Madri, Espanha

Mais sobre Picasso aqui neste blog:

A importância do artista

Pablo Picasso

Referências:

Grandes Artistas - Picasso / Cia Melhoramentos – São Paulo

História Viva / Duetto – ano 4

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ARTE NA INDIA / TEMPLOS

Taj-Mahal em Agra / período mongol -1630/1648

 - Tais Luso de Carvalho

A vida própria dessa terra tropical e exótica possui um longo passado, cujas origens se perdem na obscuridade dos tempos pré-históricos. Vasto território onde se alternavam zonas de deserto, regiões férteis, selvas, planaltos e vales percorridos por grandes rios, a Índia atraiu no decorrer dos séculos, uma multiplicidade de povos que remontam a vários milênios antes da era cristã.

As mais antigas notícias revelam a existência de civilizações pré-históricas na área da bacia do Indo, antes da invasão ariana, e que constituem a base das culturas indianas posteriores.

Do IV ao III milênio a.C. as pequenas aldeias desenvolveram-se, adquirindo características de cidades altamente organizadas do Oriente Médio.

Nessas ruínas (Ur, Mohenjo-Daro e Harappa) foram encontrados pequenos objetos que testemunham que, por muito tempo, a vida lá não se alterou. São peças de pedra e cerâmica, figuras de animais domésticos, figuras de homens e mulheres revelando grande riqueza de imaginação.

Por volta de 1400 a.C um povo vindo das regiões mais áridas da Ásia Ocidental penetra as planícies do Indo, conquistando toda a região que hoje constituem o Paquistão e o norte da Índia. Feita a conquista, os árias impõem sua organização social às populações de pele escura colocando-as na classe mais baixa da coletividade. Nasce assim o sistema de castas na Índia.

PERÍODOS:

Pré-Ariano
3000 a 1400 a.C
Arte Realista, Arquitetura, Cerâmica, Pintura Mural.

Indo-Ariano
1400ª.C a 770 d.C
Arte baseada na observação da natureza, desenvolvimento da arquitetura, escultura, ourivesaria, afrescos.

Medieval
770 a 1200
Arte Mística, ornamentos nos templos. Desenvolvimento na pintura.

Indu-Mulçumano
1200 a 1818
Fusão entre arte hindu e mulçumana. Desenvolvimento da pintura e iluminura.

Contemporâneo
A partir de 1818
Influência ocidental progressiva, pela dominação inglesa.

Templo Rameswaram

Templo Akshardham Indu

Templo Ranakpur / sobre a montanha

Templo Dourado

O REALISMO - Movimento Artístico

Zélie Courbet / por Gustave  Courbet

A Segunda Revolução Industrial proporcionou um ambiente oportuno para o surgimento do Realismo, pois houve uma tendência para romper-se com o passado. 

O Realismo - 1850/1900 - está profundamente ligado ao ambiente social do final do século 19. Relaciona-se tanto à sua face otimista - a crença no avanço à ciência e do progresso - como a seu lado cruel: a desigualdade social, a miséria, a terrível exploração do trabalho.

A maior expressão do Realismo foi o francês Gustave Courbet. Sua pintura é dotada de um sentimento de vitalidade natural ao abordar cenas do cotidiano, o que provam suas telas  Preparativos da Noiva e Enterro em Ornans.

Outro destaque do Realismo, apesar de já usar a técnica  impressionista, foi  Henri de Toulouse-Lautrec que foi o introdutor dos cartazes. Seu mundo era o dos seres humanos, pois costumava dizer que 'Apenas a figura existe, a paisagem deve ser acessório'.

Segundo Bertolt Brecht, o realismo não é o que as coisas reais parecem, mas o que elas realmente são.

As sobrevivências acadêmicas existentes nos românticos são combatidas pelos Realistas, na segunda metade do século 19. O Realismo é a representação das coisas objetivas e visíveis. Porém ser realista não é ser exato como a fotografia, mas verdadeiro, fixando os elementos característicos e expressivos das coisas e dos seres.

'A pintura, dizia Courbet, é uma arte essencialmente objetiva e consiste na representação das coisas reais e existentes. Um motivo abstrato, invisível, não pertence ao domínio da pintura. A imaginação na arte consiste em saber achar a expressão completa de uma coisa existente, jamais na sugestão ou criação da mesma.

