PINTURA RUPESTRE II / PALEOLÍTICO

Caverna Lascaux

 - Tais luso de Carvalho


Tudo nos primeiros caminhos do homem, acaba se evaporando em conjeturas e suposições, pois não havia escrita. Não havia como relatar.  Sempre há um pouco de divergências nas pesquisas. Os registros quanto à dança e a música se perderam no tempo. O que restou foram desenhos nas paredes das cavernas e partes do que poderiam ser instrumentos rudimentares, tais como flautas de bambu e ossos, e também tambores. O período Paleolítico é o mais antigo da história da arte que se conhece. Inicia-se com a Arte Rupestre: figuras de cervos, bisontes, cavalos, mamutes e outros animais.

Caverna de Altamira / Bisonte

O período Paleolítico inferior - fase mais antiga - pode ser datado de 500.000 a 30.000 antes de Cristo. E o Paleolítico superior, vai de 30.000 anos a 10.000, sendo que a inferior cobre 75% de todo o período.

Analisando o esquema da divisão da História da Arte, vemos que os períodos históricos mudam quando há um acontecimento que provoca na humanidade uma mudança de ideias. A cada vez que muda o homem e suas reflexões, mudam também suas manifestações artísticas.

Arte Pré-histórica :

Período Paleolítico / idade da pedra lascada

Período Neolítico / idade da pedra polida / mais no final: metais: cobre, estanho e bronze.

O Paleolítico Superior, distanciado uns 50 mil anos da era histórica é que se encontram mais vestígios de manifestações artísticas, expressas de modos diversos, principalmente na decoração das paredes das cavernas que serviam como habitação, e que eram efetuadas por nômades - caçadores e pescadores -, que  representavam, quase que exclusivamente, animais comestíveis.

O uso de objetos de pedra levou os historiadores a denominar esse período de Idade da Pedra lascada (ou Paleolítico). Foi nesse período que o homem descobriu o fogo, de grande utilidade e conforto para os grupos humanos: deu-se aí, a descoberta da cerâmica.

Vênus de Lespugue / França

No período Paleolítico Superior é que vamos encontrar as primeiras manifestações escultóricas do homem. Seu principal utensílio é o machado de mão, de pedra lascada. Nessa época já começavam a aparecer estatuetas em marfim e osso, baixos-relevos em pedra, desenhos de incisão em ossos e pedras, objetos de adorno pessoal, decoração de armas e utensílios.

O homem foi primeiro escultor, depois pintor, dada a maior capacidade de abstração exigida pela pintura. Nesses períodos aparecem figuras femininas talhadas em marfim, osso e pedra, apresentando formas volumosas, que estaria ligadas à símbolos ou ritos de fecundação.

Vênus de Laussel / França

Entre as esculturas mais conhecidas destacam-se as famosas Vênus de Lespugue, de Brassempouy, encontradas na França, de Villendorf (Áustria) e do baixo-relevo de Laussel (França), em que uma mulher ergue a mão num gesto ritual, uma espécie de chifre.

No final deste período aparece a representação de animais tornando-se rara de figuras humanas. Nas cavernas de La Madeleine e Montespan foram descobertos frisos esculturados na pedra, figuras isoladas em osso e argila, cavalos, bisões, ursos e bois selvagens, surpreendentes pela técnica e realismo.

A primeira e mais sensacional descoberta de pinturas pré-históricas foi feita por acaso em 1880 na caverna de Altamira, Espanha, por um fidalgo espanhol. Segundo os historiadores de arte, a caverna de Altamira representa 'a capela sistina da pré-história', tamanha é a riqueza e a variedade de pinturas ali encontradas. Ali ficaram desenhados coloridos bisões, cavalos e outros animais, em repouso e movimento.

