DAS ARTES

ANTONIO PARREIRAS

2012-01-08T16:48:00.012-02:00

Veleiros - 1912

- Tais Luso de Carvalho

Antonio Diogo da Silva Parreiras nasceu em Niterói, Estado do Rio de Janeiro, no ano de 1860. Ainda na infância, Parreiras estudou desenho com o Visconde do Canto, e em 1883 matriculou-se na Academia Imperial de Belas Artes. No ano seguinte abandonou a Academia para integrar-se ao grupo de alunos de Georg Grimm, como Castagneto, Caron, Garcia y Vasquez entre outros, tornando-se seu discípulo. Foi influenciado pelo impressionismo.

Incentivado, também, por Vitor Meireles, dedicou-se desde o início do século XX à pintura histórica: Proclamação da República de Piratini, Anchieta, Fundação de Niterói, Fundação do Rio de Janeiro, A Conquista do Amazonas. Recebeu numerosas encomendas oficiais, viajando por diversas vezes à França, onde manteve ateliê permanente em Paris. Já em 1909 passou a interessar-se pelos nus, participando nos salões de arte francesa.

Em 1926, já consagrado como grande artista, publicou suas memórias com bastante sucesso literário. No princípio de 1930 voltou à pintura das paisagens, com a mesma dedicação do início de sua carreira.

Foi no ano de 1885 que inaugurou a sua primeira individual, e na sua própria residência, em Niterói. Em 1888 embarcou para Veneza onde estudou na Academia de Belas Artes, retornando ao Brasil no ano seguinte para participar da Exposição Geral de Belas Artes de 1890, a primeira da República recém proclamada, obtendo uma medalha de ouro e prêmios de aquisição (3 telas).

Em 1917 obteve a grande medalha de ouro e nesse mesmo ano foi contratado para a cadeira de Pintura de Paisagem na Escola Nacional de Belas Artes. Recebeu, também, medalha de ouro na Exposição Universal de Barcelona, no ano de 1929. várias de suas obras são casas ensolaradas, árvores e mata nativa, cores intensas.

Em 1953, na II Bienal de São Paulo, foram selecionadas 5 obras suas para participação na Exposição 'A Paisagem Brasileira até 1900'. Sua residência em Niterói foi transformada no Museu Antonio Parreiras no ano de 1941.

Parreiras foi um artista de incontestável talento, audacioso e impulsivo. Foi o maior pintor do cenário natural brasileiro e seus trabalhos foram expostos no Brasil e em diversos países da Europa. Foi um dos poucos artistas nacionais que viveu dos resultados de sua arte.

Faleceu em 17 de outubro de 1937, em sua residência de Niterói.

Sua casa, que virou Museu em 1940, em Niterói, abriga várias obras de outros artistas e seu grande acervo.

Casa de Margarida - 1891

Cesteiro - 1927

Ventania -

Arabotam - 1936

Amanhecer no Adriático - 1889

Fantasia - 1909 / Pinacoteca de S.Paulo

Terra Natal - 1923

Museu Antonio Parreiras

Área externa

Referências:

Bolsa de Arte / Rio de Janeiro - 2003

Museu Antonio Parreiras - Memória histórica do Museu Antônio Parreiras. Niterói
(Cadernos de divulgaçao cultural do Museu Antônio Parreiras, 2).

Enciclopédia Itaú Cultural

PARREIRAS, Antônio. História de um pintor contada por ele mesmo: Brasil - França: 1881-1936.
Koogan Larousse.

ARTE CONCEITUAL

2011-12-27T20:02:00.020-02:00

Merda d'artista / 1961 - Piero Manzoni
( leia abaixo a história das latinhas...)

- Tais Luso de Carvalho

A Arte Conceitual surgiu na década de 1960, como um desafio às classificações impostas à arte por Museus e Galerias. As galerias afirmavam categoricamente ao público: Isso é arte. Já a arte conceitual buscava questionar a própria natureza da arte perguntando: O que é arte?

O primeiro a empregar a expressão arte-conceito foi o escritor e músico Henry Flynt em 1961 em meio às atividades associadas ao grupo Fluxus, de Nova Iorque, querendo dizer com isso que a arte conceitual é um tipo de arte que o material é a linguagem.

Os artistas conceituais tinham como meta popularizar a arte; fazer com que ela servisse como veículo de comunicação. A arte conceitual foi importante para debates e abriu caminhos para outros tipos de artes, como para as instalações e arte performática que serão mostradas neste blog em breve.

Na época, década de 60 e 70, o nome conceitual foi empregado para designar uma multiplicidade de atividades com base na linguagem, na fotografia e processos nos quais se equivaliam num embate que se efetuava entre a arte minimalista e várias práticas antiformais, num crescente radicalismo cultural e político.

Portanto a ideia e o conceito da obra era mais importante que o produto acabado. Do que a estética. Essa noção remonta a Duchamp, mas só se estabeleceu no mundo artístico a partir de 1960, quando se tornou um fenômeno internacional de grande importância. Duchamp marcou sua posição com um suporte para garrafas, uma pá de neve e um urinol, embora tenha usado esta linguagem como uma crítica à arte. Em suas obras, trocadilhos e brincadeiras estes artistas levantaram sérias questões sobre as fronteiras da arte.

Muitas iniciativas surgiam diretamente das formas de uma arte conceitual politizada, embora os envolvidos se vissem, depois do rompimento com o exercício da arte enquanto tal, totalmente desvinculados dessa esfera, em nome de um envolvimento mais prático com as mais amplas instâncias sociais.

A característica comum de toda a obra chamada e vista como conceitual não é ver o objeto, mas sim seu recado, a discussão de um assunto, a comunicação de ideias, a interação entre o artista e o espectador. A obra vem para apresentar no tempo e no espaço, certas situações ou acontecimentos. Comunicação.

Logicamente muitos artistas apresentam obras desinteressantes, comuns, triviais do ponto de vista visual, mapas, diagramas, fitas de som e de vídeo, fotografias, textos etc.

Um exemplo conhecido é a obra Uma e Três Cadeiras, de Joseph Kosuth (Museu de Arte Moderna em Nova Iorque / 1965) que combina uma cadeira real, a fotografia da cadeira e uma definição de cadeira – dada pelo dicionário.

A abordagem de Joseph Kosut fez-se cada vez mais aguçada, forçando o ritmo em uma série de obras que se tornaram ícones da arte conceitual.

O Conceitualismo assumiu uma dupla identidade: uma arte conceitual analítica é rebaixada, como arte feita por homens brancos racionalistas, atolados no próprio modernismo que almejavam criticar.

História das latinhas de Manzoni

Como a arte conceitual também era uma arte que tinha por meta reagir à arte como mercadoria, o artista italiano Piero Manzoni produziu, em 1961, 90 latinhas com o rótulo de Merda d'artista. Cada lata, supostamente, continha fezes do artista e valia seu peso em ouro. Como se acreditava que, abrindo as latas significaria destruir o valor da obra, durante muito tempo não se soube ao certo o que as latinhas continham de fato. Porém, em 2007, depois que algumas latas foram vendidas pelo valor de US$ 80 mil, o colaborador de Manzoni, Agostino Bonalumi afirmou a um jornal italiano que as latas continham gesso!

- Suporte para garrafas -
Duchamp foi o precursor da arte conceitual

- Joseph Kosuth -
Uma cadeira real, a fotografia da cadeira e uma definição de cadeira.

Sindicatos Unidos contra o Racismo -

Gregor cullen e Redback Grafixx / 1985

Daniel Buren / Affichage sauvage - 1968

Mala de couro contendo livro, cartas, cópias fotostáticas, pequenos frascos...

Museu de Arte Moderna de Nova Iorque - 1966

Keith Arnatt / Registro de sua própria condição

Robert Rauschenberg / Factum II - 1957

Fontes:

Movimentos da Arte Moderna - Paul Wood

Tudo sobre Arte - ed.Sextante

Dicionário Oxford de Arte

ENTENDENDO SALVADOR DALÍ

2011-11-30T21:07:00.007-02:00

Salvador Dalí pintou suas obras mais famosas na década de 1929 / 1939, usando um 'método crítico paranóico' que ele mesmo imaginou. Este método envolvia várias formas de associações irracionais, notadamente imagens que variam conforme a percepção do observador. Uma característica distinta de Dalí é que, apesar das imagens serem fantásticas elas eram sempre pintadas com uma técnica acadêmica, impecável e precisão fotográfica que a maioria dos artistas de vanguarda contemporâneos considerava fora de moda.

A FACE DA GUERRA

1940

Esta obra foi pintada nos Estados Unidos onde Dalí viveu por oito anos e onde lá alcançou o auge de sua fama e sucesso mundial.

O significado da pintura foi para Dalí extraordinariamente franco e honesto, empregando o simbolismo em vez de associações irracionais do 'método crítico paranóico'. Uma cabeça parecendo uma caveira rodeada de longas e sibilantes serpentes, tem todos os orifícios repletos de esqueletos; cada um contém esqueletos-dentro-de-esqueletos, de forma que a cabeça está recheada de morte infinita, um símbolo potente da era dos Campos de Concentração e assassinatos em massa.

A PERSISTÊNCIA DA MEMÓRIA

1931

Este quadro tão pequeno (24x33 cm) é provavelmente a obra mais conhecida de Dali. A flacidez dos relógios dependurados e escorregando é um conceito brilhante, mais eficaz para abalar a nossa crença em uma ordem natural das coisas, presa à regras estabelecidas, do que muitas deformações mais sensacionalistas. As imagens chegam ao inconsciente evocando a preocupação humana, aparentemente universal, com o tempo e a memória.

O próprio Dali está presente na forma da cabeça adormecida que já havia aparecido em O Jogo lúgubre e outros quadros. Caracteristicamente ele alegou que a ideia para o quadro lhe ocorreu enquanto meditava sobre a natureza do queijo Camenbert. O fundo do Port Lligat já estava pintado, portando foram necessárias apenas umas duas horas para terminar a pintura.

O GRANDE PARANÓICO

1936

Uma das imagens duplas mais surpreendentes de Dalí, foi pintada depois de uma discussão do artista com um colega, José Maria Sert, sobre o trabalho do famoso pintor milanês do século 16, Giuseppe Arcimboldi, famoso por seus retratos cujos temas eram compostos totalmente de objetos relacionados (frutas, por ex. ou armas). No mesmo estilo, mas com resultados mais dinâmicos o Paranóico Sorridente de Dalí se dissolve em uma cena turbulenta em que homens e mulheres assumem atitudes de tristeza ou desânimo.

À direita, contrastando, um grupo de figuras exaustas parece estar tentando arrastar um barco sobre a areia, talvez representando um delírio que fervilha na mente do Grande Paranóico.

SONO

1937

Dalí recriou o tipo de cabeça grande e mole e o corpo inexistente que aparecia com tanta frequência nos seus quadros por volta de 1929. Sono e sonhos são, por excelência, o domínio do inconsciente e portanto de especial interesse para a psicanalistas e surrealistas.

A personificação do sono, está adequadamente perturbado e é necessariamente uma quantidade extraordinária de muletas para apoiar a cabeça e posicionar exatamente cada um dos traços. Muletas sempre foram a marca registrada de Dalí, sugerindo a fragilidade das escoras em que a realidade se apoia, mas aqui nada parece estável e até o cachorro precisa ser sustentado. Tudo, nesse quadro, exceto a cabeça está banhado por uma luz pálida azulada, completamente a ideia de alienação do mundo, da luz e da racionalidade.

IMPRESSÃO DA ÁFRICA

1938

Este quadro é notável pelo auto-retrato de Dalí diante de seu cavalete, olhando fixo, num esforço para convocar as imagens do seu inconsciente e transferi-las direto para a tela. Sua mão em 'escorço', estendida para o observador, lembra o pintor do séc.17 Caravaggio, um dos mestres italianos que Dalí estudou com tanto afinco no final da década de 1930.

Imagens duplas se acumulam ao fundo, inclusive sua mulher Gala e uma imagem de um padre que parece ter cabeça de macaco. O aspecto africano do trabalho pode ser avaliado com base na afirmação de Dalí de que a 'África tem algum significado no meu trabalho, porque sem nunca ter estado lá, lembro-me tão bem de tudo!'

CABEÇA AO ESTILO DE RAFAEL

1951

As formas fragmentadas que aparecem nesse quadro, origina-se do estudo da física nuclear por Dalí. Profundamente impressionado com as descobertas que levaram ao desenvolvimento da bomba atômica, ele abraçou a 'pintura nuclear' e o 'misticismo nuclear'.

A cabeça é como de uma Madona de Rafael, classicamente pura e serena. Ao mesmo tempo incorpora o interior do domo do Panteon em Roma, com a luz brilhando através dela. Ambas as imagens são perfeitamente claras, apesar da explosão que destruiu toda a estrutura em pequenos fragmentos na forma de chifres de rinocerontes.

CRISTO DE SAN JUAN DE LA CRUZ

1951

Um quadro famoso e popular embora tenha havido muitas controvérsias quando a Glasgow Gallery resolveu comprá-lo em 1952. Mostra a crucificação de uma maneira bastante inusitada, vista de cima, e, segundo Dalí, isto fundia o seu próprio 'sonho cósmico', envolvendo uma esfera dentro de um triângulo (cabeça, braços e cruz formam um triângulo).

A crucificação ocorre no alto das rochas, à beira mar, perto da casa de Dalí.

AUTO-RETRATO

1921

Este quadro foi pintado quando Dalí tinha 17 anos, embora tenha se retratado um pouco mais velho e estranhamente sério. O pescoço é ao estilo de Rafael. O ano de 1921 foi o da morte de sua mãe e o ano em que ele saiu de casa pela primeira vez para estudar na Academia de São Fernando, em Madri. Este retrato tem um ar sério e desafiante, um falso ar machista, para esconder, provavelmente, a extrema timidez de Dalí.

A técnica da pintura, embora perfeita, ainda não é a original, as pinceladas e o esquema de cores mostram a influência do Impressionismo, do Pontilhismo e de outros movimentos modernos que Dalí logo rejeitaria preferindo um estilo acadêmico, meticulosamente preciso.

MADONA DE 'Port Lligat'
1949

De volta à Espanha, em 1948, Dalí começou a pintar a Madona, terminando em 1950 – marcando o início de sua fase religiosa. Esta Madona foi abençoada pelo Papa Pio XII. A influência da arte renascentista sobre as obras de Dalí estava no seu auge. A fragmentação no seu quadro reflete o 'misticismo nuclear'.

Fonte: Vida e Obra de Dalí / Nathaniel Harris

PINTURA SURREALISTA

2011-11-24T20:43:00.010-02:00

O Enígma / 1929 - S.Dali

- Tais Luso de Carvalho

Terminada a guerra em 1918, o dadaísmo evoluiu, em Paris, para o Surrealismo. Perdia o seu caráter anárquico e destruidor. Em 1924 o poeta André Breton - adepto e experimentador dos métodos psicanalíticos de Freud - publicou em Paris o primeiro manifesto do novo movimento artístico. Este propunha aos artistas e escritores a manifestarem seus pensamentos de uma maneira livre, espontânea e irracional; que deixassem as manifestações do subconsciente aflorarem, sem qualquer interferência de reflexão intelectual, por mais absurdas e ilógicas que pudessem ser. O subconsciente é o marco do surrealismo.

O movimento tinha como objetivo superar as limitações da vida consciente, que se constituíam de preconceitos filosóficos e políticos, crenças religiosas, legítimas inibições da personalidade, impostas pela educação e cultura. Refugiando-se em si mesmo, graças aos sonhos e ao maravilhoso, o homem poderia viver na mais completa liberdade. Então, as associações, o estudo psicanalítico do inconsciente e do sonho deviam permitir a expressão do irracional, do intocável.

O movimento estendeu-se, então, de 1918 a 1939. Muitos surrealistas aderiram ao Partido Comunista e isso trouxe divergências internas ao grupo francês, mais numeroso e atuante. Esse movimento estendeu-se não só à literatura, mas às artes plásticas, cinema, teatro.

'No meu modo de entender nada existe de inadmissível. O irreal é tão verdadeiro como o real. O sonho e a realidade são vasos comunicantes', disse Breton.

Na difusão de suas idéias, os surrealistas também eram agressivos tanto quanto os dadaístas e os futuristas. Lançavam publicações e faziam reuniões e quase sempre eram recebidas com violentas reações do público.

Salvador Dali: 'como querem que os demais compreendam os meus quadros se eu mesmo, que os faço, não os compreendo. O fato de eu mesmo, no momento de pintar não os compreender, não quer dizer que não possuam nenhum significado. Ao contrário, o significado deles é de tal maneira profundo, complexo, incoerente, involuntário, que escapa à análise da intuição lógica...'

Duas espécies de surrealismo despontaram na pintura: o Figurativo e o Abstrato.