O belo está na natureza e encontra-se na realidade, sob as mais diversas formas. O belo, como verdadeiro, é algo relativo ao tempo em que se vive e ao indivíduo apto a concebê-lo. A expressão de beleza está em relação direta com o poder de percepção adquirido pelo artista. Não pode haver escolas, só existem pintores.'

Os Realistas pintavam as cenas da vida cotidiana e flagrantes populares, impregnado-se das idéias socialistas da época. Representavam aquilo que estava diante dos olhos.

Pintavam diferente dos Românticos e dos neoclássicos: pintavam como se tivessem documentando, sem que suas pinturas fossem fiéis, exatas, verdadeiras fotografias da realidade, mesmo porque o Realista era bastante sintético, eliminando o que lhe parecia supérfluo e inexpressivo. Portanto ser Realista não era ser exato, mas verdadeiro. 

'O termo realismo refere-se a um estilo de representação próxima da realidade. A realidade objetiva é criteriosamente reproduzida, e durante o processo, as características mais importantes da realidade retratada - proporções, aspectos tridimensionais, cor, distância, luz - são retiradas. Assim, a representação da realidade está ligada à sua interpretação. Temos, portanto, nos últimos 150 anos - o realismo clássico, Nova objetividade, Realismo Americano, Nouveau Réalisme, Realismo Socialista e Fotorrealismo'. (Taschen)

José Júlio Souza Pinto / cabeça de velha - Acervo  MARGS

Gustave Courbet / Bonjour Monsieur Courbet

O Fazendeiro / Jean Millet

Pastora com seu rebanho / Millet

Mulheres peneirando trigo / Gustave Courbet

Referências ;
Graça Proença - ed Ática

Kerstin Stremmel  
História da Arte - Duílio B. Filho

CAMILLE CLAUDEL

 - Tais Luso de Carvalho

Camille nasceu em 1864 / Fere-em-Tardenois, França.
Em 1881, a jovem matriculou-se na Académie Colarossi e logo dividiu um atelier com o escultor francês Alfred Boucher. Conheceu, também, o escultor Auguste Rodin no começo da década de 1880, tornando-se sua aluna, amante e modelo.

Sua inspiração foram as pessoas e a sensualidade do corpo. Vemos em suas obras grande influência de Rodin. O que a princípio foi fonte inspiradora, acabou tornando-se sufocante. Alguns de seus trabalhos, por serem considerados muito sensuais, foram rejeitados, agravando sua instabilidade mental, numa época de muita conturbação em sua vida sentimental.

Sua obra Maturidade, mostra traços vigorosos, semelhantes aos de Rodin. Tanto em sua obra como em sua vida, Camille revela um grande sofrimento.
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Apesar deste amor Camille/Rodin ter durado 10 anos, Rodin nunca abandonou seu primeiro amor – Rose Beuret – com a qual veio a casar-se em 1917. Quando ele retorna, em definitivo, ao seu antigo amor, Camille começa em decadência, fechando-se em seu estúdio e entregando-se a um obsessivo isolamento que a levou à pobreza física e aprofundando seu problema mental.

Seu sucesso está relacionado a Rodin até 1898, quando veio a separação. Em 1906, destrói parte de sua obra, tentando livrar-se da influência de Rodin, pois muitos acreditavam que suas obras eram trabalhadas por ele.

Vemos sua tentativa de distanciar-se de Rodin em La Valse e A Pequena Castelã. Após este distanciamento, que se dá em definitivo em 1898, surge a obra A idade Madura.

Apesar de ter tido, nesta época, duas grandes exposições, reconhecidas e com sucesso da crítica, Camille, encontrava-se doente demais, o que não lhe trouxe nenhum benefício. Já em 1905, achava que Rodin e outros estariam se apoderando de suas obras, invadindo sua casa para roubá-las.


Por ordem de sua mãe e de seu irmão, o poeta Paul Claudel, Camille foi internada num asilo de loucos, e um ano depois foi transferida para o hospital psiquiátrico, o qual permaneceu até sua morte.

Suas primeiras obras foram A Velha Helena e Paul aos treze anos. Também colaborou em obras de Rodin, como Os Portões do Inferno e Burgueses de Calais.

Faleceu em 1943 em Montfavet / França, após 30 anos internada.