Em 1940 foram descobertas as cavernas de Montinac-Lascaux, na França. São de igual importância as primeiras citadas, apresentando um boi medindo cinco metros de comprimento. O homem aplicava a tinta com as mãos, espátulas, bastonetes ou pincéis rudimentares, quando não aplicava a técnica de pistolar (enchia a boca de tinta e soprava por um canudo de madeira ou osso).

Numerosas silhuetas com mãos espalmadas, encontradas nas cavernas, foram feitas com esse processo. As tintas eram conseguidas com materiais minerais, argilas coloridas, gordura animal e vegetal, sangue do animal e excrementos de aves. A cor negra era obtida queimando osso e madeira.

O pintor do Paleolítico era figurativo, reproduzia a imagem na sua verdade visual, não deformando, nem estilizando. Nas representações de animais, observava a lei da frontalidade, na qual os mesmos são vistos de perfil, e procurava desenhar de memória.

Montes Akakus / Líbia

O homem Paleolítico representava a caça ferida por flechas, fechada em cercados ou presa em armadilhas. Representava os animais que eram necessários à sua existência.

No período Neolítico o homem deixa de ser nômade e torna-se sedentário. Inicia a agricultura, a criação de animais e constrói as primeiras aldeias, organiza suas relações sociais e muda sua consciência em relação à realidade. Começa a trabalhar esculturas em metais, adornos corporais, trabalha a pedra.

Nesse período aparecem as primeiras concepções de vida e de morte. Surge a escrita, e com ela o homem passa a deixar registros organizados, entrando então no período que chamamos de 'História Antiga'.

Em Lascaux

Mais sobre as primeiras pinturas aqui...

Fontes: 

História da Arte / Kenia Pozenato e M.Gauer - Mercado Aberto 2ªed.

História da Arte Duílio Battistoni F - Papirus editora 17ª ed.

Carlos Cavalcanti - Como entender a pintura moderna / Civilização Brasileira

ENTENDENDO 'GUERNICA' - DE PICASSO

Guernica / Centro Nacional de Arte Moderna Reina Sofia - Madri, Espanha

        - Tais Luso de Carvalho

Tenho notado, cada vez mais,  em minhas visitas aos museus e espaços de arte, crianças conduzidas por seus professores e sentadas em círculo para aprenderem a entender um pouco das obras de arte: o porquê dos traços, das cores, da simbologia da obra, da personalidade do artista e de sua vida, da época em que a obra foi feita, o porquê daquela obra e qual o movimento a que pertenceu. Só assim pode-se entender, um pouco, do trabalho exposto.

Existem obras que oferecem uma interpretação fácil; outras, porém, requerem estudos mais aprofundados, são mais complexas.

Como Picasso se recusou a esclarecer o possível significado desses símbolos, logicamente surgiram algumas interpretações para Guernica. Mas já o significado da mulher chorando sobre o corpo do filho morto, já é óbvio. Então, mais abaixo, deixo uma interpretação da obra que gostei bastante. Na verdade, todas as interpretações se parecem muito.

A ÉPOCA

Em 1936 a Espanha, tão amada por Picasso, foi sacudida por uma guerra civil. A República da Espanha, sustentada por um frágil governo popular, enfrentou uma rebelião dos militares de direita, liderados pelo general Francisco Franco. A Espanha tornou-se um campo de batalha entre as forças internacionais do comunismo e do fascismo. Em janeiro de 1937 o embaixador espanhol em Paris pediu a Picasso para doar uma pintura-mural ao pavilhão espanhol na Feira Mundial de Paris. Picasso não se mostrou entusiasmado com o pedido e deu resposta descompromissada. O bombardeio de Guernica mudaria tudo.