Uma das imagens duplas mais surpreendentes de Dalí - O grande paranóico - foi pintada depois de uma discussão do artista com um colega, José Maria Sert, sobre o trabalho do famoso pintor milanês do século 16, Giuseppe Arcimboldi, famoso por seus retratos cujos temas eram compostos totalmente de objetos relacionados - frutas, por ex. ou armas.

No mesmo estilo, Dali pinta uma cena turbulenta em que homens e mulheres assumem atitudes de tristeza ou desânimo. A dupla imagem se repete, com variações, ao fundo - esquerda. À direita, contrastando, um grupo de figuras exaustas parece tentar arrastar um barco sobre a areia, talvez representando um dos delírios que se passa na mente de um grande paranóico.

O Grande Paranóico / Dali - 1936

A pintura surrealista nasceu de três correntes distintas:

Arte Visionária - na qual se destacam Paollo Ucello, pintor italiano que procurou libertar a pintura da imitação da natureza conferindo à realidade um sentido irracional.

Jerônimo Bosch que, com seu sentido fantasmagórico, desenvolve um período exaustivo herdado das excentricidades medievais ao abordar os dragões, demônios, pássaros maiores que homens, ratazanas etc.

Arte Primitiva - os artistas se encantam com o mundo paradisíaco oferecido pela Oceania. As máscaras de cascos de tartaruga, as esculturas de fetos arbóreos, os tambores megalíticos da ilha da Páscoa.

Arte Psicopatológica - procura explorar o inconsciente freudiano ao aceitar o humor como máscara do desespero do homem.

Magritte

The Jungle / Edward Burra - 1931

Ocean Sprout / Vladimir Kush

Criança Geopolítica
Assistindo ao nascimento do Novo Homem - Dali 1943

Picabia

Alguns surrealistas:

Joan Miró, Yves Tanguy, Hans Arp, Picabia, Max Ernst, Frida Khalo, Victor Bruner, De Chirico, Francis Paul Klee, Magritte, Dalí e muitos outros. Por sua destruição das imagens da realidade, Picasso foi saudado pelos surrealistas como um dos seus.

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VASCO PRADO

2011-11-05T21:00:00.011-02:00

Negrinho com Sol

Vasco Prado nasceu na cidade de Uruguaiana, no RGS - Brasil, no ano de 1914. Foi desenhista, gravador e escultor. Adolescente, migrou para Porto Alegre a fim de estudar. Com 14 anos entrou para o colégio Militar onde ficou alguns anos e foi expulso em 1930 por ter feito um enterro simbólico de Washington Luiz.

Autodidata, começou a mexer com barro desde criança até ser reconhecido como um dos maiores escultores do país. Tentou o meio acadêmico em 1940 por achar que poderia aprender alguma coisa, porém, 3 meses depois Vasco abandonou o curso por achá-lo chato e superficial.

Seu início baseou-se nas obras de Auguste Rodin quando em sua primeira exposição ficou evidente a influência do escultor francês.

Mas tarde conseguiu uma Bolsa de Estudos do Governo - através da Aliança Francesa – para frequentar a Escola de Belas Artes de Paris. Lá estudou com Etiénne Hadju e Fernand Lèger.

Vasco já tinha certeza do que não queria, portanto buscou seu próprio caminho. Fez contato com o gravador mexicano Leopoldo Mendez, um artista de esquerda. A amizade o levou a se interessar pela gravura. De volta ao Brasil organizou em 1950 o Clube da Gravura de Porto Alegre, junto com os artistas Carlos Scliar, Danúbio Gonçalves, Glênio Bianchetti e Glauco Rodrigues.

Este pequeno grupo influenciou vários artistas, tanto no Brasil, como no Uruguai e Argentina. A proposta de trabalho era a de uma arte engajada politicamente e simpática ao homem do campo. Puramente realista, muitas vezes com aspecto documental. Nessa fase, Vasco descobriu a base de seu trabalho: a simplicidade.

Suas obras de curvas e volumes inconfundíveis espalharam-se por museus do Brasil, do Chile, Museu nacional de Varsóvia, Museu Americano de Maldonado, Galeria Municipal de Praga, Museu de Arte de São Paulo, Museu de Hakone – no Japão.

Sua obra emociona; a série Negrinho do pastoreio é um tema que Vasco nunca abandonou. Seu primeiro 'Negrinho' - 1943 -, é o retrato dramático da dor e do sofrimento. Sentado sobre as próprias pernas e preso ao formigueiro, só resta-lhe a agonia.

Seus cavalos são grandes e viris, assim como as mulheres são robustas, em terracota, bronze e mármore. As mulheres são cheias de sinuosidades, curvas, quadris largos e ventre dilatados. A exuberância das formas femininas de Vasco traz um pouco de primitivismo da Vênus de Willendorf e da sensualidade da Vênus de Milo. Suas esculturas primeiramente saem do papel; antes do escultor existe o grande desenhista.

' Em mais de 50 anos de atividades, Vasco acompanhou s transformações sociais e artistas de nosso século, delas recebendo muitas influências como homem e artista que interage nesse processo com sua bagagem existencial' - palavras de Renato Rosa.

E no meio de tanto trabalho e energia, será que o artista encontra tempo para pensar na morte?

'As vezes sim. Daí eu penso: poxa, que chato, tenho tanta coisa para fazer e eu tenho de morrer... quero trabalhar até a morte'.

Algumas frases de Vasco Prado...

- A função do artista é querer mudar o mundo.

- Sou muito como o Mario Quintana: acho que é provinciano ir para o Rio de Janeiro ou para São Paulo. (sobre sua permanência no Estado)

- Não tenho ligação com crítico algum e, sinceramente, não me interessa o que possam pensar sobre o meu trabalho.

- O desenho é a base de tudo. O desenho chama a forma. Sem desenhar, não se faz nada.

Falece em Porto Alegre no ano de 1998.

Lanceiro Farrapo

Moça com braços erguidos / 1978

Pinéis Revolução Farroupilha / 1973

Modelo em repouso

Da série Negrinho do Pastoreio

(Fonte: Aplauso nº 3 / 1998 - Paula Ramos)

ARTE GÓTICA / pintura séc XIII ao XV

2011-10-12T19:34:00.007-03:00

Maestà / Simone Martini

- Tais Luso de Carvalho

A era do Gótico abre um novo capítulo na história da arte, uma época que marca o início da pintura secular e a transição da Idade Média para o Renascimento. Os artistas góticos procuravam suas inspirações no presente em que viviam, alcançando desta forma um novo realismo, alegre e colorido.

Os detalhes, coloridos e luminosos aliados à uma técnica perfeita tornaram-se características típicas da época e do novo estilo, espalhando-se por toda a Europa, atingindo seu ponto alto com os afrescos e os painéis de Giotto, de Duccio, dos irmãos Lorezetti, de Simone Martini e Fra Angélico, em Florença e Siena.

Marcaram muito os vitrais, na França e os retábulos de Jan Van Eyck e Rogier van der Weyden nos Países Baixos; também as iluminuras, executadas pelos irmãos Limburg e outros miniaturistas, enquanto os painéis em estilo suave eram produzidos pelos alemães e nos trabalhos de Stefan Lochner.

O Gótico, inicialmente, era um termo depreciativo. Só muito mais tarde apareceu como definição de uma época. Foi um termo criado pelos teóricos italianos do séc XV para algo que devia ser destruído.

O Gótico permaneceu, por mais tempo, em muitas zonas diferentes da Europa, durou mais tempo que o estilo Românico que o antecedeu, e consideravelmente mais que o Barroco que lhe seguiu.

Giotto é um dos maiores representantes do estilo gótico. Sua principal característica é a aproximação dos santos com a do ser humano. Assim, a pintura de Giotto dá uma humanização do mundo até a chegada do Renascimento. Suas maiores obras são os Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis na (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores.

A pintura gótica tem as mesmas características da pintura bizantina e românica e é, na sua maior parte, substituída pelo vitral, maravilhosa criação do espírito medieval. A arte gótica é também chamada de Arte das Catedrais ou arte das Ogivas. Surge no final do século XII, na França. É Uma fusão de elementos clássicos, bizantinos e bárbaros.

O que distingue a pintura Gótica é a predominância do traço, ondulante ou interrompido, mas também o ornamento ligado ao plano. Podemos ver nas dobras dos trajes das pinturas e esculturas da França de 1300, como também os cabelos ondulados e os braços dobrados vistos nas figuras de perfil. As túnicas são mais finas e justas; os penteados e as barbas são caracterizados por regulares caracóis. O rosto, geralmente, é magro e oval.

Na transição da pintura gótica para a pintura renascentista ocorreram acontecimentos de enorme consequência na técnica de pintar: descobriram e aperfeiçoaram a pintura a óleo dissolvidas no óleo de linhaça.

O pintor gótico do norte da Europa era bastante analítico e, pela veemência do sentimento religioso, era muito simbólico e formador de imagens da realidade. Porém estava voltando, gradualmente, à observação da natureza, à representação realista do mundo à base de sensações. Não era mais o místico bizantino ou românico que representava a realidade à base de ideias religiosas carregadas de simbolismo. Era período voltou a transmitir a ilusão de espaço e do volume, aplicando a perspectiva, o claro e o escuro, assim com maior realismo na paisagem e nos movimentos do corpo.

Na última fase da pintura gótica, nos anos de 1400 a 1500, apareceram os pintores pré-renascentistas. Distinguiam-se pela progressiva libertação do convencionalismo bizantino e da minúcia oriunda das miniaturas. Os italianos Giotto e Masaccio antecipam essa libertação.

Ana e Joaquim na Porta Dourada / Giotto

Na Espanha

Beijo de Judas / Giotto

Santos / Fra Angelico

Retrato de uma senhora / Petrus Christus

Madonna ruccelai / Duccio

Fontes:

Gótico / Robert Suckale - Matthias Weniger & Manfred Wundram (ED.)

História da Arte / Kenia Pozanato & Mauriem Gauer

POLLOCK

2011-10-04T20:41:00.009-03:00

Jackson Pollock, pintor americano, nasceu em Cody – perto de Nova Iorque em 1912. Era filho de um granjeiro, tinha parte de sua origem irlandesa e parte escocesa. Inicialmente viveu em contato com solo americano, nos Estados de Wyoming, Arizona e California. Sua vocação artística revelou-se a partir de 1925 quando se inscreveu na Manual Art School de Los Angeles. Em 1929 foi estudar em Nova Iorque no Atelier de Thomas Hart Beton, pintor folclórico.

Descobriu em seguida a pintura em areia dos índios americanos e os pintores mexicanos de afrescos. Todavia, seu desenho inspirou-se nos mestres do barroco europeu. Em 1936 pintou telas violentamente expressionistas. Em 1940 executou trabalhos mitológicos, um pouco influenciados por Picasso, onde as formas se deslocam no espaço: Pasiphaé - 1943 / Totem – 1944.

Desde então desenvolveu pinturas automáticas que resultaram, em 1947, no completo domínio de sua técnica. Inventou processos originais aplicando imensas telas contra a parede ou no chão. Em vez de usar pincel e paleta, praticava o dripping passeando sobre a tela com latas furadas, de onde escorria tinta.

Ainda que Max Ernst tenha reivindicado a autoria desta técnica, foi Pollock quem a desenvolveu e dela tirou os resultados mais significativos: Catedrais - 1947, Verão – 1948, Bruma de Lavanda – 1950, Ritmos de Outono – 1950.

Estas telas gigantes apresentam um emaranhado de linhas, de espessura variada, que ocupam toda a superfície e com movimentos furiosos. Os últimos trabalhos desta série, pintados sobre vidro, misturam à tinta, conchas, pregos e pedaços de tela de arame.

Em 1950 a 1952 Pollock pintou em preto e branco, praticando um expressionismo abstrato delirante - Echo, 1951. Sua tela Abismo apresenta um buraco preto sobre um fundo branco. Depois voltou às formas circulares, onde alguns encontram analogia com os ritmos do Jazz: Oceano cinzento.

Criador da Action Painting, Jackson Pollock encarna a fúria de uma raça embriagada por grandes espaços e o drama de uma civilização desencadeada. Sua obra deu consciência à pintura americana de sua autonomia e representa a afirmação da escola de Nova Iorque.

Embora alguns críticos europeus e norte-americanos tivessem ironizado a obra de Pollock como um exibicionismo vazio, a Pintura de Ação encontrou na década de 1950 numerosos adeptos na Europa.

O exemplo de Pollock afetou não só os artista mais jovens; pintores contemporâneos e mais velhos, foram capazes de rechaçar as inibições convencionais e ingressar em terrenos semelhantes.

Pollock travou uma grande batalha contra o alcoolismo e a depressão. Em 1937 internou-se por 4 meses num hospital psiquiátrico onde se submeteu à tratamento químico e a uma análise.

Em seguida numa guinada rumo à abstração, incorporou em sua pintura elementos dos modernistas Picasso e Miró, assim como técnicas aprendidas com Siqueiros. Sua primeira obra de grande dimensão foi Mural – 1943 / 1944.

Entre 1947 a 1951 criou a série que abalaria o mundo das artes. Alguns viam nele apenas um criador de peças caóticas e isentas de qualquer sentido – a Revista Time chegou a apelidá-lo de Jack, o Gotejador. Outros, como Greemberg aclamavam-no como o mais vigoroso pintor da América Contemporânea. Mas, contudo, deixou seu nome como um marco nas artes do século XX.

Levado por um processo criador devorante, Pollock, de temperamento frenético, passou por períodos de angústia e inércia, terminando por morrer tragicamente em um acidente de carro, com velocidade acima do normal. Faleceu em 1956, Estados Unidos com 44 anos neste acidente.

'Quando estou na minha pintura não tenho consciência do que estou fazendo. Só depois de uma espécie de período para 'travar conhecimento' é que me dou conta daquilo em que estive me envolvendo'.


ECHO

Convergence - 1952

The key - 1946

Ocean Greyness - 1953

The tea cup - 1946

Filme:
A saga do pintor do expressionismo abstrato

ROCOCÓ / UM ESTILO FRANCÊS

2011-09-23T20:39:00.011-03:00

O Ar / Nicolas Lancret - clique foto

- Tais Luso de Carvalho

O Rococó é o mais atraente movimento artístico entre a Renascença e o Impressionismo. Surgiu por volta de 1700 na França e difundiu-se por toda a Europa no século 18. Como todo o movimento tem sua época, desaparece ou passa por transformações; do barroco nasceu o rococó, às vezes considerada um novo estilo, outras vezes vista como a última fase do barroco – Neobarroco.

As suas qualidades estão todas ao lado da fantasia, do espírito, sensibilidade e sorridente felicidade. Ao invés do movimento barroco e neoclássico que vieram antes e depois dele, o Rococó é intuitivo, não didático nem intelectual. Não exige antecedentes elaborados de conhecimentos históricos ou teóricos; o seu objetivo é uma pintura que dê prazer. Seu desejo é alcançar o deleite visual. É um estilo artístico e arquitetônico caracterizado pelas cores leves, alegres e elegantes. Foi o contraponto ao barroco, estilo pesado e escuro.

O rococó surgiu quando o rei da França, Luis XIV pediu uma decoração para os aposentos da jovem duquesa de Borgonha, de 13 anos. “Deve haver uma atmosfera de meninice por toda a parte”, pediu o rei.

A elegância e a conveniência, e não mais a grandeza e a pompa passaram a ser exigidas por uma sociedade já cansada das dourações, substituindo tudo por cores claras, rosas, azuis, verdes e o branco.

O nome, ao que tudo indica, é uma combinação do rocaille e barroco, uma referência depreciativa ao gosto prevalecente durante o reinado de Luiz XV. O termo, como tantos outros rótulos estilísticos, veio à tona com sentido pejorativo devido aos seus tantos floreios, algo muito excessivo, segundo o Oxford English Dictionary.

Os pintores que mais representam este estilo são Watteau, Boucher, Lancret, Fragonard, Veronese e Falconet - o escultor, que muitas de suas obras foram reproduzidas na porcelana. São obras leves, sutis, tocadas de certa displicência, luminosas, graciosas como que apenas aflorando à superfície da tela, sem consistência e profundidade. Traduzem os sentimentos de efemeridade que a própria nobreza possuía na época.

Na arquitetura, na escultura, na pintura, nas artes decorativas em geral, esse estilo expressa a vida ociosa e requintada, o espírito galante e fútil da nobreza europeia no século XVIII, porém foi um estilo derrubado das posições econômicas e políticas que ocupava pela vigorosa ascensão da burguesia.

De Paris o Rococó espalhou-se para a Alemanha, Áustria, Rússia, Espanha, Itália. Seu prestígio na Inglaterra não teve muita força. O Rococó perdurou na Europa até o final do século XlX em igrejas onde se fundiu com o barroco. Mas na França e em outros países o Rococó já vinha cedendo lugar a um novo estilo.

Se a pintura barroca expressava intensidade e violência de sentimentos, tocados de certo caráter naturalista, o rococó é feito de sentimentos aristocráticos de galanteria, mundanalidade, fantasia decorativa e requintado erotismo.

Por tudo isso adquire na pintura e demais artes certa leveza de técnica e graciosidade. Sedutora e efêmera como a própria vida da aristocracia o rococó é a autêntica e reveladora manifestação artística da época.

Alguns pintores franceses do período Rococó:

Antoine Watteau (1684-1721) Fraçois Boucher (1703-1770) Jean Honoré Fragonard (1732-1806) Maurice Quentin La Tour (1704-1788) Madame E. Vigée Lebrun (1755-1842) Nicolas Lancret (1690-1745) Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) Jean-Marc Nattier (1685-1779)

O Balanço / Fragonard - 1766 -


Carta de amor / Boucher

O Ar / Jean Nattier

Abadia de Ottobeuren, Alemanha - clique foto

Watteau

fontes:

Oxford de artes

O mundo da arte ed.Olympio

SURREALISMO

2011-09-09T19:58:00.011-03:00

A Persistência da Memória / Dali

- Tais Luso de Carvalho

O Surrealismo surgiu na França em 1924, um movimento, portanto, que nasceu entre as duas grandes guerras mundiais. Nessa época o mundo todo sofria as consequências da Primeira Guerra e sentia a tensão que preparava à Segunda.

Surgem a psicanálise e os escritos de Freud que fazia experiências com o sonho e com os sono hipnótico, procurando explorar o inconsciente, fazendo vir à tona, o sonho, o pesadelo, o maravilhoso. Grande parte de nossa alma estava submersa nas profundezas deste inconsciente. Os Surrealistas passaram a atribuir grande importância ao mundo dos sonhos.

Os estudos de Freud e as incertezas políticas criaram um clima favorável para uma arte que criticava a cultura europeia e a frágil condição humana diante de um mundo cada vez mais complexo.

O Movimento Surrealista não só se interessou pela arte pictórica, mas pela poesia, literatura e política. Sua origem surgiu juntamente com a publicação do Manifesto Surrealista de André Breton que foi seu animador, o seu teórico, e o seu chefe intransigente, até sua morte.

Sua influência se faz sentir em todas as formas artísticas modernas. Volta-se contra todas as formas de ordem lógica, moral e social. Proclama o poder absoluto do sonho, do instinto, do desejo e da revolta, apoiando-se na psicanálise.

Na pintura Surrealista os maiores nomes são Salvador Dali, Juan Miró, René Magritte, Giorgio De Chirico, Marx Ernst, Paul Delvaux, Ives Tanguy, Hans Arp entre outros tantos, como Frida Kahlo que não se dizia surrealista, mas sim realista de suas dores.

'Acredito na fusão desses dois estados – sonhos e realidade – aparentemente tão contraditórios, uma espécie de surrealidade absoluta' - explicava André Breton. Com isso ele assumiu a responsabilidade pelo nome que iria dar ao movimento.

Além de um mundo visível existiam muitas sensações reprimidas que seriam evocadas nos sonhos ou nos fenômenos alucinatórios. Isso tudo era partilhado por um grupo variado de artistas plásticos e escritores.

As manifestações absurdas e ilógicas, como imagens dos sonhos e das alucinações foram as que produziram as criações artísticas mais interessantes, mais fantásticas.

Os surrealistas lançaram-se por variados caminhos à exploração do imaginário; não havia um imaginário doutrinal: dissidências, expulsões e ataques pessoais marcaram toda a história do movimento surrealista.

Segundo Dali, era preciso desacreditar da realidade e da lógica que rege a vida das pessoas

Dali, Magritte e outros surrealistas optaram por um estilo bem detalhado, revestindo a realidade de alucinações, de cenas que não faziam sentido.

As técnicas frottage e grattage lhes permitiam criar estruturas abstratas que à primeira vista não representavam nada, mas que logo induziam a ver alguma coisa.

Max Ernst era o tipo de artista que utilizava o princípio de entregar tudo ao acaso. Sendo um dos surrealistas mais ávidos por experiências, incluiu na sua pintura técnicas imprevisíveis como o fronttage

Estes decalques e colagens sobre superfícies irregulares eram alguns dos métodos utilizados para explorar potencialidades inconscientes.

O Império das Luzes / René Magritte

Indefinido / Ives Tanguy

The Painter's Family / De Chirico

Duas crianças ameaçadas por um Nightingale / Max Ernst

Miró

Abraço amoroso / Frida Kahlo

Card Trick / Andre Masson

Mais obras Surrealistas: aqui

fontes:
História da Pintura

História da Arte

Oxford

CUBISMO l

2011-08-25T21:13:00.010-03:00

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso - 1907

- Tais Luso de Carvalho

O movimento artístico apontado como um dos grandes momentos da mutação da arte ocidental foi criado por Picasso e Braque. Não é possível se dizer com exatidão a data em que nasceu um movimento, uma vez que é um processo de transformação, de saturação do anterior, o olhar para o novo, para novas e excitantes descobertas.

Foi um movimento em que os objetos já não eram reproduzidos em função da impressão óptica, mas fragmentados em formas geométricas. Distinguem-se entre cubismo analítico (até 1911) e o cubismo sintético (de 1912 até meados de 1920).

O impressionismo já estava agonizando e o Cubismo veio à tona com Picasso e Braque. Porém vários artistas vieram colaborando para que isso, um dia, se concretizasse. E pode-se dizer que com o cubismo deu-se o verdadeiro início da arte contemporânea.

No Cubismo Analítico os artistas trabalhavam com poucas cores, preto, cinza e tons de marrom e ocre. O mais importante era desenvolverem um tema e apresentarem de todos os lados simultaneamente, e de tão fragmentada a obra, era impossível o reconhecimento das figuras expostas.

Para recompor a excessiva fragmentação dos objetos, os cubistas passaram ao Cubismo Sintético, onde passaram a resgatar a imagem das figuras. Porém isso não significou um retorno realista da obra.

Outra etapa do cubismo foi a colagem, introduzindo na pintura, letras, pedaços de madeira, jornais, vidros e metal, fragmentos reais.

O principal período de formação do movimento deu-se entre 1907 e 1914, mas alguns dos métodos e das descobertas dos cubistas foram integrados posteriormente a partir do repertório de muitas escolas artísticas do século XX. Foi adotado, depois, por Léger, La Fresnaye, Delaunay, Metzinger, Gleizes e Kupka.

O cubismo rompeu radicalmente com a idéia de arte como imitação da natureza, prevalecendo na pintura e na escultura européias desde a Renascença. Picasso e Braque abandonaram as noções tradicionais de perspectiva, escorço e modelagem tentando representar solidez e volume numa superfície bidimensional, sem converter pela ilusão a tela plana num espaço pictórico tridimensional.

Na medida em que representavam objetos reais, procuravam figurá-los como eram conhecidos e não segundo a aparência que tomavam num determinado momento e lugar. Assim múltiplos aspectos do objeto eram figurados simultaneamente; as formas visíveis eram analisadas e transformadas em planos geométricos que eram recompostos segundo vários pontos de vista simultâneos. Neste sentido o cubismo era e dizia ser realista, mas tratava-se de um realismo conceitual, e não óptico ou impressionista.

O movimento era resultado da visão intelectualizada, mais do que da visão espontânea. O Cubismo nasceu com o quadro Les Demoiselles d'Avignon, pintura de Picasso (1907), MOMA, de Nova York, com suas formas angulosas e fragmentadas. Cézanne tinha sido a última ligação ao estilo impressionista e a admiração que Picasso nutria pelo pintor era óbvia. A arte do séc XX, para o qual os impressionistas prepararam o caminho, seguiu vias diferentes.

O cubismo além de ter sido uma das fontes principais da arte abstrata, era infinitamente adaptável, e gerou outros movimentos, como o futurismo, o orfismo, o purismo e o vorticismo.

Em seu interesse pela representação de idéias, mais do que da realidade observada, constituiu-se numa das fundações da atitude estética do século XX.

Mulher com Violão - G.Braque / 1913

Picasso - L Amitie

Juan Gris - Homem no café / 1914

Picasso / auto-retrato

Natureza Morta / G.Braque

Picasso / Factory in horta de Ebbo

Guernica / Picasso

LUCIAN FREUD

2011-08-14T17:43:00.042-03:00

Reflection - 1985 / Clique nas obras

Tais Luso de Carvalho

O pintor Lucian Freud, neto de Sigmund Freud, é um dos pintores mais importantes da arte contemporânea figurativa do Reino Unido. Suas pinturas causam polêmica por serem impactantes. Retratos e nus perturbadores, crus, nada sensuais, e geralmente Lucian usava seus amigos como modelos.

'Eu pinto pessoas, não precisamente pelo que elas se parecem, não exatamente pelo que elas são, mas como eles deveriam ser ' - dizia Freud sobre seu trabalho.

Um de seus retratos, uma mulher obesa e nua em um sofá, foi vendido em 2008 por US$ 33,6 milhões. Uma das características de Lucian Freud era sua obsessão pelos nus: o corpo que ele pintava era o corpo do homem contemporâneo. Seus nus nunca trouxeram sensualidade ou beleza. Não encobria imperfeições, e os detalhes íntimos causavam um certo desconforto, uma sensação incômoda nos que olhavam as obras. Mas pode ser este o segredo de seu trabalho, o de perturbar.

'As pessoas me interessam muito, como se tratassem de animais primitivos' – disse aos curadores do Museu Britânico Tate, antes de uma retrospectiva.

Segundo uma entrevista de Paulo Pasta ao, artista plástico e professor da Fundação Armando Álvares Penteado, dada ao site CC, Freud conseguia reunir em suas pinturas todas as características do homem contemporâneo como, por exemplo, suas expressões. Outra questão importante é que, enquanto a geração mais nova pinta a partir de foto, ele partia da observação. Freud fazia parte de uma tradição muito inglesa, como Francis Bacon, com a mesma visão desviada do homem, que é mais trágica e solitária da existência humana, como muitos artistas ingleses atuais. Segue essa tradição de mostrar o cinismo, a perversidade presente no mundo.

O que a pintura dele tem de mais contemporâneo - segundo Paulo Paste - é a apreensão da solidão do homem. As figuras são muito solitárias, sofrem uma pressão existencial, lembram as obras de Samuel Beckett com seus homens encarcerados em uma espécie de quarto solitário, nus, despossuídos de tudo, destino. Outra característica contemporânea é a carnalidade de sua pintura. Ele usava tinta óleo, mas era uma tinta densa, contraponto à matéria da carne.

Freud se negava a seguir as tendências da moda na arte, usando seu estilo realista, mesmo quando era criticado pelos colecionadores e críticos. Era um dos pintores mais destacados a nível internacional, sendo reconhecido como um dos mais importantes realistas do século XX e XXI, segundo Brett Gorvy – vice presidente do departamento de arte da Christie's de Nova York.

Outra de suas características conhecidas,: entre uma pincelada e outra limpava o pincel, assim as cores mantinham sua individualidade e integridade.

Lucian Freud vivia para pintar e pintou quase até o dia de sua morte. Nasceu em Berlim em 1922 e se mudou para Londres com seus pais, Ernest e Lucie Freud em 1933, depois que Hittler e os nazistas chegaram ao poder na Alemanha. Naturalizou-se britânico seis anos depois e passou quase toda sua vida trabalhando em seu atelier na capital inglesa, localizado num luxuoso bairro de Holland Park.

Frequentava os mais badalados restaurantes, muitas vezes acompanhado de lindas mulheres, bem mais jovens, como a modelo Kate Moss a quem retratou nua.

Uma das pessoas mais famosas que Freud retratou foi a Rainha Elizabeth II que posou para o artista depois de longas negociações entre o Palácio de Buckingham e o pintor.

O retrato colorido que Freud doou à coleção da rainha causou enorme polêmica. Muitos ficaram chocados com a obra concluída. E a crítica ficou dividida: alguns críticos a veem como uma obra honesta, que transmiti algo de verdadeiro sobre tempo de serviço da rainha, experiência e devoção ao dever; outros acharam que Freud foi um pouco severo em seu naturalismo, em seu esforço para transmitir uma realidade psicológica; Freud tirou da rainha tudo o que é elegante, romântico ou bonito. Ela parece triste e sólida, e seu rosto parece ter a textura de massa de vidraceiro.

O artista nasceu em Berlin, em 1922 e faleceu aos 88 anos, em 20 de julho de 2011, Londres. As causas não foram reveladas.
Mais obras de Lucian Freud no The Museum of Modern Art - Moma

Naked Man - 1992

Suzy Boyt - ex-mulher de Lucian

Leigh Bowery - 1996

'Benefits Supervisor Sleeping' - 1995

Vendido por US$ 33,6 milhões em 2008


Um homem e sua filha - 1964 / clique foto

Lucian Freud trabalhando

MANABU MABE

2011-08-02T17:19:00.025-03:00

- Tais Luso de Carvalho

As grandes cidades do mundo conhecem os trabalhos de Manabu Mabe. Mabe, o artista brasileiro que expõe em sua obra, a pintura do Ocidente habilmente unida ao traço oriental. Reveladoras de um imenso talento suas telas constituíram motivo de comentário nos centros culturais da América e Europa.

Manabu Mabe nasceu em 14 de setembro de 1924, na localidade de Takara, na cidade de Shiranui, Japão onde permaneceu até os 10 anos quando sua família veio para o Brasil. Na cidade de Lins, São Paulo, Manabu trabalhava com o pai na lavoura e, nas horas de folga obtinha as primeiras noções de arte com um pintor amigo. Em casa aprendia a escrita japonesa, participando de um ambiente acentuadamente oriental.

Após a morte de seu pai Manabu foi para a capital onde iniciou a pintura de gravatas, atividade modesta que ja prenunciava, porém, sua inclinação artística. No decorrer desta fase difícil, evoluiu o poder criativo do principiante, que antevia a possibilidade de dar vida a um amplo mundo pictórico. Aos 28 anos conseguiu realizar este sonho, expondo no Salão Nacional de Belas-Artes.

O ano de 1959 trouxe-lhe a consagração definitiva como pintor, principalmente através da Galeria Barcinsky, no Rio de janeiro e da obtenção dos prêmios na V Bienal de São Paulo e na 1ª dos jovens em Paris. Nesse ano, naturalizou-se brasileiro. E daí em diante muitos prêmios vieram.

O figurativismo na obra de Manabu representou apenas uma fase inicial. Um exemplo dessa época é a obra Toilette. Mais tarde sua pintura transformou-se completamente; em 1957 volta-se para o abstracionismo – estilo que adotou definitivamente.

Manabu foi um dos precursores da arte abstrata no Brasil. Reconhecido e aplaudido no país e exterior, deixou uma vasta obra composta de abstratos, desenhos, figurações, geométricos, natureza-morta e paisagens.

Participou durante anos da FIAC (Feira Internacional de Arte Contemporânea) em Paris e da ARCO na Espanha. Em 1959 recebeu o Prêmio Leiner na exposição das Folhas em que participaram artistas de todo o país; e em 18 de Setembro, o prêmio de "Melhor Pintor Nacional" na V Bienal de São Paulo.

Manabu Mabe, 73, morreu no dia 22 de setembro, às 13h, no hospital Beneficência Portuguesa, em São Paulo, onde estava internado havia 25 dias. As causas da morte do artista foram septicemia (infecção generalizada), linfoma (tumor nos gânglios linfáticos), diabetes e problemas relacionados a um transplante renal.

INSTITUTO MANABU MABE

A arte representa o espírito humano e o artista permanece em sua obra, vivendo através dos tempos. Salvaguardar e transmitir a herança patrimonial é dar significado ao que se entende como Nação.

O Instituto Manabu Mabe, entidade sem fins lucrativos fundada em 1997 — representada pela família Mabe — tem por objetivo contribuir para a difusão da arte e da cultura. Sua atuação, de natureza preservacionista, está voltada para pesquisa, catalogação, certificação, avaliação, autorização do uso de imagens, conservação e restauro das obras do internacionalmente reconhecido artista plástico Manabu Mabe.

Espelhado no exemplo deste sonhador, conhecido como o Samurai da Pintura, o Instituto trabalha com a mesma dedicação e entusiasmo no sentido de preservar a identidade nacional para as futuras gerações e o legado do maior abstracionista que o Brasil conheceu, elevando seu talento ao mais alto grau de expressão estética e intelectual. Manabu Mabe honrou com seu trabalho incansável a pátria que adotou de corpo e alma.

Notícia sobre o desaparecimento de várias obras de Manabu Mabe na queda de um avião Boing 707 da Varig, no dia 30 de janeiro de 1979. Foram 153 obras de Manabu Mabe que desapareceram no mar. Vejam a notícia.