DESOLAÇÃO E MORTE

Quando as notícias sobre Guernica chegaram a Picasso em 27 de abril, faltavam apenas 27 dias para a inauguração da Feira Mundial. Em 30 de abril foram divulgadas as primeiras cenas das atrocidades. Em 1º de maio Picasso iniciou seus esboços para o mural do pavilhão espanhol. Não tinha mais dúvidas que deveria fazer. Enquanto trabalhava no mural declarou: 


'O que acontece na Espanha é uma guerra dos reacionários contra o povo e contra a liberdade. Toda a minha vida de artista tem sido uma luta contra o reacionarismo e contra a morte da arte. No quadro em que estou pintando – que vou chamar de Guernica – e em todo o meu trabalho recente tenho expressado meu horror contra a casta militar que agora afunda a Espanha num oceano de desolação e de morte'.

A SIMBOLOGIA DOS ELEMENTOS

Esta obra, em preto e branco, constitui certamente numa das obras primas da arte moderna do sec. XX Encomendada pelo governo republicano e, por isso, propriedade do governo espanhol, Guernica esteve anteriormente conservada no Museu de Arte Moderna de Nova York, pois Picasso opunha-se a que o quadro fosse exposto em seu país enquanto Franco estivesse vivo. O ditador morreu em 1975, dois anos depois de Picasso, e o quadro só seria levado à Madri em 1981. Instalado inicialmente no Museu do Prado, está exposto hoje no Centro de Arte Reina Sofia.

- O Touro – simboliza a Espanha, sua bravura, mas também a morte. Ele domina uma mulher em lágrimas, segurando nos braços o corpo inerte do filho. (à esquerda do quadro).

- A Lâmpada - retrata o sol negro da melancolia como projetor que ilumina esta cena de batalha da guerra moderna.

- As grandes bocas abertas, pescoços estendidos, corpos retorcidos – sugere um quadro quase sonoro: imaginam-se os gritos de pânico lançados pelas vítimas. Da mesma forma, a amplitude exagerada dos pescoços e as torções dos corpos desarticulados dão movimento à composição.

- Uma figura à direita, sugere estar sendo consumida pelas chamas de um prédio em fogo.

- A ausência de cor – O artista optou pelo preto e branco em sinal de luto. Essa bicromia reforça a tensão dramática da cena. E dá indiretamente uma dimensão realista à obra, no sentido cinematográfico do termo. As nuanças de cinza permitem colocar sobre o mesmo plano as profundidades de campo.

- O cavalo – Simboliza o povo, sua coragem, sua agonia e seu pânico. Ele pisa seguidamente sobre o corpo esquartejado de um soldado de quem se vê um braço cortado e a mão segurando uma espada - deitado na base da pintura

Picasso havia criado o seu trabalho mais famoso. Guernica não só relatou um fato histórico no sangrento do episódio da Guerra Civil Espanhola, mas também por ser a 'primeira intervenção resoluta da cultura na luta política' - segundo as palavras do crítico e historiador de arte Giulio Carlo Argan.

A pintura não é feita para decorar apartamentos. É um instrumento de guerra ofensiva e defensiva contra o inimigo. (Picasso).

(3 metros e meio por 7 metros de comprimento)

No Museu

Centro Nacional de Arte Moderna Reina Sofia - Madri, Espanha

Mais sobre Picasso aqui neste blog:

A importância do artista

Pablo Picasso

Referências:

Grandes Artistas - Picasso / Cia Melhoramentos – São Paulo

História Viva / Duetto – ano 4

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ARTE NA INDIA / TEMPLOS

Taj-Mahal em Agra / período mongol -1630/1648

 - Tais Luso de Carvalho

A vida própria dessa terra tropical e exótica possui um longo passado, cujas origens se perdem na obscuridade dos tempos pré-históricos. Vasto território onde se alternavam zonas de deserto, regiões férteis, selvas, planaltos e vales percorridos por grandes rios, a Índia atraiu no decorrer dos séculos, uma multiplicidade de povos que remontam a vários milênios antes da era cristã.

As mais antigas notícias revelam a existência de civilizações pré-históricas na área da bacia do Indo, antes da invasão ariana, e que constituem a base das culturas indianas posteriores.