ARTE DOS ÁRABES / IDADE MÉDIA

2011-07-21T17:42:00.052-03:00

- Tais Luso de Carvalho

Arábia foi o centro de uma notável civilização que rapidamente se difundiu pelo Oriente, criando um grande e poderoso império. Bastante influenciados pela arte cristã, os muçulmanos criaram também a sua arte; acrescentaram novos elementos trazendo uma riqueza e um luxo diferente.

Além a influência bizantina predominante, a arte muçulmana acolheu sugestões de alguns países onde se instalou. Na Ásia não foi insensível às idéias persas. Na Espanha filtrou elementos dos visigodos germânicos que a haviam ocupado.

Dando às abóbodas feitio e construção diversa, produziram efeitos imprevistos com o sistema de estalactites, designação o qual ficaram sendo conhecidas. A decoração árabe é singularmente original pelo relevo dos seus motivos e pela inesgotável fantasia geométrica de que as compõe, revelando excepcional riqueza e criatividade.

Devido a uma cláusula especialmente expressa no Livro Sagrado Alcorão que proibia a representação de seres vivos, a pintura decorativa dos árabes só empregava temas geométricos, figuras abstratas, animais estilizados e estes, de tal modo que se tonavam muito difícil reconhecer-lhes a natureza no meio da composição em que se encontravam. As próprias linhas floreadas da escrita árabe adquiriram um alto valor decorativo.

A cerâmica também é bastante original, tendo adquirido grande fama as manufaturadas, conhecidas por majólica.

Caixa de marfim

Arabescos

A arte islâmica não é a arte de um país ou de um povo em particular; é a arte de uma civilização formada por uma combinação de circunstâncias históricas: a conquista do mundo antigo pelos árabes, a unificação forçada e que por sua vez foi invadido por vários povos estrangeiros.

O elemento árabe é provavelmente, em todos os tempos, o mais importante. Ele forneceu a base para o desenvolvimento da arte islâmica através da mensagem do islã, a língua de seu livro sagrado e a forma árabe da escrita. Esta última transformou-se na mais importante característica isolada de toda a arte islâmica, levando ao desenvolvimento de uma infinita variedade de ornamentação abstrata e de todo um sistema de abstração linear, peculiar às diversas formas de arte islâmica, que de uma maneira ou de outra poder ser reconhecida como de origem árabe.

AS MESQUITAS

Ao contrário da igreja cristã, a mesquita não é a morada de Deus, mas apenas o lugar de encontro dos fiéis, onde se pode orar em paz, com a cabeça voltada para a quibla, pedra que indica a direção de Meca.

Mas o fator principal de sua originalidade sempre foi a religião maometana que se exprimiu, desde logo, no seu local de culto: a mesquita.

Os Templos chamados Mesquitas tiveram grande vastidão, mostrando no interior a enorme floresta de colunas superiormente ligadas por meio de arcos, mas de arcos cuja trajetória excedia as normas vulgarmente usadas até ali, com a forma de ferradura.

Uma das principais características é a ausência de espaços vazios. Os monumentos religiosos são constituídos pelas Mesquitas cujo protótipo é a de Córdoba, na Espanha, que tem oitocentos e cinquenta colunas de mármore. Em outras arquiteturas notam-se os palácios, como o de Alhambra, em Granada mundialmente conhecido pela opulência da sua decoração interna, que torna assombrosa a Sala dos Embaixadores.

O mais antigo templo islâmico El Acsa está em jerusalém, e foi erguido no fim do séc. VII.

A Mesquita de Córdoba, tem mais de mil anos, e foi transformada em Catedral Católica desde a conquista da cidade pelos cristãos, no século XIII - é uma das mais belas obras da arquitetura árabe na Península Ibérica.

Reconhecida como a terceira maior Mesquita do mundo, sendo apenas superada pelas de Meca e de Casablanca. Naquele tempo Córdoba era considerada a cidade mais próspera da Europa.

Sala dos Embaixadores / Palácio de Alhambra

Interior Mesquita Omíada - 705 / 715

Os arabescos e azulejos dão bem a nota discreta e fina da decoração árabe, onde, graças a esses pitorescos desenhos e engenhosa disposição de linhas não parece fazer falta a representação da criatura humana vedada pela religião muçulmana. A arte como a poesia, entre os árabes, deve muito à influência imaginativa dos persas. Nas cidades árabes medievais, ao contrário da maior parte das cidades européias, haviam escola, universidades e bibliotecas. Foram grandes desenvolvedores nas áreas da medicina, da filosofia, da matemática, da geometria e da arquitetura.

Arabescos árabes

refeências:
Mundo Islâmico
Estilos Artísticos / Armando de Lucena
Arte nos séculos

IBERÊ CAMARGO

2011-06-22T15:58:00.021-03:00

No Vento e na Terra / 1991 clique foto

'O drama, trago-o na alma. A minha pintura, sombria, dramática, suja, corresponde à verdade mais profunda que habita no íntimo de uma burguesia que cobre a miséria do dia-a-dia com o colorido das orgias e da alienação do povo. Não faço mortalha colorida.'

Fantasmagoria / 1987

Um dos grandes artistas do séc. XX, com uma obra extensa, gravuras, desenho, guaches e pintura a óleo, sua obra 'Carretéis', 'Ciclistas' e 'Idiotas' são de suas fazes mais conhecidas e comentadas. Iberê sempre exerceu forte liderança no meio artístico e intelectual. Suas obras foram reverenciadas nas Bienais de Tóquio, Madri, São Paulo, Veneza assim como participou, também, de inúmeras exposições no Brasil, França, Inglaterra, Estados Unidos, Escócia, Espanha e Itália. Seu acervo é composto por mais de 7000 obras - grande parte na Fundação Iberê Camargo.

O artista nasceu no ano de 1914, em Restinga Seca, distrito de Santa Maria/RS.

Em 1942 recebeu do Governo do Estado uma bolsa para estudar no Rio de Janeiro, e partiu com Maria, sua esposa. Não cursou todo o Belas Artes por discordar de sua orientação acadêmica.

Integra-se, na época, ao Grupo Guignard onde expõe pela primeira vez sua 'individual' em Porto Alegre. Após ter conquistado um prêmio resolveu ir para Europa estudar com André Lothe e De Chirico. Voltou ao Brasil, e não se filiou a nenhuma escola, mantendo-se independente.

Isolado, num ateliê no Edifício Róseo, e depois na Lapa, Iberê dilacerou-se para escapar das influências poderosas de Portinari, Segall e Utrillo, esta a mais marcante e duradoura.

Aproximadamente em 1958, uma hérnia de disco provocada pela suspensão de um quadro no cavalete, obrigou-o a trabalhar quase que exclusivamente no ateliê. Seja por esta razão ou por motivos inconscientes, seus quadros começaram pouco a pouco a mergulhar na sombra. O céu das paisagens tornou-se azul-escuro, negro, dando ao quadro um conteúdo de drama. Surgem, então, os carretéis sobre a mesa, depois no espaço. Os carretéis são reminiscências da infância.

O Grito / 1984

O Ciclista / 1990 clique foto

Retratos, paisagens, naturezas-mortas, carretéis, explosões abstratas, tudo feito com paixão emergindo de uma força estranha. Tudo expressava um momento, muito longe da inércia.

Em 1980, num incidente em uma das ruas do Rio de Janeiro, o artista matou um homem. O caso teve enorme repercussão. Esse episódio deixou Iberê extremamente abalado fazendo com que o artista retornasse ao figurativismo. Iberê volta para Porto Alegre em 1982, abrindo seu atelier na rua Lopo Gonçalves. Continua a produzir muito, em 1986 abre seu atelier no bairro Nonoai, e lança o livro 'No andar do tempo' – 9 contos e um esboço autobiográfico.

Sua obra torna-se trágica, com figuras esquálidas, onde pode-se ver incutido no artista, a tragédia: mais solidão e sofrimento. Sua vida foi, praticamente, transportada para as telas, tanto em suas fases tumultuadas como nas mais calmas. Suas pinceladas deixaram uma história rica na trajetória das artes.

Todo o artista deixa sua vida nas telas brancas e frias; acabada a obra, tudo vira história, emoção, beleza e riqueza de detalhes. Mas, marcado por tragédias pessoais, a obra de Iberê mostra pinceladas dramáticas e amargas nos últimos anos de sua vida.

A série dos Carretéis surge por volta de 1959. Produz apenas no seu ateliê e passa a retomar temas ligados à sua infância. Ciclistas – 1984 - trazem um jogo entre o passado e o presente, usando a bicicleta como analogia do tempo. E Idiotas vem no início dos anos de 1990, quando a política do Brasil estava aos frangalhos.

Carretéis / 1958

Anos depois, bem mais adiante, veio a contrair um câncer de pulmão, levando-o a inúmeras sessões de radioterapia. E essa dramaticidade, de sua luta contra a doença ficou registrada em seus últimos trabalhos. Morre em 1994

A Idiota / 1991

De Iberê...

- As figuras que povoam minhas telas envolvem-se na tristeza dos crepúsculos dos dias de minha infância, guri criado na solidão da campanha do Rio Grande do Sul.

- Não há um ideal de beleza, mas o ideal de uma verdade pungente e sofrida que é a minha vida, é tua vida, é nossa vida, nesse caminhar no mundo.

- Sou impiedoso e crítico com minha obra. Não há espaço para alegria.'

- Acho que toda grande obra tem raízes no sofrimento. A minha nasce da dor.

- A vida dói... Para mim, o tempo de fazer perguntas passou.

- O auto-retrato do pintor é pergunta que ele se faz a si mesmo, e a resposta também é interrogação.

- A verdade da obra de arte é a expressão que ela nos transmite. Nada mais do que isso!

Solidão / 1994

Minha contestação é feita de renúncia, de não-participação, de não-conivência, de não-alinhamento com o que não considero ético e justo. Sou como aqueles que, desarmados, deitam-se no meio da rua para impedir a passagem dos carros da morte. Esta forma de resistência, se praticada por todos, se constituiria em uma força irresistível. O drama trago-o na alma. A minha pintura, sombria, dramática, suja, corresponde à verdade mais íntima que habita no íntimo de uma burguesia que cobre a miséria do dia-a-dia com o colorido das orgias e da alienação do povo.

Não faço mortalha colorida. Por que sou assim?

Porque todo homem tem um dever social, um compromisso com o próximo.

Sobre a Fundação Iberê Camargo:

Fundação Iberê Camargo / Porto Alegre, Brasil

Alvaro Siza, projetou a Fundação com a obsessão ‘siziana’: desde os parafusos sextavados em aço inoxidável, figuras de sinalização das portas dos banheiros e saídas de emergência, porta-lápis, cabideiros e lixeiras do setor administrativo como, também, de todo o mobiliário. Como se vê, tudo nos mínimos detalhes.

O arquiteto português é um dos cinco arquitetos contemporâneos mais importantes do mundo. O prédio tem salas expositivas, átrio, reserva técnica, centro de documentação e pesquisa, Ateliê de Gravura, Ateliê do Programa Educativo, auditório, loja, cafeteria, estacionamento e parque ambiental projetado pela Fundação Gaia.

Com 9,5 mil metros de área construída, prédio de curvas suaves, mas impactantes, construído num terreno doado pelo Estado, parceria público-privado.

No fundo do terreno foi preservado o paredão de rocha coberto por uma vegetação nativa. O aparelho de ar-condicionado funciona reciclando a própria energia que produz; a água que abastece os vasos sanitários vem da chuva, e sai já tratada.

A iluminação artificial reproduz o mesmo tom da clarabóia; camadas de lã de rocha isolam os ruídos externos e o mormaço do verão de Porto Alegre; um fosso, inacessível ao olhar dos visitantes, contorna todo o prédio de maneira que, se o Guaíba transbordasse, haveria enorme espaço a preencher até chegar ao estacionamento. Tudo perfeito para acolher parte das 7 mil obras produzidas pelo artista, as quais estão protegidas por um sofisticado sistema de segurança.

Fundação Iberê Camargo - aqui

CARAVAGGIO

2011-06-08T20:18:00.012-03:00

Baco / 1593-94 clique fotos

por Tais Luso de Carvalho

Michelangelo Merisi da Caravaggio nasceu em 1571, Caravaggio, Itália. Não era propriamente genial como pessoa; era um jovem de temperamento violento, arruaceiro, mente instável, de muitas bebedeiras, dívidas, amigos duvidosos, várias prisões, uma acusação de assassinato no jogo da péla. Era um frequentador do submundo.

Caravaggio foi o mais original e influente pintor italiano do século XVII. Recrutava seus modelos nas ruas e os pintava à noite, entre luzes e sombras. Eram telas com fortes contrastes, jovens com caras viciadas, bêbados, gente de toda a espécie se entrelaçando em suas telas.

Caravaggio era filho de um arquiteto, que morreu ainda quando o pintor era criança. Sua mãe morreu quando ele era ainda jovem. No início de sua carreira, ao viajar para Roma, Veneza, Roma, Cremona e Milão Caravaggio já era um órfão individado.

Seus primeiros trabalhos foram marcados por retratos inigmáticos. Seu autoretrato como Baco (1593/1594), também exibe um extraordinário talento para natureza morta.

Pequeno Baco doente

Com muitos trabalhos em Roma, Caravaggio levou para as telas a vulgaridade humana, exibida nas suas figuras de vestes surradas e sujas e nos seus rostos maltratados.

Em seu quadro, A Morte da Virgem Maria pintou imagens sem gloria e sem o esperado explendor causando enorme desconforto e rejeição da igreja. Seria uma encomenda destinada a Igreja de Santa Maria de La Scalla. Cogitou-se que a modelo requisitada para a obra teria sido uma cortesã de vestido vermelho e que, pelo seu ventre inchado, já estaria morta.

Durante muito tempo foi considerado indigno para participar de exposições, igrejas e salões da nobreza. Era chamado pelos seus contemporâneos de anticristo da pintura, de artista pé sujo. Requisitava as prostitutas e mendigos para seus modelos de santos; os apóstolos em trajes velhos e sujos, ou ainda representar os momentos da história cristã como fato simples do cotidiano foram alguns dos pecados de Caravaggio. Assim mesmo sua obra foi tocada pela anormalidade do gênio, criativa e desesperada.

Caravaggio ainda trabalhou nas obras O Sepultamento, A Virgem de Loreto, A Virgem dos Palafreneiros e A Morte da Virgem. As duas últimas recusadas, por incorreção teológica.

Ao romper com as representações sacras, deixa o caráter celestial, de personagens sagrados e volta a retratar o cotidiano mundano, com fundos escuros, valendo-se de sua técnica claro-escuro na qual foi mestre.

Duas fases se distinguem em sua carreira: um primeiro período experimental 1592 / 1599 e um período de maturidade (1599 / 1606). Suas primeiras obras foram pequenas figurações de temas não dramáticos, como naturezas-mortas, figuras de meio corpo como O rapaz com uma cesta de frutas, Florença, O jovem Baco. Mais tarde suas figuras tornaram-se mais articuladas, com cores mais ricas, com sombras acentuadas, como na Ceia de Emaús.

O segundo período, o da maturidade, Caravaggio iniciou com uma encomenda para a Capela de Contarelli. Na obra São Mateus e o Anjo, desenvolveu uma ação dramática, com maestria no uso das tintas que com muito esforço foram conseguidas - vista num estudo através de raios-X. Porém, foi rejeitada por ser considerada indecorosa, mas comprada mais tarde pelo Marquês Vincenzo Giustiniani, um dos mais importantes mecenas de Roma, que também pagou pelo retábulo substituto.

No período em que fugiu de Roma - em 1606 -, passando os 4 últimos anos de sua vida perambulando de Nápoles para Malta e Sicília, continuou a pintar obras religiosas, mas com um novo estilo, buscando apenas o essencial: poucas cores, tinta aplicada em finas camadas e o drama das obras anteriores, substituídas por um silêncio contemplativo.

Sua atividade não foi longa, mas foi intensa. Caravaggio apareceu numa época em que o realismo não estava tão em moda, em que as figuras eram retratadas de acordo com as convenções e os costumes, mais romantismo e graciosidade do que as exigências da verdade, fazendo com que o belo perdesse seu valor.

O interesse por Caravaggio declinou no séc XVIII, mas voltou à baila na metade do séc XIX onde todos viam em sua pintura uma rejeição à beleza e a busca pelo horror, à feiura e ao pecado.

Teve uma morte prematura aos 39 anos e morreu tão miseravelmente quanto viveu, colocado numa cama, sem ajuda , sem amigos. Morreu de malária, em 1610, em Porto Ercóle, Itália.