Do IV ao III milênio a.C. as pequenas aldeias desenvolveram-se, adquirindo características de cidades altamente organizadas do Oriente Médio.

Nessas ruínas (Ur, Mohenjo-Daro e Harappa) foram encontrados pequenos objetos que testemunham que, por muito tempo, a vida lá não se alterou. São peças de pedra e cerâmica, figuras de animais domésticos, figuras de homens e mulheres revelando grande riqueza de imaginação.

Por volta de 1400 a.C um povo vindo das regiões mais áridas da Ásia Ocidental penetra as planícies do Indo, conquistando toda a região que hoje constituem o Paquistão e o norte da Índia. Feita a conquista, os árias impõem sua organização social às populações de pele escura colocando-as na classe mais baixa da coletividade. Nasce assim o sistema de castas na Índia.

PERÍODOS:

Pré-Ariano
3000 a 1400 a.C
Arte Realista, Arquitetura, Cerâmica, Pintura Mural.

Indo-Ariano
1400ª.C a 770 d.C
Arte baseada na observação da natureza, desenvolvimento da arquitetura, escultura, ourivesaria, afrescos.

Medieval
770 a 1200
Arte Mística, ornamentos nos templos. Desenvolvimento na pintura.

Indu-Mulçumano
1200 a 1818
Fusão entre arte hindu e mulçumana. Desenvolvimento da pintura e iluminura.

Contemporâneo
A partir de 1818
Influência ocidental progressiva, pela dominação inglesa.

Templo Rameswaram

Templo Akshardham Indu

Templo Ranakpur / sobre a montanha

Templo Dourado

O REALISMO - Movimento Artístico

Zélie Courbet / por Gustave  Courbet

A Segunda Revolução Industrial proporcionou um ambiente oportuno para o surgimento do Realismo, pois houve uma tendência para romper-se com o passado. 

O Realismo - 1850/1900 - está profundamente ligado ao ambiente social do final do século 19. Relaciona-se tanto à sua face otimista - a crença no avanço à ciência e do progresso - como a seu lado cruel: a desigualdade social, a miséria, a terrível exploração do trabalho.

A maior expressão do Realismo foi o francês Gustave Courbet. Sua pintura é dotada de um sentimento de vitalidade natural ao abordar cenas do cotidiano, o que provam suas telas  Preparativos da Noiva e Enterro em Ornans.

Outro destaque do Realismo, apesar de já usar a técnica  impressionista, foi  Henri de Toulouse-Lautrec que foi o introdutor dos cartazes. Seu mundo era o dos seres humanos, pois costumava dizer que 'Apenas a figura existe, a paisagem deve ser acessório'.

Segundo Bertolt Brecht, o realismo não é o que as coisas reais parecem, mas o que elas realmente são.

As sobrevivências acadêmicas existentes nos românticos são combatidas pelos Realistas, na segunda metade do século 19. O Realismo é a representação das coisas objetivas e visíveis. Porém ser realista não é ser exato como a fotografia, mas verdadeiro, fixando os elementos característicos e expressivos das coisas e dos seres.

'A pintura, dizia Courbet, é uma arte essencialmente objetiva e consiste na representação das coisas reais e existentes. Um motivo abstrato, invisível, não pertence ao domínio da pintura. A imaginação na arte consiste em saber achar a expressão completa de uma coisa existente, jamais na sugestão ou criação da mesma.

O belo está na natureza e encontra-se na realidade, sob as mais diversas formas. O belo, como verdadeiro, é algo relativo ao tempo em que se vive e ao indivíduo apto a concebê-lo. A expressão de beleza está em relação direta com o poder de percepção adquirido pelo artista. Não pode haver escolas, só existem pintores.'

Os Realistas pintavam as cenas da vida cotidiana e flagrantes populares, impregnado-se das idéias socialistas da época. Representavam aquilo que estava diante dos olhos.