CARAVAGGISTI

Era a denominação dada a pintores do início do séc XVII que imitaram o estilo de Caravaggio. O uso do claro e escuro para conseguirem mais dramaticidade e realismo. Estes exerceram muita influência em Roma no princípio do séc XVII. O Caravaggisti foi um fenômeno de grande importância, o mundo talvez não tivesse um Rembrandt, um Delacroix, um Manet, Rubens ou Velazquez se não fosse a influência de Caravaggio.

OBRAS PRIMAS:

Baco / Jovem com um Cesto de Frutas / Menino mordido por um Lagarto / Repouso na fuga para o Egito / A cabeça da Medusa / A Morte da Virgem / A Ceia de Emaús / O martírio de São Mateus / O Sepultamento / A Decapitação de São João Batista.

Ceia em Emaús - clique foto -

Cesta de Frutas

Crucificação de São Pedro

O enterro de Cristo

A morte da Virgem

Fontes:

Grandes Artistas - ed. Sextante

D.Oxford de Arte

JOHANNES VERMEER

2011-05-13T21:35:00.004-03:00

Moça com brinco de pérola / 1666 - clique foto

- Tais Luso de Carvalho

Johannes Vermeer nasceu em 1632, Delft / Holanda, oriundo de uma família protestante. Suas pinturas estão envoltas num certo mistério, pois produzio poucas obras, das quais poucas delas podem ser datadas com precisão. Talvez, por tantas incertezas que o tornou mais popular nos últimos tempos. Teve uma carreira modesta e muitos anos de negligência.

Os anos de aprendizado, levaram o artista aos importantes centros de pintura de Utrecht e Amsterdã. Converteu-se ao catolicismo ao casar-se com Catharina Bolnes em 1653, mesmo contrariando a família de Catharina. Tiveram 11 filhos. Neste mesmo ano foi professor da Guilda de São Lucas, em Delft.

Inicialmente despontou com pinturas históricas, retratando temas bíblicos e mitológicos que eram respeitados na época. No final da década de 1650, passou a retratar, então, a vida cotidiana, como ficou conhecido, usando a técnica do impasto para dar vida ao detalhes.

Vermeer era conhecido por suas pinturas de cenas cotidianas, domésticas e introspectivas.

O que chama a atenção em sua pintura é a luminosidade, que ficou como sua característica mais notável. Eram, os pontos de luz, em posições organizadas, como na obra Rua de Delft e A Leiteira - 1658.

Seu estilo amadureceu, tornando-se mais leve e sutil. Obras como a Moça com brinco de pérola (1665) - que, com apenas duas pinceladas cria o brinco - e O estúdio do artista (1666), mostra o desapego em relação em que ele era conhecido.

Sua obra, a Moça com o brinco de pérola, toda a observação vai para a expressão do rosto da figura feminina. Os lábios entreabertos da moça, nos faz pensar que ela estaria para dizer algo. As cores empregadas no rosto e vestimentas, sem cenário, fazem da moça o centro da obra.

Já, A Rendeira (1670), chama atenção pela sua concentração, com gestos delicados e precisos.

Em, A Mulher lendo uma carta, a sala está inundada de luz e uma suave harmonia de cores e de formas.

Já na sua velhice, Vermeer teve de lidar com fortes problemas financeiros, uma vez que sua produção foi de apenas 35 obras. Trabalhou, também, como comerciante de arte e estalajadeiro. Ao falecer em 1675, sua viúva herdou suas dívidas e teve de decretar falência.

Por ter ficado em Delft e por ter um estilo peculiar, a influência de Vermeer não se expandiu. Apenas no séc. XIX que o nome de Vermeer tornou-se conhecido, novamente. Sua reputação tornou-se saliente pelo realista francês Gustavo Courbet, onde os pintores holandeses inspiraram os naturalistas da época.

Algumas obras a destacar:

Moça com brinco de pérola, 1566

A Rendeira, 1670

Mulher lendo uma carta, 1665

O estúdio do artista, 1666

A Alcoviteira, 1656

A Leiteira, 1658

O Astrônomo, 1668

Mulher com colar de pérolas, 1664

Leitora à janela, 1659

Morre em Delft, Holanda em 1675.

Fica-se sabendo, portanto, muito pouco das obras de Vermeer, porém a de número 36ª foi exatamente a Moça com brinco de pérola ou Mulher com turbante, reconhecida como autêntica, representada em livros e em um filme.

A leiteira / 1668

Leitora à janela / 1659

Rua de Delft / 1658

Vista de Delft / 1660

GUIA PRÁTICO DE ESTILOS, ESCOLAS E MOVIMENTOS

2011-04-28T22:18:00.016-03:00

Renoir / Impressionismo (+ zoom)

- Tais Luso de Carvalho

É incontestável que a arte deve conter valor social; como poderoso meio de comunicação que é, deve ser dirigida e em termos compreensíveis à percepção da humanidade.

(Rockwell Kent)

De 1860 a 1900:

Surgimento das Vanguardas:

Impressionismo - Arts and Crafts - Escola de Chicago - Os Vinte – Neo-impressionismo - Movimento Decadente - Art Nouveau – Modernismo – Simbolismo – Pós-impressionismo - Cloisonismo – Nabis – Sintetismo - Salão de Rosa-Cruz – Jugendstil - Secessão Vienense - Mundo da Arte.

Georges Seurat / neo-impressionismo (+zoom)

De 1900 a 1918:

Modernismos para um mundo moderno:

Fauvismo – Expressionismo - A Ponte - Ashcan School - Deutscher Werkbund – Cubismo – Futurismo - Valete de Ouros - O Cavaleiro Azul – Sincronismo – Orfismo – Raionismo – Suprematismo – Construtivismo - Pintura Metafísica – Vorticismo - Ativismo Húngaro - Escola de Amsterdã – Dadá – Purismo - De Stijl.

Jacek Yerka / Surrealismo

De 1918 a 1945

Em busca de uma nova ordem:

Arbeitsrat für Kunst - Grupo de Novembro – Bauhaus – Precisionismo - Art Decó Escola de Paris - Estilo Internacional - Novecento Italiano - Der Ring - Nova Objetividade Surrealismo – Elementarismo - Grupo 7 - M.I.A.R - Arte Concreta - Realismo Mágico - Cena Americana - Realismo Social - Realismo Socialista – Neorromantismo.

Lucian Freud / Realismo

De 1945 a 1965:

Uma nova desordem:

Arte Bruta - Arte Existencial - Arte Marginal - Abstração Orgânica - Arte Informal – Expressionismo – Letrismo – CoBrA - Arte Beat - Arte Cinética - Kitchen Sink School – Neodadá - Combines - Novo Brutalismo - Art Funk - Novo Realismo - Internacional Situacionista – Assemblage - Art Pop - Arte Performática Grav – Flux - Art Op - Abstração pós-pictórica.

Juarez Machado / arte contemporânea

De 1965 até hoje

Além das vanguardas:

Minimalismo - Arte Conceitual - Body Art - Instalação – Hiper-realismo – Antidesign - Supports-surfaces – Videoarte - Earth Art - Site Works - Arte povera – Pós-modernismo – High-tech – Neoexpressionismo – Neopop – Transvanguarda - Sound art - Web art - Destination art - Design art - Fotografia artística.

Marc Chagall / Modernismo

fonte Guia Enciclopédico da arte moderna.

Estilos, Escolas e Movimentos – 2ªed. Amy Dempsey

Trad. Carlos E. Marcondes de Moura.

RENASCIMENTO

2011-04-16T20:53:00.019-03:00

Leonardo Da Vinci / A Dama com o Arminho

- Tais Luso de Carvalho
O Renascimento foi um movimento importante, de renovação cultural e artística que se originou na Itália no séc. XIV e marcou a mudança da idade Média para a idade Moderna. Do teocentrismo Medieval - que via em Deus todas as coisas -, o homem avançou para o Humanismo, uma filosofia surgida no Renascimento e que predominou mais na idade Moderna. Foi neste período que o homem passou a ser o centro do mundo.

O que veio a proporcionar a ocorrência do Renascimento foram a expansão do comércio pela Europa, o renascimento urbano, a ascensão dos mercadores marítimos que passaram a a viver em castelos e a incentivar e financiar os jovens artistas, tornando-se protetores das artes, e também a queda de Constantinopla, que fez muitos sábios bizantinos fugirem para o ocidente, principalmente encontrando abrigo nos castelos da Itália.

O Renascimento da Vênus / Botticelli (+zoom)

A arte renascentista tem como características a valorização do homem, a inspiração dos modelos greco-romanos, perfeição das formas, equilíbrio e harmonia, arte para a elite da época e a volta à natureza como fonte de inspiração.

Essa mudança foi causada por uma série de fatores, nem tudo no Teocentrismo era correto; o homem descobriu que a Terra não era o centro do Universo e sim o Sol; que a Terra não era plana, e sim redonda e girava em torno de si mesma; que haviam outros povos que habitavam o planeta, não só os Europeus e Asiáticos, etc.

À busca da verdade levou o homem à pesquisa. Procurou conhecer mais o mundo em que habitava como também a si próprio. O artista, na idade Média era considerado um instrumento da manifestação divina, não tendo méritos próprios. Na Renascença o artista começa a ser valorizado como pessoa, como um criador, como gênio.

É nesse período que a arte ganha autonomia e que conquista seu próprio espaço e não é mais julgada como parte integrante da religião.

Os artistas estudam o corpo humano, procurando harmonia e perfeição nas formas e vão buscar sua inspiração nos povos greco-romanos – os que melhor trabalharam a natureza humana na antiguidade.

O público renascentista aprendeu dos autores clássicos a esperar da pintura um alto grau de fidelidade à natureza e uma busca da forma perfeita no que pretendiam ver.

A criação de Adão / Michelangelo (+ zoom)

Fases das artes visuais no Renascimento Italiano:

TRECENTO - 1300 a 1399 - é a transição entre a estética medieval e a renascentista.

QUATTROCENTO - 1400 a 1499 / auge do Renascimento

CINQUECENTO – 1500 A 1550 / no final deste período começa um certo cansaço e procura por novos movimentos, novas manifestações artísticas.

ARQUITETURA

O maior exemplo da arquitetura renascentista é a Basílica de São Pedro, em Roma, construída em 1506. Bramante, seu primeiro arquiteto,, projetou uma planta em forma de cruz grega, com elevada cúpula central. Mais tarde Rafael alterou-a para uma forma retangular. O projeto da cúpula foi obra de Michelângelo, mas foi somente terminada com por Giacomo Della Porta. A famosa Basílica foi consagrada em 1626 pelo Papa UrbanoVIII, após quase 150 anos de trabalhos, quando reinaram mais de vinte papas e colaboraram mais de dez arquitetos. O arquiteto e escultor Lorenzo Bornini desenhou a praça fronteira circular e a monumental colunata tendo ao centro o obelisco egípcio trazido no séc I pelo imperador Calígula. É o maior, o mais importante e o mais rico templo católico do mundo.

Suas caraterísticas são:

Uso das ordens arquitetônicas gregas.

Predomínio da horizontal sobre a vertical.

Uso de arcos, abobadas e cúpulas.

Estátuas no telhado.

Alguns artistas se destacaram: Miguel Angelo Buonarotti, Angelo Bramante, Bruneleschi e Alberti.

ESCULTURA

A escultura no Renascimento volta a ser uma arte autônoma retornando às características da escultura grego e romana.

Uma das mais famosas é a Pietà, de Miguel Angelo, na qual há uma réplica mo Brasil na igreja São Pelegrino, em Caxias do Sul, RGS. Além de Miguel Angelo, outros escultores se destacaram, como Bernini, Piero Bonacolsi entre outros.

PINTURA

Cristo e o tributo / Masaccio (zoom)

Alguns vultos do Renascimento:

Giotto / Afrescos da Basílica de Assis,...

Leonardo da Vinci / com múltiplas habilidades, apresenta La Gioconda, a Virgem dos Rochedos,...

Miguelangelo Buonarotti / esculturas Davi, Pietà e afrescos da Capela Sistina,...

Rafael Sanzio / suas Madonas, Escola de Atenas,...

Sandro Botticelli / O Nascimento da Vênus,...

Hieronymus Bosch / O Jardim das Delícias,...

Fra Angelico / Anunciação,...

Masaccio / A Trindade, …

Veronese / Lucrécia,...

Donatello / entre tantos outros das escolas de Florença, Veneza e Roma.

Lucrécia / Veronese

Na pintura, Leonardo da Vinci aparece como grande destaque. Com novas técnicas, apresenta volume e, consequentemente passa a ser pintura tridimensional, com características a seguir:

Emprego da técnica sfumato e o claro e escuro.

Uso da perspectiva científica.

Uso da paisagem como fundo da pintura.

As pinturas apresentam eixo central – na vertical e horizontal.

A visão da figura feminina como mulher, e não como santa.

Na verdade, o Renascimento representou muito mais do que o simples reviver da cultura clássica, significou a valorização do ser humano, a oposição ao divino e ao sobrenatural, conceitos que haviam impregnado a Idade Média. Resgatou o ser humano e sua essência.

Estudo das proporções humanas / Leonardo Da Vinci

Mais sobre pintura Renascentista: clique aqui.

fontes: A História da Arte / Duílio Battistoni Filho

História da Arte / Kenia Pozanato e Mauriem Gauer

História da Arte / Graça Proença

ASSIM COMEÇOU A ARTE: PERÍODO PALEOLÍTICO

2011-03-31T16:14:00.010-03:00

Caverna Lascaux

- Tais luso de Carvalho

Tudo nos primeiros caminhos do homem, acaba se evaporando em conjeturas e suposições, pois não havia escrita. Não havia como relatar. Sempre há um pouco de divergências nas pesquisas. Os registros quanto à dança e a música se perderam no tempo. O que restou foram desenhos nas paredes das cavernas e partes do que poderiam ser instrumentos rudimentares, tais como flautas de bambu e ossos, e também tambores. O período Paleolítico é o mais antigo da história da arte que se conhece. Inicia-se com a Arte Rupestre: figuras de cervos, bizontes, cavalos, mamutes e outros animais.

Caverna de Altamira / Bizonte

O período Paleolítico inferior - fase mais antiga - pode ser datado de 500.000 a 30.000 antes de Cristo. E o Paleolítico superior, vai de 30.000 anos a 10.000, sendo que a inferior cobre 75% de todo o período.

Analisando o esquema da divisão da História da Arte, vemos que os períodos históricos mudam quando há um acontecimento que provoca na humanidade uma mudança de ideias. A cada vez que muda o homem e suas reflexões, mudam também suas manifestações artísticas.

Arte Pré-histórica :

Período Paleolítico / idade da pedra lascada

Período Neolítico / idade da pedra polida / mais no final: metais: cobre, estanho e bronze.

O Paleolítico Superior, distanciado uns 50 mil anos da era histórica é que se encontram mais vestígios de manifestações artísticas, expressas de modos diversos, principalmente na decoração das paredes das cavernas que serviam como habitação, e que eram efetuadas por nômades - caçadores e pescadores -, que representavam, quase que exclusivamente, animais comestíveis.

O uso de objetos de pedra levou os historiadores a denominar esse período de Idade da Pedra lascada (ou Paleolítico). Foi nesse período que o homem descobriu o fogo, de grande utilidade e conforto para os grupos humanos: deu-se aí, a descoberta da cerâmica.

Vênus de Lespugue / França

No período Paleolítico Superior é que vamos encontrar as primeiras manifestações escultóricas do homem. Seu principal utensílio é o machado de mão, de pedra lascada. Nessa época já começavam a aparecer estatuetas em marfim e osso, baixos-relevos em pedra, desenhos de incisão em ossos e pedras, objetos de adorno pessoal, decoração de armas e utensílios.

O homem foi primeiro escultor, depois pintor, dada a maior capacidade de abstração exigida pela pintura. Nesses períodos aparecem figuras femininas talhadas em marfim, osso e pedra, apresentando formas volumosas, que estaria ligadas à símbolos ou ritos de fecundação.

Vênus de Laussel / França

Entre as esculturas mais conhecidas destacam-se as famosas Vênus de Lespugue, de Brassempouy, encontradas na França, de Villendorf (Áustria) e do baixo-relevo de Laussel (França), em que uma mulher ergue a mão num gesto ritual, uma espécie de chifre.

No final deste período aparece a representação de animais tornando-se rara de figuras humanas. Nas cavernas de La Madeleine e Montespan foram descobertos frisos esculturados na pedra, figuras isoladas em osso e argila, cavalos, bisões, ursos e bois selvagens, surpreendentes pela técnica e realismo.

A primeira e mais sensacional descoberta de pinturas pré-históricas foi feita por acaso em 1880 na caverna de Altamira, Espanha, por um fidalgo espanhol. Segundo os historiadores de arte, a caverna de Altamira representa 'a capela sistina da pré-história', tamanha é a riqueza e a variedade de pinturas ali encontradas. Ali ficaram desenhados coloridos bisões, cavalos e outros animais, em repouso e movimento.

Em 1940 foram descobertas as cavernas de Montinac-Lascaux, na França. São de igual importância as primeiras citadas, apresentando um boi medindo cinco metros de comprimento. O homem aplicava a tinta com as mãos, espátulas, bastonetes ou pincéis rudimentares, quando não aplicava a técnica de pistolar (enchia a boca de tinta e soprava por um canudo de madeira ou osso).

Numerosas silhuetas com mãos espalmadas, encontradas nas cavernas, foram feitas com esse processo. As tintas eram conseguidas com materiais minerais, argilas coloridas, gordura animal e vegetal, sangue do animal e excrementos de aves. A cor negra era obtida queimando osso e madeira.

O pintor do Paleolítico era figurativo, reproduzia a imagem na sua verdade visual, não deformando, nem estilizando. Nas representações de animais, observava a lei da frontalidade, na qual os mesmos são vistos de perfil, e procurava desenhar de memória.

Montes Akakus / Líbia

O homem Paleolítico representava a caça ferida por flechas, fechada em cercados ou presa em armadilhas. Representava os animais que eram necessários à sua existência.

No período Neolítico o homem deixa de ser nômade e torna-se sedentário. Inicia a agricultura, a criação de animais e constrói as primeiras aldeias, organiza suas relações sociais e muda sua consciência em relação à realidade. Começa a trabalhar esculturas em metais, adornos corporais, trabalha a pedra.

Nesse período aparecem as primeiras concepções de vida e de morte. Surge a escrita, e com ela o homem passa a deixar registros organizados, entrando então no período que chamamos de 'História Antiga'.

Fontes:
História da Arte / Kenia Pozenato e M.Gauer - Mercado Aberto 2ªed.
História da Arte Duílio Battistoni F - Papirus editora 17ª ed.
Carlos Cavalcanti - Como entender a pintura moderna / Civilização Brasileira

PABLO PICASSO / Parte I

2011-03-19T13:43:00.023-03:00

Dora Maar / 1937

- Tais Luso de Carvalho

Picasso nasceu em Málaga, cidade de Andaluzia, sul da Espanha, em 25 de outubro de 1881. Mais tarde preferiu usar o sobrenome da mãe: Picasso – e não o do pai, Ruiz.

Picasso se parecia com a mãe, Maria Picasso Lopez, uma pequena andaluza, de olhos e cabelos negros. Seu pai, um homem alto e ruivo foi quem encorajou Picasso a pintar desde cedo. Era professor de desenho numa escola de arte local e completava o salário modesto com outros empregos, como curador do museu da cidade e restaurador. Ele tinha duas irmãs mais novas, Lola e Concepción – esta morreu de difteria aos oito anos.

Quando Picasso estava com 10 anos o museu fechou; seu pai josé, conseguiu o cargo de professor na Escola de Belas-Artes no porto atlântico de la Coruña. Mudou-se com toda a família. Pouco depois José reconheceria o talento do filho para a arte e decidira desistir ele próprio da pintura para dedicar-se a desenvolver a carreira artística de Pablo.

O JOVEM PICASSO

Picasso foi à Paris em outubro de 1900, com seu amigo Carlos Casagemas. Foram morar em Montmartre no estúdio do artista espanhol Isidro Nonell, que decidira retornar à Espanha. Lá, permaneceu apenas o tempo suficiente para encontrar um marchand que se oferecesse para vender seu trabalho. Após, voltou à Espanha para passar o natal com a família.

Garota com pés descalços / 1895

Picasso pintou essa obra aos 14 anos. A modelo é desconhecida, mas claramente uma garota de seu tempo. Uma pintura surpreendente para alguém de sua idade, uma das preferidas de Picaso. Pode ser que lhe recordasse sua irmã, Concepción, que morreu naquele ano.

A ARTE NA ÉPOCA DE PICASSO

Em sua primeira visita à Paris em 1900, Picasso penetrou numa cidade povoada de artistas à procura de novas e diferentes concepções para a pintura. O impressionismo já era bem conhecido, e um de seus expoentes, Claude Monet, já tinha prestígio internacional. Grupos dissidentes, como os pontilhistas - uma forma de pintura em que pequenos pontos de cores primárias são usados para gerar as cores secundárias - competiam com os impressionistas.

Edgar Degas e Auguste Renoir seguiam caminhos próprios. Solitários como Paul Gauguin e Vincent van Gogh haviam desenvolvido estilos bastante individuais.

Picasso fez experiências a partir de todas estas novas experiências, mas rapidamente fixou um padrão próprio de pintura que logo conquistaria seguidores conhecidos.

Por volta de 1905 um novo estilo chamado 'fauvismo' desenvolveu-se, liderado por Henri Matisse – o principal objetivo do fauvismo era usar a cor como meio de expressão. Matisse e Cézanne influenciaram enormemente o curso da pintura no começo do séc. XX, mas nenhum contribuiu tanto quanto Picasso, que sempre manteve sua individualidade, mesmo trabalhando paralelamente a movimentos como o cubismo, o surrealismo, o expressionismo, o futurismo e muitos outros 'ismos'.

SUAS MULHERES...

Parecia impossível a Picasso ser fiel a uma mulher. Depois que Fernande o abandonou, em 1911, ele começou a cortejar uma amiga dela, Marcelle Humbert o qual chamava de Eva, querendo dizer que era seu primeiro grande amor. Foi nessa época que começou a aparecer em seus quadros as palavras Ma Jolie (minha bela) apareciam em quase todos seus quadros. Porém Eva morreu, tragicamente de uma doença em 1915.

Marcelle Humbert

Em 1918 que ele casou-se com Olga Khoklova, filha de um general russo e uma das dançarinas do famoso balé russo. Nasceu Paulo em 1921. Por algum tempo, Picasso foi um pai dedicado e sempre se deliciava em fazer esboços e pinturas do filho. Porém a estabilidade não durou muito, em poucos anos estavam separados.

Retrato de Olga / 1917

Mesmo não obtendo o divórcio de Olga, Picasso conhece - em 1927, nas ruas de Paris - Marie-Thérèse Walter, uma garota de dezessete anos. Nasce a filha Maya. Em 1936 a Guerra Civil eclodiu na Espanha. O retrato da filha de três anos parece quase sinistro. É como se o trabalho de Picasso fosse assombrado pelos horrores da guerra, tivesse se tornado incapaz de recuperar a inocência da infância.

Marie Thérèse Walter / 1939

Desde o rompimento com Olga, Picasso viveu sozinho, passando apenas os finais de semana com Marie-Thérèse e pequenos períodos com Dora Maar. Com Françoise Gilot o pintor sentiu-se diferente; conheceu-a na Paris ocupada pelos nazistas em 1943. Quando a guerra terminou, Picasso aos 64 anos e Françoise 40 anos mais nova, eram amantes. Foram morar juntos em Antibes, onde em 1947 Françoise teve um filho chamado Claude. Pouco tempo depois tiveram uma filha a quem deram o nome de Paloma.

Françoise Gilot com Paloma e Claude / 1954

Jaqueline Roque tornou-se a segunda esposa de Picasso. A morte de Olga, em 1955, deu a Picasso a liberdade de casar-se. A casa onde moraram, em Cannes, era ampla, com imensos ambientes e vista para a baia de Cannes, tornou-se um enorme estúdio onde Picasso prosseguia com sua imensa produção de pinturas e de esculturas. Jaqueline tornou-se os temas de suas pinturas assim como de todas as mulheres de sua vida. Ele a pintou obsessivamente, reduzindo a forma a contornos e cores, linhas e texturas. A vida em La Californie era agitada e diversificada. Interessado em política, Picasso atiçou o debate quando os tanques soviéticos invadiram a Hungria.

Jacqueline Roque / 1954

Jaqueline tornou-se secretária, agente, enfermeira e protetora do pintor. Era obcecada pelo marido, afastando-o um pouco dos amigos e da família. Foi a mulher, a musa mais pintada por Picasso. Embora o artista tenha deixado uma fortuna ao morrer, isso não a poupou de suicidar-se em 1986 com um tiro na cabeça. Deixou dito que a vida não tinha sentido sem ele.

Aguardem Parte II.

fontes:

título original- Picasso Breaking the Rules of Art

trad. Luiz Antonio Aguiar / Marisa Sobral

Cia Melhoramentos de São Paulo

PAUL CÉZANNE

2011-03-06T21:27:00.006-03:00

Os jogadores de carta

Tais Luso de Carvalho

Cézanne, filho ilegítimo de um rico banqueiro, nasceu na França em 1839. Quis ser artista desde a infância, porém seu pai desaprovava. O medo da insegurança - por ser adotado - e o medo de seu autoritário pai, o perseguiram por toda a vida. Mas aos 22 anos conseguiu ir para Paris estudar arte e conviver com artistas.

Era um jovem com grandes momentos de depressão e seus sentimentos de baixa-estima o levaram a destruir muitas de suas obras. Era desesperado por ser aceito na elite artística de Paris. Assim voltou mais tarde para sua cidade Aix-en-Provence. Mas em 1862 retornou à Paris para viver como artista.

Ao lado de seu grande amigo Émile Zola tornou-se ativamente político e revolucionário. Dizia que o artista é um mero gravador de percepções sensoriais e que poderia revolucionar a pintura apenas com uma maçã... De fato, suas naturezas mortas são grandiosas pela espontaneidade dos tons. Com o tempo sua pintura tornou-se simplificada ao ponto de ser reduzida a limites quase geométricos, quase cubistas, conseguindo efeitos de perspetiva apenas pelo uso da cor.

O próprio Cézane definia seu estilo como arquitetônico; ele dava ao corpo uma abstração natural, não queria nada além de superfícies e volumes pictóricos, segundo o russo Malevitch sobre seu quadro Os Banhistas, enchia a tela com volumes e cor, superando o traço.

Cézane levou tempo para ser aceito e reconhecido no mundo das artes, e quase nada vendeu em vida. Quando suas obras foram rejeitadas pelo Salão de Paris, Cézanne foi consumido por uma intensa depressão, mas desta vez perseverando.

Em 1863, numa exibição alternativa – Salón des Refusés, Cézane expôs ao lado de outros artistas, também rejeitados, como Édouard Monet, Camille Pissarro e Henri Fantin-Latour. Vinte anos mais tarde, a primeira de suas obras foi aceita pelo Salão de Paris.

Suas primeiras obras eram tristes, sombrias e melancólicas, porém seu estilo mudou na década de 1870, quando se apaixonou por Hortense Fiquet – 19 anos, e com ela teve um filho. Também ligou-se aos impressionistas. Mas sempre pensava em algo mais sólido e durável.

Em 1874, embora não se considerasse um impressionista, apresentou suas obras com o grupo. Foi influenciado pela arte flamenca, pintando naturezas mortas com as cores usadas pelos artistas flamencos.

Em 1886 ficou muito magoado com seu amigo Émile Zolá (amigos desde o collêge Borbon – 1852) pela semelhança do personagem do seu romance L'Oeuvre, contando a história de um artista fracassado... Nesse mesmo ano casa-se com Hortense da qual nasce seu filho.

Ao saber de sua família, seu pai reduz muito a ajuda financeira; porém é ajudado pelo amigo e escritor Émile Zolá o qual mais tarde vendo o luxo em que Zolá vivia, Cézanne fica desconcertado e afasta-se do amigo. Seu pai morre pouco depois deixando-lhe uma fortuna considerável. Mais tarde volta a morar em Aix enquanto sua família fica em Paris.

Sucedem, após, várias exposições o qual vende seus quadros alcançando preços muito bons. Em 15 de outubro, diabético, adquire pneumonia vindo a falecer.

Segundo Pablo Picasso: Meu primeiro e único mestre, Cézane foi um pai para todos nós.

Foi ousado no uso da cor, perspectiva inovadora, preocupava-se com formas geométricas e fazia um perfeito intercâmbio entre luz e sombra.

Os Banhistas

Natureza morta

ESCRITOR ERNESTO SABATO E SUAS PINTURAS

2011-02-13T23:02:00.016-02:00

Alquimista

- Tais Luso de Carvalho

Mostro aqui, no Das Artes, Ernesto Sabato, conhecido escritor argentino. Mas não falarei do escritor e sim postarei algumas de suas pinturas. Apenas umas pinceladas biográficas, mas trago Sabato como artista plástico.

Nasceu em 1911, em Rojas, Argentina. Tornou-se doutor em física em 1937. Foi pesquisador de laboratório de Curie, em Paris, mas uma visão premonitória e apocalíptica da bomba atômica levou-o a abandonar a ciência e dedicar-se à literatura. Em 1983 foi eleito presidente da Comissão Nacional de Desaparecidos Políticos, cujo trabalho originou o relatório Nunca más, conhecido como o Informe Sabato.

'O homem de hoje vive em alta tensão, diante do perigo da aniquilação e da morte, da tortura e da solidão. É um homem de situações extremas, chegou aos limites últimos de sua existência ou está diante deles. A literatura que o descreve e o interroga só pode ser, portanto, uma literatura de situações excepcionais'.

'Durante esse tempo de antagonismos, pela manhã me sepultava entre eletrômetros e provetas e anoitecia nos bares, com os delirantes surrealistas'. (Paris)

Bem, mas segundo seu depoimento, sua primeira grande paixão, desde criança, foi a pintura, quando ainda não lia e nem escrevia.

Passou para a tela seus pesadelos, suas alucinações e contradições de sua tumultuada existência, quando se envolveu, também, com a política.

Segundo uma entrevista, dada por seu filho Mário Sabato, 'seu pai é a essência de um homem austero, que tem como seus maiores valores a justiça, a amizade, a liberdade e compaixão. Era obcecado pela ordem e econômico nos afetos. Proporcionava as tempestades e sua mãe os amanheceres'.

Às vésperas de completar cem anos, Ernesto Sabato mantém uma rotina simples, em encontros com os parentes próximos - especialmente os três bisnetos, ao lado de livros de pintura e sob os cuidados de uma enfermeira.

As pinceladas fortes, de marcada inspiração expressionista, revelam outra obsessão do autor: o interesse pelo retrato e, a partir dele, o fascínio pela representação dos olhos, não raro transfigurados em expressões de angústia e pavor.

'Sim, são bastante horríveis - diz Sabato - não os colocaria na sala de jantar, obviamente'.

'O homem não é um objeto passivo e, portanto, não pode se limitar a refletir o mundo; é um ser dialético (como seus sonhos o provam), longe de refleti-lo, resiste a ele e o contradiz. E esse atributo geral do homem se dá com mais histérica intensidade no artista, indivíduo geralmente anárquico e anti-social, sonhador e inadaptado'.

É fatal que, de algum modo a arte esteja relacionada com a sociedade, já que a arte é feita pelo homem – mesmo que seja um ingênuo – não está isolado: vive, pensa e sente de acordo com sua circunstância.

FALANDO DOS MOVIMENTOS...

Além das influências provenientes dos grupos verticais, além dos fatores de temperamento que são próprios de cada indivíduo e que podem ocorrer em qualquer classe social, há ainda na arte uma força intrínseca que tem pouco a ver com a sociedade: atuam nela o cansaço e o capricho.

Como as modas, no vestir, muitas de suas renovações ocorrem por esgotamento psíquico, por fastio, pelo simples prazer de ir contra a geração anterior ou contra inimigos poderosos na própria arte, por frivolidade, por rancor, por astúcia, pelo simples gosto da mudança.

No livro O escritor e seus fantasmas - ed. Companhia Das Letras, o escritor fala do que pensa sobre os vários movimentos da arte. Logicamente seria muito extenso transcrever aqui os inúmeros pontos de vista e idéias de um autor da envergadura de Sabato, porém fica a dica para os interessados. Gostei de ter lido, afinal, há de se respeitar Ernesto Sabato.

'A criação artística assemelha-se, em certos aspectos à contemplação mística, que pode ir também da oração confusa à visões precisas'. (H.Delacroix)

Dostoievski

Por qué gritará?

Nietzsche

auto-retrato

Virginia

INVENÇÃO DO OURO NAS ARTES / SUMÉRIOS

2011-02-07T22:35:00.025-02:00

Vasilha de ouro com lápis-lazúli

- Tais Luso de Carvalho
O ouro, conhecido desde a antiguidade, não tinha nenhuma utilidade prática, mas foi usado ao longo da história como símbolo de prestígio. Sua história de sucesso começa no terceiro milênio a.C, quando os sumérios - primeiro povo a habitar a região da Mesopotâmia -, aperfeiçoaram o tratamento do metal com fins de ostentação de riqueza. Poderia se dizer que a história da ourivesaria e suas técnicas na manipulação do ouro se espalharam através dos sumérios para todas as civilizações antigas.