Pintavam diferente dos Românticos e dos neoclássicos: pintavam como se tivessem documentando, sem que suas pinturas fossem fiéis, exatas, verdadeiras fotografias da realidade, mesmo porque o Realista era bastante sintético, eliminando o que lhe parecia supérfluo e inexpressivo. Portanto ser Realista não era ser exato, mas verdadeiro. 

'O termo realismo refere-se a um estilo de representação próxima da realidade. A realidade objetiva é criteriosamente reproduzida, e durante o processo, as características mais importantes da realidade retratada - proporções, aspectos tridimensionais, cor, distância, luz - são retiradas. Assim, a representação da realidade está ligada à sua interpretação. Temos, portanto, nos últimos 150 anos - o realismo clássico, Nova objetividade, Realismo Americano, Nouveau Réalisme, Realismo Socialista e Fotorrealismo'. (Taschen)

José Júlio Souza Pinto / cabeça de velha - Acervo  MARGS

Gustave Courbet / Bonjour Monsieur Courbet

O Fazendeiro / Jean Millet

Pastora com seu rebanho / Millet

Mulheres peneirando trigo / Gustave Courbet

Referências ;
Graça Proença - ed Ática

Kerstin Stremmel  
História da Arte - Duílio B. Filho

CAMILLE CLAUDEL

 - Tais Luso de Carvalho

Camille nasceu em 1864 / Fere-em-Tardenois, França.
Em 1881, a jovem matriculou-se na Académie Colarossi e logo dividiu um atelier com o escultor francês Alfred Boucher. Conheceu, também, o escultor Auguste Rodin no começo da década de 1880, tornando-se sua aluna, amante e modelo.

Sua inspiração foram as pessoas e a sensualidade do corpo. Vemos em suas obras grande influência de Rodin. O que a princípio foi fonte inspiradora, acabou tornando-se sufocante. Alguns de seus trabalhos, por serem considerados muito sensuais, foram rejeitados, agravando sua instabilidade mental, numa época de muita conturbação em sua vida sentimental.

Sua obra Maturidade, mostra traços vigorosos, semelhantes aos de Rodin. Tanto em sua obra como em sua vida, Camille revela um grande sofrimento.
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Apesar deste amor Camille/Rodin ter durado 10 anos, Rodin nunca abandonou seu primeiro amor – Rose Beuret – com a qual veio a casar-se em 1917. Quando ele retorna, em definitivo, ao seu antigo amor, Camille começa em decadência, fechando-se em seu estúdio e entregando-se a um obsessivo isolamento que a levou à pobreza física e aprofundando seu problema mental.

Seu sucesso está relacionado a Rodin até 1898, quando veio a separação. Em 1906, destrói parte de sua obra, tentando livrar-se da influência de Rodin, pois muitos acreditavam que suas obras eram trabalhadas por ele.

Vemos sua tentativa de distanciar-se de Rodin em La Valse e A Pequena Castelã. Após este distanciamento, que se dá em definitivo em 1898, surge a obra A idade Madura.

Apesar de ter tido, nesta época, duas grandes exposições, reconhecidas e com sucesso da crítica, Camille, encontrava-se doente demais, o que não lhe trouxe nenhum benefício. Já em 1905, achava que Rodin e outros estariam se apoderando de suas obras, invadindo sua casa para roubá-las.


Por ordem de sua mãe e de seu irmão, o poeta Paul Claudel, Camille foi internada num asilo de loucos, e um ano depois foi transferida para o hospital psiquiátrico, o qual permaneceu até sua morte.

Suas primeiras obras foram A Velha Helena e Paul aos treze anos. Também colaborou em obras de Rodin, como Os Portões do Inferno e Burgueses de Calais.

Faleceu em 1943 em Montfavet / França, após 30 anos internada.