Em algumas escavações, feitas por arqueólogos, o metal foi encontrado entre dois ladrilhos de terracota, perdido e prensado no chão de uma construção em Larsa, na Mesopotâmia. A princípio foi reconhecido pela sua durabilidade, inalterabilidade, beleza e divisibilidade.

Era um metal facilmente riscável, oferecia poucas vantagens, exceto sua raridade e seu aspecto reluzente. O economista K.Polanyi chamava-o de luxuries, por oposição às necessidades das sociedades não igualitárias, sendo de uso dos ricos e poderosos.

As primeiras peças de joalheria apareceram já na era neolítica. Jóias muito bem elaboradas apareceram nas ruínas de Ur, de Troia e de Micenas. Mas a principal característica do ouro é que ele não servia pra nada. Era inoxidável, não se alterava, mas na prática era menos útil do que o bronze ou o cobre.

Os sumérios fizeram uso notável do ouro; ainda hoje investiga-se a técnica que utilizavam para produzir filigranas e grãos. O ouro fascina porque simboliza o prestígio, o status, a distância, a alteridade. E só tem valor se a sociedade inteira o reconhece como tal.

O ouro só apareceu de maneira significativa nos inventários arqueológicos. Os túmulos de Ur é o indício indiscutível do nascimento e do fascínio por este metal e, assim, a aplicação e seu uso chegou até nós. Porém, logo após o enterro funeral, apareciam os saqueadores de túmulos para roubarem o ouro.

Esse lindo metal passou a circular pelo mundo afora, onde a maior reserva nos nossos dias - além de fazerem parte em obras de arte - encontra-se nos braços, pescoços e tornozelos das mulheres do mundo inteiro.

Hoje é jóia por excelência, o metal que realça a beleza.

Lira / Na tumba do Rei de UR

Adorno de ouro - cabeça / tumba da rainha Puabi

Elmo sumério na tumba de Meskalamdug

fonte / História Viva

DIMAS FLORÊNCIO E SUAS ELEGANTES MULHERES

2011-01-25T18:58:00.008-02:00

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- Tais Luso de Carvalho

Faz tempo que admiro os trabalhos de Dimas Florêncio e agora trago ao Das Artes para dividir com vocês os belos traços deste artista que retrata as mulheres com muita elegância e beleza.

Natural de Ronda Alta/RS veio para Porto Alegre em 1987 dedicando-se à pintura. Autodidata, aos 9 anos de idade manifestou seu interesse pela arte, expressando-a através do desenho e da pintura. Ministra cursos e seminários desde 1990 em seu atelier em Porto Alegre, Rio Grande do Sul.

Artista premiado e com exposições no Brasil, Uruguai, Itália, França, Suíça, Portugal, Argentina e México, onde em alguns destes países também ministra aulas.

A leveza de suas obras, as cores luminosas, suas mulheres com belos traços e sua alegria em lecionar em vários países, fazem de Dimas um vitorioso, um autodidata realizado.

Passeia pelo figurativo com desenvoltura e atento aos detalhes. Nada mais pretende a não ser evoluir dentro de sua arte e passar sua arte aos que o procuram. É um artista bem sucedido.

Diria que a arte de Dimas não precisa ser entendida, apenas amada; é ótimo poder imaginar e sentir o que sai de seu coração para levar vida a uma tela branca e fria. Estão aí os resultados

Dimas Florêncio

CLAUDE MONET

2010-12-30T21:48:00.009-02:00

Terrace at Saint-Adresse / 1866 (clique na obra)

- Tais Luso de Carvalho

Existem duas razões para considerar Monet como o mais 'impressionista dos impressionistas': o seu eterno gosto pelos espaços abertos, parques, jardins, o campo inundado de sol e a precisão com que conduziu os seus estudos de pintura, numa intenção de reproduzir as vibrações de luz e da cor variável das coisas.

As telas dedicadas à Catedral de Rouen são o testemunho mais significativo desta perseverança. A sua coerência deu-lhe um papel relevante no seio do grupo dos impressionistas. Entre 1892 e 1894 pintou cinquenta quadros diferentes da Catedral de Rouen, vista sob todas as condições possíveis: com sol, ou chuva, ao nascer e ao pôr do sol, no verão e no inverno.

Monet não estava preocupado em mostrar a estrutura da Catedral, mas em observar como a estrutura parecia modificar perante os seus olhos à medida que a luz também mudava.

O ciclo de Ruão constitui uma das obras-primas da pintura impressionista e um dos maiores exemplos do tratamento de um único tema numa série.

Monet pôs em prática o conceito de sua missão como pintor: como não existe uma só realidade, o pintor não deve fixar essa realidade, mas ser capaz de captá-la na sua mudança constante.

Disse uma vez ' esqueçam o que têm perante os olhos, uma árvore, uma casa, um campo e pensem simplesmente: aqui está um pequeno quadrado azul, e ali um retângulo cor-de-rosa, acolá uma franja amarela, e pintem o que vos parece'.

Dois montes de feno, muito comuns na paisagem campestre, foram colocados no meio de uma tela - como pretexto -, o que contava era reproduzir os efeitos da luz. Monet usava uma série de pinceladas densas, muito coloridas; azul, branco, vários tons de vermelho e violeta.

As cenas marítimas marcaram sua vida, assim que ao chegar em Paris preferiu pintar o Sena do que as estátuas do Louvre. Imprimiu na dureza das telas, a vida. Foi com o impressionismo, com Monet, principalmente, que que a pintura deixou a escuridão abafada dos estúdios para respirar ao ar livre. O próprio nome 'impressionismo' nasceu de um quadro de Monet: 'Impressões do Sol Nascente'.

Nascido em Paris em 1840, Claude Monet viveu no Havre de 1845 a 1858. Em 1859 regressou à capital onde frequentou a Academia Suiça. Pintava ao ar livre com Bazille, Renoir e Sisley. Conheceu Manet e participou da vida cultural de Paris. Em 1890 comprou a sua casa de Giverny e ali viveu até a sua morte – 1926 – continuando a pintar apesar de seus graves problemas de visão.

Luzes, movimentos, festas sem fim, alegria, felicidade, cores infinitas, poesia, sonhos: eis a pintura de Monet!

The Studio Boat / 1874 (clique na obra)

Regatta at Argenteuil (clique na obra)

Parlamento de Londres sob a bruma /1904

Estudo Catedral de Rouen / clique
O Impressionismo / clique

CÂNDIDO PORTINARI: DIAS DE TRISTEZA...

2010-12-01T17:59:00.013-02:00

Criança Morta

- Tais Luso de Carvalho
Os últimos anos de Portinari foram tristes: os críticos o atacavam e os artistas novos, para os quais ele abrira o caminho, julgavam-no superado. Sofria com as críticas, porém continuava a pintar no seu estilo, não poderia se transformar num pintor abstrato, contrariar sua natureza. Dizia ele que o valor da pintura não estava em pertencer esta ou aquela corrente, que os ignorantes confundiam arte com futebol.

Em sua tristeza, Portinari escrevia poemas: pintava de dia e escrevia de noite. Gostava de pintar e dizia que não pretendia descobrir a pólvora, que nenhuma posição o preocupava, gastava seu tempo procurando cores que se ajustassem e com isso não sobrava tempo para outras divagações.

Em 1960 nasceu sua netinha Denise - filha de João Cândido -, o que veio a diminuir muito de sua tristeza e solidão. Porém, ainda passava muitas horas de seus dias fitando o mar, sozinho, pensando em seus poemas, pensando na morte... 'Como é difícil morrer...'

No ano de 1961 viajou pela última vez à Europa, e quando voltou ao Brasil perdera a vontade de viver. Em 1962, intoxicado pela segunda vez pelo chumbo das tintas que já o atacara em 1952, não se recuperou. Faleceu às 11:40 da noite em companhia de sua mulher Maria (retrato), suas irmãs e seu médico. Seu corpo foi para o Ministério da Educação, para o edifício ao qual ele dera seu talento e esforço, o lugar onde começara sua glória. Dali saiu em carro de Bombeiro para o cemitério. Lá, foram tocados a Marcha Fúnebre e o Hino Nacional o qual milhares de pessoas ouviram sobre forte emoção.

'O homem mais triste do mundo é aquele que não tem nenhuma reserva de poesia. É o homem que cresceu demais. A criança tem as reações do poeta; quando cresce, ou a poesia se concretiza e nasce um artista, ou fica latente. O artista é o homem que nunca deixou de ser infantil.'

‘Todo artista que medite sobre os acontecimentos que pertubam o mundo chegará à conclusão de que fazendo um quadro mais ‘legível’ sua arte, ao invés de perder, ganhará. E ganhará muito, porque receberá o estímulo do povo’. (1947 em Buenos Aires)

Mais de Cândido Portinari: aqui, neste blog.
Todas as obras de Portinari: aqui

- fonte: a vida dos grandes brasileiros

EDGAR DEGAS

2010-11-18T21:13:00.007-02:00

As Bailarinas / clique para aumentar

Tais Luso de Carvalho

Nascido de uma família rica, Edgar Degas nasceu em Paris, em 19 de julho de 1834. Considerado um dos maiores artistas do mundo, sua obra é vista como a ligação entre a arte clássica e a moderna. Dominou a escultura, o desenho, a pintura e a fotografia – adotando esta última a partir de 1895.

No ano de 1855 conheceu Ingres, por quem tinha grande admiração, como também por Gauguin, mais tarde. Quando Degas retornou à Paris, de suas viagens por Roma, Florença e Nápoles conheceu Manet, de quem viria a sofrer uma irreversível influência que modificaria sua pintura. Uma dessas influências diz respeito à técnica de Manet ao explorar a luz em sua obra. Tornou-se um membro regular das tertúlias do Café Guerbois e expôs no Salon. Foi um dos artistas mais inspirados pela técnica da fotografia.

Durante a Guerra franco-prussiana alistou-se na Guarda Nacional e, no seu regresso renovou os seus contatos com os impressionistas participando da maioria das exposições efetuada pelo grupo.

Na segunda metade do século XIX o teatro era a principal fonte de entretenimento dos parisienses, porém os ensaios, o que acontecia nos bastidores não eram tão alegres como se via no palco. Degas desenhava o que via, memorizava os velhos mestres e espectadores entediados e acabava a pintura no estúdio, nascendo ‘O Ensaio de Ballet no Palco’.

‘O que faço é o resultado da reflexão e do estudo... Nada sei acerca de inspiração, espontaneidade ou sentimento’.

Por oposição a todos os impressionistas, trabalhava apenas no estúdio, na maioria das vezes através da memória. Não se mostrava muito interessado pela natureza, mas deu muita importância ao desenho. O que o aproximava de outros artistas era o seu interesse pela vida contemporânea e o fato de possuir o grande talento para a experimentação.

Seus quadros sofreram a influência da fotografia, o tom acidental do inesperado, a ousadia do enquadramento. Explorou todos os aspectos ao seu alcance, a velocidade de cavalos, bailarinas e bares. Era o pintor das obras em movimento. Inventou novas técnicas de pintura. Eram momentos captados, tal como num fotograma de um filme.

Degas se definia mais como um "realista"; na oitava exposição dos impressionistas, realizada em 1886, ele pretendeu que a mesma fosse apresentada como uma "exposição de um grupo de artistas independentes, realistas e impressionistas".

Nos últimos anos de sua vida, solitário e quase cego dedicou-se à escultura. Veio a falecer em setembro de 1917, amargurado e esquecido pelos que já não o viam como um grande pintor, pois terminara cego. Viveu 83 anos sem ser reconhecido em vida, porém deixou uma obra fantástica.

Família Bellelli, 1860 - clic para aumentar

Cavalos de Corrida / clique para aumentar

O Absinto / clique aumentar

Duas formas da degradação humana: um boêmio e uma prostituta destruídos pelo álcool.

VITRAL / UM POUCO DA HISTÓRIA

2010-11-04T20:12:00.019-02:00

Catedral de Chartres (clique para aumentar)

Ocupando o espaço que corresponde a uma janela o vitral tem a função tanto decorativa quanto de iluminação. Confeccionado com pedaços de vidros coloridos e transparentes, eram unidos entre si, à princípio, por meio de nervuras metálicas. Era empregado nas catedrais e construções góticas.

Embora pareçam tão antigos quanto os vidros, na realidade os vitrais só foram difundidos a partir do século X, na França.

Vinculado, ainda à arquitetura, a técnica de produção de vitrais teve seu apogeu no séc. XIII e foi caindo em desuso no séc. IV, para se aproximar da pintura. Entrou em franca decadência no séc. XVI. Dessa maneira acabou por perder em grande parte a importância que tivera na arte medieval.

Não restou nenhum vitral do séc. X: o da catedral de Reims / França, foi inteiramente destruído e o da catedral de Magdebourg, construída no ano 1000 foi bombardeado durante a Segunda Guerra Mundial.

Do séc. XI sobreviveu alguns exemplares como o da catedral de Augsburgo / Alemanha e de Le Mans / França. Este último reúne quatro painéis sobre a Ascensão de Cristo, de composição não inteiramente gótica, mas um pouco românica. Em muitos desses vitrais a importância da luz e da cor é maior do que a do desenho.

Já no séc. XIII, o potássio – que formava bolhas nos vidros e favorecia sua decomposição pela refração da luz – foi substituído pela soda, na composição dos vidros, e as nervuras passaram a ser montadas com barras de ferro cobertas de chumbo. Essas mudanças explicam a evolução do vitralismo e a excepcional qualidade das obras produzidas nessa época.

O vitral de maior importância produzido na idade Média é o da catedral de Chartres, seguido pelo de Bouges, ambos executados pelos mesmos ateliers de vitralistas em princípio do séc. XIII.

Nessa época floresceu ateliers em toda a França, com estilos não muito diferentes, mas variando nas cores. Desenvolveram-se, também, ateliers na Alemanha e Inglaterra.

Com quase totalidade, os vitrais até aqui sofreram influência bíblica, porém no séc. XV começaram a apresentar figuras mais naturalistas, com animais, objetos e flores. As nervuras passaram a ser esmaltadas, os desenhos mais delicados como na igreja de Montmorency.

No séc. XIX ocorreu uma tentativa de retomada do vitralismo, através do estilo gótico. Eugènne E.Villet-le-Duc restaurou em 1848 a Saint-Chapelle para o que foi necessário repesquisar as técnicas dos séculos XII e XIII que se haviam perdido. A composição de vitrais no séc. XX aparece ligada às pesquisas de pintura como as experiências de luz e cor do abstracionismo.

Servindo de acessório à arquitetura os vitrais foram utilizados na capela de Notre Dame Du Hant, construída entre 1950 e 1955 por Le Corbusier, em Ronchamp. Dentre os vritralistas contemporâneos destacam-se o alemão Karl S. Rotluff e o inglês Hogan – criadores da igreja São Tomás, em Nova York.

Saint Chapelle - clique para aumentar

Gaudi

Catedral de Colônia - clique para aumentar

Santes Creus / Clique para aumentar

Clique

PEDRO WEINGÄRTNER - 1853/1929

2010-10-05T18:17:00.008-03:00

As bailarinas - 1896 / clique para aumentar

Pintor, Gravador e Litógrafo, Weingärtner é visto como um artista entre o Velho e o Novo Mundo. Nasceu em Porto Alegre - Brasil, em 1853. Suas obras são cenas eternizadas por um artista detalhista, minucioso e com refinado domínio da técnica em pinturas naturalistas. São obras que relatam o cotidiano da população e paisagens do Rio Grande do Sul e de cidades onde viveu, como na Itália, Alemanha, Portugal e França. Nestes seus trabalhos retratou a juventude romana e cenas campestres européias.

Da Europa vinha ao Brasil para vender seus quadros em São Paulo e no Rio de Janeiro – mercados garantidos -, e aproveitava para visitar sua terra, Rio Grande do Sul, de onde levava alguns croquis de temas que lhe interessavam para pintá-los.

O interesse por temas regionais, tratados pela ótica romântica, contudo, não encontrou o desenvolvimento que se poderia esperar nas novas gerações de artistas locais. A morte de Pedro Weingärtner, ocorrida aos setenta e seis anos de idade, depois de uma vida inteiramente dedicada ao trabalho artístico, parece ter sepultado definitivamente, no Rio Grande do Sul, o interesse pelo vocabulário clássico e pela retórica do romantismo, que já não despertavam a atenção dos artistas que disputavam espaço no incipiente mercado local. As gerações que se seguiram, mesmo sem ousar romper violentamente com as práticas tradicionais de representação, voltaram-se para um naturalismo menos ingênuo, cônscios da impossibilidade da pintura em competir, em termos de verossimilhança, com o recurso da fotografia, essa irrefreável invenção da modernidade. (MARGS)

Festa Alemã - clique

Suas obras podem ser vistas no Museu de Belas Artes, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte de São Paulo, e no Museu de Arte do Estado do Rio Grande do Sul entre outras Instituições.

Somente em 1878 é que Weingärtner viajou para a Alemanha, academia de Kunstgeweberschule – Hamburgo. Porém não permaneceu ali, dirigiu-se para Grossherrzöglisch Badische Kunstschule, em Baden. Após, seguiu para a Real Academia de Belas Artes, seguindo seu mestre Hildebrand – da academia de Baden.

Interior da padaria - clique

Já em 1882, partiu da Alemanha para Paris onde estudou na Academia Julian, juntamente com outros artistas que permaneciam fiéis à tradição clássica. Isso em pleno surgimento do impressionismo. Foi em Paris que sua obra adquiriu maior liberdade.

Em 1885 que Weingärtner realizou uma excursão a Munique e Tirol, onde adquiriu pouca influência do impressionismo, mas que não vingou, por querer seguir sua índole classcista.

No ano de 1892 o pintor de volta a sua terra natal, trabalhou, expôs e deu aulas. Seu maior interesse eram por temas do Rio grande do Sul. Em várias cidades brasileiras era recebido com muito intusiasmo.

Entre idas e vindas Europa - Brasil, o artista se instalou definitivamente em Porto Alegre dando continuidade ao seu trabalho, pintando personagens da campanha. Em 1925, após realizar mostras no Rio e São Paulo, fez sua última exposição em Porto Alegre, muito bem recebida, porém encontrou, também, algumas críticas desfavoráveis ao seu trabalho, não pela técnica em si, mas pelo gosto.

Em 1927 Weingärtner sofreu um derrame que, após muito sofrimento veio a falecer após o Natal de 1929.

Ceifa - clique

FOLHEAÇÃO A OURO EM PEÇAS DECORATIVAS

2010-09-25T18:33:00.025-03:00

clique para aumentar a foto

Como recebi vários e-mails - devido a postagens dos santos barrocos - pedindo uma técnica simples e fácil com folhas de ouro, aí está uma técnica básica para cobrir parte ou salientar detalhes de uma peça.

Está aí, uma amostra de folheação numa peça que cobri com a técnica de grafite – um pó que se usa para fechaduras e engrenagens. E coloquei o ouro apenas como detalhe. E essa técnica é a mesma que se aplica em vestes de santos, sobre a tinta a óleo - clique aqui para ver.

Goma laca incolor
Purpurina cor ouro velho para retoques mínimos.

Verniz mordente

Folhas de ouro
Solvente

Álcool
Pincel largo e macio
Betume da judéia

1 - Prepare o betume dissolvido em pouco solvente e passe em partes pequenas da peça. Antes que seque vá passando o pó grafite em movimentos circulares com o dedo em cima onde aplicou o betume. Você verá que o grafite vai abrindo o brilho na medida em que você aplica.

2 – Faça isto em toda a peça. Deixe secar.

3 – A seguir, dê uma passada de verniz mordente, só nas regiões que você quer o ouro. Aguarde o ponto de grude, e comece a folheação, usando um pincel macio para alisar.

4 – Após ver que tudo está seco, remova o excesso do ouro com um pincel limpo, seco e macio.

5 – Passe uma vez, em cima do ouro, goma laca incolor para impermeabilizar, para que o ouro fique com a cor original que você fez. Este é o segredo para que a peça não escureça com o betume que virá após. Não deixe o betume muito pastoso, dilua com solvente. O ouro mais claro ficará melhor. Passe e retire suavemente.

Para cada material, seja em madeira, gesso ou resina as variações são muito pequenas.

Há outros tipos de folheações: com oxidação, em peças policromadas, em découpage e outras. Mas esta é a básica. E a mais fácil.

Caso queira folhar toda a peça, o esquema é outro: cubra a peça toda com purpurina cor ouro velho dissolvida na goma laca – esta, compra-se pronta.

Depois entre com o verniz mordente, espere o ponto de grude, coloque as folhas e impermeabilize com uma de mão de goma laca incolor. Passe o betume e retire um pouco, suavemente. Qualquer falha, a pintura que estará por baixo garantirá a uniformidade. Ou se quiser um efeito desgastado, deixe com falhas (foto).

Este tipo de folheação pode ser aplicado em detalhes de móveis, peças em madeira, molduras, gessos, beiradas de vasos de cerâmica, resinas, e outros materiais que aceitam bem.

E existem folhas de ouro que já são desenhadas. Dão um efeito bonito sobre mantos de santos.

UM POUCO DE MONA LISA

2010-08-28T12:02:00.013-03:00

Mona Lisa começou a nascer para o mundo das artes em março de 1503 quando Leonardo Da Vinci deu suas primeiras pinceladas, em óleo sobre uma madeira de álamo, de 77 x 53 cm.

Nesta data começou a nascer a imagem com um rosto oval, testa larga e alta, recostada num balcão e tendo ao fundo uma paisagem rochosa com montanhas, morros, vales e um lago. Foi concluída 3 anos depois, em 1506.

Mona significa ‘minha senhora’. Segundo os historiadores de arte, esta pintura tornou-se a obra mais conhecida de todos os tempos, com seu meio sorriso e com os cantos da boca e dos olhos cuidadosamente embaçados, o qual não se sabe até hoje que tipo de sorriso é este, se Mona Lisa está triste ou feliz.

O quadro foi levado da Itália para a França pelo próprio Leonardo, por volta de 1516, onde ficou exposta no castelo de Fontainebleau até o reinado de Luiz 14, o Rei Sol. Só após a Revolução Francesa, iniciada em 1789, a pintura passaria a integrar a coleção do Museu do Louvre, antes passando por alguns percalços. Saiu do Museu para ornar as paredes do aposento de Napoleão Bonaparte que se apaixonou pela pintura.

A versão mais aceita nos círculos artísticos é de que Mona Lisa chamava-se Lisa Gherardini, nascida em Florença em 15 de junho de 1479, oriunda de uma família de baixa nobreza da Itália. Casou-se aos 16 anos com o comerciante Francesco Del Giocondo que teria encomendado o quadro de sua mulher para comemorar a sua prosperidade econômica e os 3 filhos que Lisa lhe havia dado. Portanto Lisa teria sido retratada aos 24 anos.

Outra hipótese é que o retrato, na verdade, seria de uma das mulheres mais ilustres do Renascimento, a rica e poderosa Isabele d’Este, Marquesa de Mântua, que, fascinada pelo talento de Leonardo, teria pedido que a retratasse. De fato, o artista em 1500 fez um retrato da marquesa que hoje se encontra no Louvre. Mas esta hipótese defendida por dois especialistas não obteve unanimidade.

No final do século 19, houve quem defendesse que a verdadeira Mona Lisa seria a Duquesa de Francavilla, Constanza. Esta hipótese foi popular na Itália na primeira metade do século 20, apoiada também por especialistas em arte. Porém esta hipótese foi derrubada por um argumento implacável: Constança já estava na casa dos 40 anos, portanto com bem mais idade do que Lisa.

E outras hipóteses também foram apresentadas, porém até agora Lisa é a dona do sorriso que encanta o mundo.
Gioconda é a popularização máxima, em escala mundial, de uma obra de arte. O retrato mais comentado de todos os tempos tem muitas características peculiares. A pose é incomum; a expressão indecifrável, e o sorriso enigmático.

A TÉCNICA

O quadro foi pintado sobre madeira de álamo, comum nas obras renascentistas, e com tinta a óleo. Foram aplicadas várias camadas de tinta, de escuro para o claro, feitas com pincéis extremamente finos, que deixavam que a camada anterior transparecesse, completando com um jogo de luz e sombra dando a ilusão ótica de relevo.

Foi aplicada, também, a técnica de ‘sfumato’ no canto dos olhos e da boca, criando uma imagem que até hoje não sabemos se está triste ou feliz.

O olhar de Mona Lisa é uma inovação: ela fita diretamente o observador, o que é uma mudança drástica na tradição da pintura renascentista, pois as mulheres eram quase sempre representadas de uma forma submissa. Suas mãos expostas são outra característica da inovação desta obra, uma vez que na época o retrato tradicional era da cintura para cima, e quando eram retratadas as mãos, tinham uma função clara de segurar um objeto identificado.

A imagem de Lisa aparece acima dos picos das montanhas, pintadas ao fundo, o que torna a obra mais imponente, de uma grandiosidade magnífica.

Tive a felicidade de visitar o Louvre e ver esta obra de Da Vinci.

GUSTAVE COURBET

2010-07-29T18:08:00.012-03:00

Jean Désiré Gustave Courbet nasceu no ano de 1819 / Ornans, França. Nasceu de uma família de fazendeiros, perto da fronteira com a Suíça. No início sua família lhe deu apoio financeiro.

Sua obra, o ‘Enterro em Ornans’ leva seu afastamento, definitivo, do romantismo, do qual foi participante em sua juventude. Esta obra foi exibida no Salão de 1850 e foi considerada como um marco inaugural do realismo nas artes plásticas, mostrando um evento do cotidiano; levou um funeral para a tela de uma forma objetiva.

O realismo teve muitas adesões de críticos e pensadores, como o escritor Champfleury e o poeta Charles Baudelaire. Este grupo de realistas encontravam-se para beber, defender o realismo na pintura, apoiar o socialismo na política e criticar os românticos e monarquistas, até altas horas da madrugada.

Courbet, estudou, a princípio, em Besançon, só se mudando para Paris em 1839. Mas de origem rural, lutava para não voltar à terra. Rejeitou a pintura acadêmica da École des Beaux-Arts de Paris, preferindo sua independência, assistindo aulas fora do academismo.

Aprendeu muito pelas imitações de pintores naturalistas do séc XVII, como Caravaggio e Velázques. Suas primeiras pinturas são auto-retratos, ainda na tradição romântica.

Não levou muito para retratar com maestria a realidade do cotidiano. Esta sua postura atrapalhou um pouco sua valorização no mundo das artes, ainda cativada pela arte idealizada embora sua obra ‘O homem desesperado’ / 1843, tenha sido bem aceita no Salão de Paris, quando tinha 25 anos.

Suas grandes telas, que expôs no Salão de 1850 são o Enterro em Ornans, Os Camponeses em Flagey e Os Quebradores de Pedras. Neste período firmou-se na escola realista.

A cena do funeral causou grande impacto pela crueza e feiúra deliberadas, mas também elogiada pelo seu grande naturalismo.

Courbet tinha uma personalidade nada convencional e a expressou com grande força em 1855, quando insatisfeito pelo espaço que lhe fora concedido na Exposição Universal de Paris. Organizou, então, sua exposição num pavilhão que a denominou de Lê Réalisme, onde expôs sua obra mais famosa ‘O Estúdio do Pintor’, tela com 6 metros de largura, sintetizando 7 anos de sua vida artística. Muitas de suas obras tinham uma mensagem política velada, atacando Napoleão III. Mas após 1855 sua obra tornou-se menos doutrinária; com cores menos sombrias, temas mais atraentes e suaves, como florestas, paisagens retratos, paisagens marítimas e nus sensuais e graciosos.

Após a deposição de Napoleão III, Courbet tomou parte na Comuna Republicana de Paris, em 1876, sendo nomeado diretor da comissão de artes. Com a queda da Comuna foi preso por ter participado da destruição da Coluna Vendôme. Fugiu para a Suíça por não ter condições de
pagar a multa. Lá permaneceu nos últimos quatro anos de sua vida, pintando paisagens e retratos.

Quando foi requisitado para pintar o interior de uma igreja, pediram-lhe que incluísse anjos na obra solicitada, mas retrucou: ‘ Anjos? Nunca vi anjos, me mostrem um que pintarei’.
Terminou seus dias na miséria, em 1877, numa velha estalagem que comprara em La Tour-de-Peilz, na Suíça.

The wave - 1870

Retrato de Charles Baudelaire - 1849

Atelier do artista

LASAR SEGALL

2010-07-08T15:39:00.010-03:00

Lasar Segall, um dos nomes mais importantes da arte moderna brasileira, nasceu em Vilna, Lituânia – na época dominada pela Rússia, no ano de 1891. Foi influenciado pelo impressionismo, expressionismo e cubismo. Estudou arte na Alemanha, em Berlim e Dresden. Em sua fase européia poderíamos dizer que foi marcado pela Guerra: seu trabalho revela pinceladas pesadas, densas, sem cores e sem sol. Tristes.

Sua primeira exposição no Brasil foi em 1913, com nítidas características expressionistas, tornando-se importante por ser um dos primeiros acontecimentos precursores da arte moderna no Brasil, juntamente com Anita Mafaltti, que em 1917 fez sua mostra, dando oportunidade a que artistas inovadores começassem a se unir para uma mostra coletiva mais adiante, quando em 1922, então, acontece a Semana da Arte Moderna.

Na Semana da Arte Moderna juntaram-se artistas de expressão, grandes incentivadores deste movimento que pretendiam apresentar ao público o que se fazia de mais inovador no país, no campo das artes, da literatura e da música.

Em 1923, Lasar mudou-se para São Paulo/Brasil, declarou ter encontrado o milagre da cor ao olhar o mar verde e um céu azul.

Casou-se, nesse ano de 1923, pela segunda vez, com a brasileira Jenny Klabin, de uma tradicional família paulista.

Em 1924, morando definitivamente no Brasil passou a pintar temas brasileiros: mulatas, prostitutas, marinheiros, paisagens, favelas e bananeiras. Em 1929 dedica-se à escultura em pedra, madeira e gesso.

Porém, após alguns anos, voltou a retratar o sofrimento do ser humano, como também não deixava de expressar em suas telas, a compaixão pelos perseguidos do sistema nazista. Retrata grandes temas humanos, como o sofrimento e a solidão. É desta época que temos Pogrom (retrata o massacre das crianças judias), Navio de emigrantes, Guerra e Campo de concentração.

Em 1951, Lasar deu início ao último ciclo de sua obra com: As Erradias, Favelas e Florestas. Morre em 1957, aos 66 anos, de problemas cardíacos. A ‘casa estúdio’onde morou, foi convertida em museu.

Em seu epitáfio Oswald de Andrade lhe faz a última homenagem:

Eu sou o ícone
Eu sou a construção
Eu sou a revolução
Sou o sentido perturbador
Do homem que perdeu o lar
Viajo nas mãos dadas dos imigrantes do navio
Recomponho as massas e realizo a viajem
Habito o inesperado
Quero o porto. Sou a permanência.
Eu sou o futuro!

Ficou uma obra forte, de conteúdo humano triste, denso e melancólico. Mas também deixou pinceladas mais alegres retratando coisas autenticamente brasileiras.

Clique: Museu Lasar Segall

ANDY WARHOL / 2ª PARTE

2010-06-20T22:53:00.007-03:00

- tais luso de carvalho
As obras de Warhol são importantes pelas questões que levanta até os dias atuais. Warhol falava de um futuro, do novo mundo que estava nascendo, e vivemos agora este mundo. Em suas obras apresentou a famosa série de Marilyn Monroe, no ano de seu suicídio, uma de suas mais famosas obras e que ficou como a mais conhecida figura central da art pop do séc XX.

Imprimiu uma série destas obras, em várias cores, assim como as latas de Sopa Campbell’s. Foi o primeiro que visualizou que as comidas prontas começariam a entrar no cardápio tanto do presidente de seu país quanto da classe média, e colocou a idéia em ação: produziu as latas em série. O que ele queria, era levar o entusiasmo da cultura popular às artes. Fez o mesmo com a coca-cola, com as caixas de sabão Brillo, Catchup Heinz e dos Sucrilhos Kellogg’s.

A pop art é definida, então, como a arte da cultura de massa. Tem a ver com a publicidade para atender a uma grande demanda. Não interessava o que era arte, uma lata de sopa adquiria o status de arte, segundo Andy Warhol.

Warhol começou pintando cada imagem à mão, mas depois passou a imprimi-las, fixando um stencil a um ecrã esticado sobre uma moldura e forçando a cor através das zonas da tela que ficavam descobertas.

Começou suas obras como se fosse ‘linha de montagem’; o processo era tão simples e rápido que o deixou extasiado: ampliava uma imagem, aplicava esta imagem com cola a uma tela permeável e jogava tinta por cima da cola, deixando passar o negativo da imagem para a tela. Em cada repetição, o resultado era um pouco diferente, como a fotocópia da fotocópia.

De tanta repetição da imagem, transformava o banal em mito, o que penetrava direto no inconsciente. Empregava as cores da cultura pop: gritantes e agressivas. Não foi à toa que Marilyn se transformou em ícone depois de morta. Mostrou a todos o espetáculo do consumo.

Ao se promover, o que fazia muito bem, transformou-se num enigma. Teve uma enorme influência em gerações posteriores de artistas. Warhol nasceu em Pitsburg (EUA) em 1928 e morreu em Nova Iorque em 1987.