IBERÊ CAMARGO 1914 / 1994

No Vento e na Terra - 1991

'O drama, trago-o na alma. A minha pintura, sombria, dramática, suja, corresponde à verdade mais profunda que habita no íntimo de uma burguesia que cobre a miséria do dia-a-dia com o colorido das orgias e da alienação do povo. Não faço mortalha colorida.'

Eu com Fantasmagoria - na Fundação Iberê Camargo

Fantasmagoria / 1987

Um dos grandes artistas do séc. XX, com uma obra extensa, gravuras, desenho, guaches e pintura a óleo, sua obra 'Carretéis', 'Ciclistas' e 'Idiotas' são de suas fazes mais conhecidas e comentadas. Iberê sempre exerceu forte liderança no meio artístico e intelectual. Suas obras foram reverenciadas nas Bienais de Tóquio, Madri, São Paulo, Veneza assim como participou, também, de inúmeras exposições no Brasil, França, Inglaterra, Estados Unidos, Escócia, Espanha e Itália. Seu acervo é composto por mais de 7000 obras - grande parte na Fundação Iberê Camargo.

O artista nasceu no ano de 1914, em Restinga Seca /RS.

Em 1942 recebeu do Governo do Estado uma bolsa para estudar no Rio de Janeiro, e partiu com Maria, sua esposa. Não cursou todo o Belas Artes por discordar de sua orientação acadêmica.

Integra-se, na época, ao Grupo Guignard onde expõe pela primeira vez sua 'individual' em Porto Alegre. Após ter conquistado um prêmio resolveu ir para Europa estudar com André Lothe e De Chirico. Voltou ao Brasil, e não se filiou a nenhuma escola, mantendo-se independente.

Isolado, num ateliê no Edifício Róseo, e depois na Lapa, Iberê dilacerou-se para escapar das influências poderosas de Portinari, Segall e Utrillo, esta a mais marcante e duradoura.

Aproximadamente em 1958, uma hérnia de disco provocada pela suspensão de um quadro no cavalete, obrigou-o a trabalhar quase que exclusivamente no ateliê. Seja por esta razão ou por motivos inconscientes, seus quadros começaram pouco a pouco a mergulhar na sombra. O céu das paisagens tornou-se azul-escuro, negro, dando ao quadro um conteúdo de drama. Surgem, então, os carretéis sobre a mesa, depois no espaço. Os carretéis são reminiscências da infância.

O Grito - 1984

O Ciclista - 1990

Retratos, paisagens, naturezas-mortas, carretéis, explosões abstratas, tudo feito com paixão emergindo de uma força estranha. Tudo expressava um momento, muito longe da inércia.

Em 1980, num incidente em uma das ruas do Rio de Janeiro, o artista matou um homem. O caso teve enorme repercussão. Esse episódio deixou Iberê extremamente abalado fazendo com que o artista retornasse ao figurativismo. Iberê volta para Porto Alegre em 1982, abrindo seu atelier na rua Lopo Gonçalves. Continua a produzir muito, em 1986 abre seu atelier no bairro Nonoai, e lança o livro 'No andar do tempo' – 9 contos e um esboço autobiográfico.

Sua obra torna-se trágica, com figuras esquálidas, onde pode-se ver incutido no artista, a tragédia: mais solidão e sofrimento. Sua vida foi, praticamente, transportada para as telas, tanto em suas fases tumultuadas como nas mais calmas. Suas pinceladas deixaram uma história rica na trajetória das artes.

Todo o artista deixa sua vida nas telas brancas e frias; acabada a obra, tudo vira história, emoção, beleza e riqueza de detalhes. Mas, marcado por tragédias pessoais, a obra de Iberê mostra pinceladas dramáticas e amargas nos últimos anos de sua vida.

A série dos Carretéis surge por volta de 1959. Produz apenas no seu ateliê e passa a retomar temas ligados à sua infância. Ciclistas – 1984 - trazem um jogo entre o passado e o presente, usando a bicicleta como analogia do tempo. E Idiotas vem no início dos anos de 1990, quando a política do Brasil estava aos frangalhos.

Carretéis / 1958

Anos depois, bem mais adiante, veio a contrair um câncer de pulmão, levando-o a inúmeras sessões de radioterapia. E essa dramaticidade, de sua luta contra a doença ficou registrada em seus últimos trabalhos. Morre em 1994

A Idiota / 1991

De Iberê...

- As figuras que povoam minhas telas envolvem-se na tristeza dos crepúsculos dos   dias de minha infância, guri criado na solidão da campanha do Rio Grande do Sul.

- Não há um ideal de beleza, mas o ideal de uma verdade pungente e sofrida que é a minha vida, é tua vida, é nossa vida, nesse caminhar no mundo.

- Sou impiedoso e crítico com minha obra. Não há espaço para alegria.'

- Acho que toda grande obra tem raízes no sofrimento. A minha nasce da dor.


- A vida dói... Para mim, o tempo de fazer perguntas passou.

- O auto-retrato do pintor é pergunta que ele se faz a si mesmo, e a resposta também é interrogação.

- A verdade da obra de arte é a expressão que ela nos transmite. Nada mais do que isso!

Solidão / 1994

Minha contestação é feita de renúncia, de não-participação, de não-conivência, de não-alinhamento com o que não considero ético e justo. Sou como aqueles que, desarmados, deitam-se no meio da rua para impedir a passagem dos carros da morte. Esta forma de resistência, se praticada por todos, se constituiria em uma força irresistível. O drama trago-o na alma. A minha pintura, sombria, dramática, suja, corresponde à verdade mais íntima que habita no íntimo de uma burguesia que cobre a miséria do dia-a-dia com o colorido das orgias e da alienação do povo. 

Não faço mortalha colorida. Por que sou assim?

Porque todo homem tem um dever social, um compromisso com o próximo. 

Crepúsculo da Boca do Monte - 1991

Desdobramento II - 1972

Sobre a Fundação Iberê Camargo:

Fundação Iberê Camargo / Porto Alegre, Brasil

(Homenagem) Os Carretéis - defronte à Fundação

Iberê e Maria / 54 anos casados. 

Após o falecimento do artista, Maria ficou à frente da Fundação. 

Veio a falecer aos 96 anos.

Alvaro Siza, projetou a Fundação com a obsessão ‘siziana’: desde os parafusos sextavados em aço inoxidável, figuras de sinalização das portas dos banheiros e saídas de emergência, porta-lápis, cabideiros e lixeiras do setor administrativo como, também, de todo o mobiliário. Como se vê, tudo nos mínimos detalhes.


O arquiteto português é um dos cinco arquitetos contemporâneos mais importantes do mundo. O prédio tem salas expositivas, átrio, reserva técnica, centro de documentação e pesquisa, Ateliê de Gravura, Ateliê do Programa Educativo, auditório, loja, cafeteria, estacionamento e parque ambiental projetado pela Fundação Gaia.

Com 9,5 mil metros de área construída, prédio de curvas suaves, mas impactantes, construído num terreno doado pelo Estado, parceria público-privado. 

No fundo do terreno foi preservado o paredão de rocha coberto por uma vegetação nativa. O aparelho de ar-condicionado funciona reciclando a própria energia que produz; a água que abastece os vasos sanitários vem da chuva, e sai já tratada. 


A iluminação artificial reproduz o mesmo tom da clarabóia; camadas de lã de rocha isolam os ruídos externos e o mormaço do verão de Porto Alegre; um fosso, inacessível ao olhar dos visitantes, contorna todo o prédio de maneira que, se o Guaíba transbordasse, haveria enorme espaço a preencher até chegar ao estacionamento. Tudo perfeito para acolher parte das 7 mil obras produzidas pelo artista, as quais estão protegidas por um sofisticado sistema de segurança.